La Biennale d’Helsinki sur l’île de Vallisaari explore la relation à la nature, au temps et au changement

À l’approche de l’île de Vallisaari en ferry depuis Helsinki, un échafaudage de 20 pieds de haut qui fuit avec un toit rouge vif est l’une des premières choses que les visiteurs voient. Il ne s’agit pas d’un signe de reconstruction après des dommages causés par les intempéries, mais plutôt d’une installation de l’artiste finlandais Jaakko Niemelä intitulée Quai 6 devrait accueillir les arrivants à la première Biennale d’Helsinki, dont le thème est « La même mer ».

Se déroulant jusqu’au 26 septembre et mettant en vedette les œuvres de 41 artistes locaux et internationaux, « The Same Sea » se concentre sur les niveaux universels, environnementaux et interpersonnels d’interdépendance et d’interconnexion. Chaque élément de Quai 6 incarne parfaitement ce thème : Supprimer supprimez un seul bloc de construction et toute la structure s’effondrera. La hauteur de la pièce n’est pas non plus un choix arbitraire : le niveau mondial de la mer devrait augmenter d’autant si la calotte glaciaire du Groenland fond, et ce qui semble être un toit qui fuit fait également référence à la menace imminente de l’eau.

À première vue, avec ses sentiers de randonnée et sa végétation luxuriante, l’île de Vallisaari semble être un paradis pour les amoureux de la nature, en contraste frappant avec l’artifice de l’art créé par l’homme. C’est l’habitat de 400 espèces végétales, de 1 000 espèces de papillons et d’une grande variété d’espèces protégées de chauves-souris. C’est aussi un ancien fort maritime : lors de l’indépendance de la Finlande vis-à-vis de la Russie en 1917, il est devenu une zone de stockage privilégiée pour les armes des Forces de défense, comme en témoignent les bunkers de stockage de poudre à canon. Des civils vivaient ici aussi, en particulier entre les années 1950 et 1980 ; l’île avait même sa propre école primaire.

Mais c’est plus qu’une toile de fond scénique. Chaque œuvre d’art utilise la morphologie naturelle, la faune et les structures artificielles comme parties intégrantes, avec des artistes s’engageant activement avec l’île et sa beauté post-apocalyptique, où la nature a prévalu. « Le soi-disant Anthropocène est révolu depuis longtemps » est la prémisse de Samir Bhowmik Îles perdues, une pièce immersive à la fois performance et installation dans laquelle Bhowmik, agissant comme guide touristique, suit le parcours d’un câble souterrain et sous-marin imaginaire à travers l’île de Vallisaari ; il explore la nature sauvage de la région à travers des ruines, des greniers, des caves et des bunkers, entrecoupés des installations de Bhowmik.

Toutes les autres œuvres sont également conçues dans une optique d’exploration, situées le long d’un chemin de canon et dans des intérieurs comprenant des caves à poudre et des immeubles d’habitation désertés. Katharina Grosse Éclat d’obturateur, par exemple, utilise l’école de l’île comme toile, sa palette de couleurs très saturées saignant sur la gouttière du toit et la végétation environnante.

A l’inverse, Alicja Kwade, dont l’accent est mis sur la matérialité et le vide de la matière et la coexistence de ces deux états, expose deux œuvres à la Biennale. Pars pro Toto (2018) est une collection de huit roches lisses et parfaitement sphériques «éparpillées» sur le rivage rocheux de Vallisaari. Leur nombre et leurs tailles différentes rappellent les planètes de notre système solaire, et leur substance naturelle en pierre provient et symbolise tous les continents. Avec Pars pro Toto, Kwade tente de contextualiser l’ampleur relative des problèmes qui affligent l’humanité. Son autre travail, Big Be-Hide (2019), situé sur l’étroite bande de terre qui relie Vallisaari au Kuninkaansaari voisin, comporte deux rochers – l’un réel, l’autre une image miroir métallique – placés de chaque côté d’une tôle d’acier avec une surface réfléchissante des deux côtés.

L’artiste finlandaise Laura Könönen a également choisi le rock comme matériau de base, dans ce cas, la diorite. Sa Pas de paradis dans le ciel (2011) représente des éclats de la voûte du ciel s’étant écrasés sur terre : les faces supérieures des pièces sont peintes en bleu ciel. Représentation du changement, il défie la pensée conventionnelle, notre sentiment de sécurité et nos croyances ou modes de vie qui s’avèrent insoutenables et irréversiblement brisés.

