En période d’incertitude, de crise et d’isolement, le rôle de l’art devient plus central dans nos vies, que nous le réalisions ou non. Nous pouvons facilement tenir pour acquis le grand buffet de médias qui s’offre à nous.
Il est facile de ressentir la pression de créer pendant les périodes de crise et d’isolement, car l’idée « à privilégier » avec la créativité est que c’est le moment idéal pour créer. Bien que ce ne soit certainement pas toujours le cas car la beauté de la création est que tout le monde est différent et tant de gens ont trouvé leurs désirs créatifs initialement endommagés et il a fallu plusieurs mois pour trouver une sorte de rythme artistique et cela va du professionnel haut de gamme au professionnel amateur occasionnel.
Comme vous le savez sûrement, tout notre personnel est composé d’artistes comme 1200artists et nous avons récemment organisé un concours d’art du personnel 1200artists avec toutes les créations réalisées au cours de la dernière année en lock-out. Vous trouverez ci-dessous toutes les entrées de notre exposition en ligne célébrant les artistes de notre personnel. Prendre plaisir!
Aimée Clark – ‘L’illustration de la nature morte a occupé le devant de la scène tout au long de mes blocages. C’est facilement accessible, toujours inspirant et se traduit souvent par un reflet de mon propre bien-être pendant le temps de fabrication. Mon partenaire et moi avons commencé à acheter régulièrement des fleurs pour égayer le petit appartement sombre dans lequel nous sommes confinés. Après que de nombreux bouquets soient devenus tristes, flétris et jetés, nous avons commencé à sauver diverses tiges, à attacher les extrémités ensemble, à les suspendre à l’envers dans le placard sombre et à les sécher. Cela nous a rendus d’autant plus heureux que cela nous a donné une petite tâche à accomplir pendant les longues journées vides, ainsi qu’un résultat à espérer. Mon illustration marque le début de ce processus, montrant l’enthousiasme pour ce nouveau et beau passe-temps. Le vase est maintenant beaucoup plus plein, avec des tiges d’environ quatre ou cinq bouquets ! Mon travail consiste généralement en une variation de matériaux et de procédés, généralement dessinés ou peints de manière traditionnelle, puis collés numériquement. La composition est généralement dépendante et considérée à la fois avec le sens du sentiment de l’illustration et ma propre perception de l’atmosphère dont l’image contient. Cette illustration a fait de la place pour beaucoup d’espace et une palette de couleurs vives. Un affichage légitime de la journée ensoleillée de novembre calme et lumineuse sur laquelle j’ai commencé à faire l’image !’
Bethany Dartnell – ‘La psychogéographie est un terme utilisé pour décrire l’effet que les lieux ont sur nos émotions. Ceci, en tant que pratique, a été le facteur principal dans le travail que j’ai créé pendant près de 10 ans. Le verrouillage a mis un terme malheureux à mes aventures de visites brutalistes d’une journée au Royaume-Uni, mais pas pour mon amour de l’architecture communautaire. Park Hill Flats à Sheffield est un exemple fantastique du style « Streets in the Sky » et incarne l’aspect de communauté sociale que beaucoup d’architecture brutaliste avaient dans le Royaume-Uni d’après-guerre. Des bâtiments qui ont réuni à nouveau les gens, un peu comme ce que nous avons fait en tant que communauté au cours de la dernière année pendant cette pandémie. Des appels Zoom aux pâtisseries au pain aux bananes, Community a eu un thème fort en 2020-21 et continue de faire partie des œuvres d’art que j’ai créées pendant mon séjour à la maison.
Asie Petit – ‘Cette pièce fait partie d’une série de pièces que j’ai créées en explorant le processus et la matérialité comme moyen de visualiser les sentiments d’anxiété et de chaos. Les œuvres sont créées à l’aide d’images numériques qui sont manipulées et extraites de nouveaux supports pour créer des paysages fragmentaires. La création de ces pièces a été vraiment cathartique et on ne sait jamais vraiment comment elles vont se terminer, parfois le processus est très destructeur et le matériau d’origine est à peine reconnaissable.’
Lily Macrae – « Face à notre propre mortalité, nous aspirons au contact des autres. Aujourd’hui, il faut plutôt s’interroger les uns les autres. Une distance « sociale » qui nous prive de la satisfaction de nos désirs sensuels – au moment où nous les désirons le plus. On nous refuse le rituel de communion pour commémorer le passage de la vie. Dans de tels moments, le tableau de la dernière Cène devient de plus en plus poignant. C’est un sujet immortalisé par son universalité. Une cérémonie que nous partageons tous, et dont nous devons désormais nous passer. Cet ensemble d’œuvres réinvente des histoires et des mythes universels, soulignant leur pouvoir, leur beauté et souvent leur absurdité, tout en explorant leur rôle dans un récit contemporain et mémoire collective. L’imagerie du festin et de la bacchanale dans l’histoire de l’art apporte des notions de désir et de conséquence, d’excès d’indulgence et de notre besoin de gratification instantanée. La perte actuelle de compagnie familière renforce le désir d’être avec d’autres personnes dans ces moments de conséquence, tout en soulignant la culpabilité que cela entraînerait, et la perte qui est la nôtre parce que nous ne le devons pas. Utiliser l’échelle monumentale et l’architecture humaine d’images de rituels partagés, de culte et de luttes de pouvoir chaotiques, ces œuvres jouent avec les intentions traditionnelles de cette imagerie et ce que cela signifie dans notre état collectif actuel d’anxiété et d’isolement pandémiques.
Jack Cuisine – ‘Surface’ est un cyanotype fabriqué à partir de feuilles squelettisées. J’ai trouvé ces feuilles en formations après le gel important du mois dernier, les formes sont créées lorsque les tissus plus mous des feuilles se décomposent, laissant la fine structure squelettique. Le processus de cyanotype consiste à créer une empreinte ou un instantané de la forme initiale, cela semblait donc être une empreinte d’une empreinte. Il peut être assez rare de trouver des feuilles squelettées naturellement avant qu’elles ne soient complètement détruites par l’humidité, et donc au milieu d’une période aussi déprimante, il était presque magique de les trouver intactes ; parfois, il faut une petite chose pour vous donner assez d’énergie pour lutter à la surface.
Jessica Herbert – ‘Precarious Times a été créé lorsque la vie semblait aussi instable que le linge étalé perché de manière précaire sur le canapé. Les jours de confinement ont été comptés en déplaçant les ombres dans les renfoncements du plafond ; les nuits rythmées par les zooms sociaux et les rêves fantastiques de Covid. La société se sentait post-apocalyptique avec des étagères de nourriture vides et des émissions gouvernementales quotidiennes; comme s’il reposait sur un précipice, équilibré par tous les aspects de nos vies tirant dans des directions opposées. La vie semblait gelée mais toujours au risque de s’effondrer. Je suis tombée amoureuse de la lumière et des formes, alors j’ai pris un pinceau pour la toile. C’est devenu une sorte de jeu pour voir combien de temps il pouvait rester là en toute sécurité, intact, et j’ai immédiatement vu les parallèles avec notre nouvelle réalité.
Jules Penlington – « Dolly Parton signifie tellement pour beaucoup de gens différents, et particulièrement pour moi. Je suis fan de ses chansons depuis des années (je veux dire qui n’a pas chanté 9 to 5/Islands in the stream sur un karaoké ?!) mais ces dernières années j’ai vraiment écouté ses chansons et les significations derrière eux – sa famille, ses valeurs et le fait d’être sans vergogne au-dessus. Non seulement elle a défendu l’égalité des femmes, mais tout au long de sa carrière, elle a été une fervente partisane des droits des LBGTQ + – ayant participé à un concours de sosie de Drag Dolly Parton et ayant perdu ! En 2020, Dolly a fait don d’un million de dollars à la recherche au Vanderbilt University Medical Center, qui a travaillé à la création d’un vaccin contre le COVID-19. Son soutien au programme de vaccination a sensibilisé et clarifié de nombreuses personnes. Je suis une fière fan de Dolly et j’ai passé de nombreux jours pendant le confinement à danser dans ma cuisine sur sa musique. J’espère que tous ceux qui voient ma peinture mettent un peu de Dolly pour égayer leur journée.