La connexion métaphorique des installations aériennes et de l’infrastructure souterraine est celle de Tadashi Kawamata. Phare de Vallisaari, une structure faite de bois de rebut et d’autres restes. Il repose sur une plate-forme au-dessus d’une cage d’ascenseur qui se connecte aux nombreux passages souterrains de l’île.

Les espaces voûtés caverneux à la fois souterrains et aériens offrent des sites aussi idéaux pour les installations de la Biennale que les vues panoramiques de l’île, accueillant des représentations du fond de l’océan, du sous-sol et de la dimension intérieure de l’humanité (littéralement). Un tel exemple est Crochet Récif de Corail, l’œuvre des artistes américains Margaret et Christine Wertheim ; les sœurs combinent la science, la géométrie, la physique et l’artisanat dans leur pratique artistique, utilisant des manipulations esthétiques et manuelles pour rendre tangibles des concepts abstraits. Parallèlement, leurs travaux attirent l’attention sur la destruction progressive des récifs coralliens due au changement climatique.

Fondatrices de l’Institute for Figuring de Los Angeles, les sœurs Wertheim ont lancé le plus grand projet d’art et de science participatif au monde dans la création de sculptures de corail géantes incorporant des matériaux tels que du grillage, de la bande vidéo, des sacs en plastique et du fil – l’étoffe même de pollution des océans. Dans le cadre d’un effort mondial, les participants citoyens locaux se réunissent pour fabriquer des pièces individuelles au crochet qui sont ensuite assemblées en une sculpture à grande échelle. Le travail communautaire met en évidence les effets destructeurs des humains sur l’écologie et le climat, et leur pouvoir de les inverser. Le Récif satellitaire d’Helsinki (2021) est le résultat de l’engagement local des Wertheim impliquant plus de 3 000 habitants de la région.

L’installation de Maaria Wirkkala Pas si innocent est un autre clin d’œil à l’eau, situé dans la cave voûtée de la batterie Alexandre. Composé de verre brisé, de pierres anti-émeutes, d’or et de lumière artificielle, il rappelle un grand plan d’eau inondant un espace clos, évoquant à la fois la destruction et la catharsis qui s’ensuit.

L’interdépendance tangible dans Niemelä Quai 6 est reflété dans Tuomas A. Laitinen Zone, qui, à travers des dioramas et des paysages de table incorporant des éléments microbiologiques, des illustrations alchimiques, du verre, de la vidéo et de l’audio transmis via des haut-parleurs à ultrasons, vise à explorer les frontières poreuses entre les êtres.

Une œuvre qui se concentre davantage sur l’individuel que sur l’universel est l’installation immersive de Dafna Maimon Indigestes. Dans une pratique diversifiée, Maimon examine la façon dont nous fictifions nos propres traumatismes afin d’en sortir plus autonomes et, en Indigestes, cette situation difficile prend la forme des entrailles d’une femme d’âge moyen, ses intestins—disposés dans les voûtes souterraines de l’île de Vallisaari—un paysage composé de bactéries et de nourriture non digérée. C’est un environnement vermeil et inquiétant.

La Biennale d’Helsinki tente également de tenir compte de l’histoire de son propre pays, en particulier lorsqu’elle concerne la population indigène : la relation culturelle et artistique du peuple sami avec la nature et avec la politique du développement durable. Dans une première collaboration avec ses filles, Birit et Katja Haarla, diplômées de l’école de ballet de l’opéra et ballet national de Finlande, elle a conçu un paysage sonore avec de la danse, de la musique et de l’artisanat traditionnel sami. Leur Guhte gullá / Ici pour entendre (2021) envisage un paysage d’évasion où des jeunes se mettent à danser pour conjurer l’angoisse de la destruction du monde, invoquant l’aide de divinités de la terre sâmes oubliées à travers la musique de Tuomo Puranen, combinant rituel et rythme électronique, et la musique de Mari Boine yoik, une expression vocale sami sans paroles.

À la fin de la Biennale, trois œuvres d’art seront exposées en permanence. d’Alicja Kwade Big Be-Hide et Pars pro Toto résidera dans le quartier Helsinki de Kalasatama. Laura Könönen Pas de paradis dans le ciel déménagera au parc Hyväntoivonpuisto dans le quartier Helsinki de Jätkäsaari.

L’ensemble de la Biennale d’Helsinki résume parfaitement la réalité post-pandémique du monde de l’art, son cadre idéal pour apprécier l’art tout en respectant les mesures de santé publique appropriées. Elle nous rappelle aussi que nous coexistons dans l’interdépendance, et que notre survie dépend d’un effort mutuel sur une base individuelle et collective.

Suivez la Biennale d’Helsinki sur Instagram. « La même mer » se déroule jusqu’au 26 septembre 2021.