Kieran Turnbull –
« Je me suis remis à utiliser des pastels. En décembre dernier, j’ai acheté une sélection de pastels à la craie Unison et j’ai pensé qu’il était juste de profiter de mes parcs royaux environnants. Cela s’est traduit par le fait que je visitais régulièrement Richmond et Bushy Park, où j’ai insisté sur l’utilisation de la couleur. Les résultats de Paul Cézanne et de Camille Pisarro m’ont aidé à savoir quelles palettes je devais utiliser tandis que j’essayais également de ne pas me limiter aux échelles et cadres typiques « A » en créant mes propres zines à partir de papier pastel. »
Tyron – « L’œuvre représente les visages les plus matures des Beatles dans une palette de couleurs pop qui rappelle leur moment psychédélique le plus courant. La taille assez importante de cette pièce m’a permis d’aller très loin dans les détails, même si mon objectif n’était pas de la faire ressembler à une reproduction photographique. Ma vision et ma technique personnelles capturent ce que j’aime appeler les «détails fantômes». De cette façon, je ferais toujours quelque chose qui dépasse la perception réelle des choses, c’est pourquoi j’ai tendance à les gratter et à les « salir » après que cela semble terminé. J’aime considérer ce processus comme une sorte de signature.
Mario Gonzalez – ‘L’œuvre est une estampe réalisée avec la technique traditionnelle de la pointe sèche. Le titre est « Silencio »/Silence et c’est une tentative de représenter la solitude et le silence que nous avons tous vécus en 2020, que ce soit en nous-mêmes, dans la ville ou dans l’environnement qui nous entoure.’
Ronan McGeough – ‘Cette pièce a été créée au plus fort du verrouillage d’origine et la prémisse de base derrière elle est l’idée de la résilience humaine face à l’adversité persistante. Cela a été fait à une époque où l’espoir semblait peu, perdu ou incroyablement lointain. Les chiffres de nouveaux cas augmentaient chaque jour et le nombre de décès était obsédant et incompréhensible. Mais en voyant tous les travailleurs de première ligne mettre leur santé en jeu, les adaptations apportées par les individus et les industries pour traduire le physique au numérique dans tous les sens montrent la polyvalence et la résilience de la condition humaine – ne pas se vautrer mais trouver une solution. Pour représenter cette idée dans cette pièce, les éléments abstraits des lavis et des éclaboussures de peinture représentent le chaos, l’incertitude et la terreur auxquels nous étions confrontés en nous faisant retirer l’une de nos principales exigences humaines – la connexion physique. N’ayant pas fait face à une pandémie mondiale, tout était inconnu, y compris la réponse de chaque individu à des temps aussi incertains et effrayants. Avec de tels progrès réalisés au cours des derniers mois, il est facile d’oublier à quel point cette époque était surréaliste. Le bâtiment dans cette pièce est de représenter la condition humaine surmontant l’horreur à la recherche du bien-être, de travailler ensemble et une offre d’espoir pour notre conscience collective. Quelque chose auquel nous nous accrochions – ces rayons de lumière d’une fin potentielle en vue. C’est un emblème d’espoir de notre esprit collectif qui se manifeste en tant d’entre nous et qui, à mon avis, n’a jamais été aussi présent que ces 12 derniers mois.’
Timothée O Brien’ – ‘Pendant le confinement, j’ai utilisé le temps pour pratiquer mes portraits à l’huile. Je peins généralement en conservant mes coups de pinceau, en utilisant des traits rectangulaires pour renforcer le teint de la peau. Cependant, dans cette pièce, je voulais que l’accent soit mis sur ses lunettes de soleil et l’éclairage comme si elle descendait un podium. Cela m’a inspiré à travailler avec plus d’accessoires sur un modèle pour ajouter une autre dimension à la peinture.
Rendez-vous dans l’un de nos magasins pour rencontrer et discuter avec l’un des artistes de notre personnel !
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