Citizen Kane parle de profondeur de champ, Elf parle de perspective forcée, Reservoir Dogs parle de ralenti.
Dans le livre « Masters of Cinema », des films célèbres eux-mêmes nous racontent tous les secrets du cinéma. Enfin, presque vous-même. Le critique de cinéma Tim Grierson les aidera un peu.
Vous y trouverez des exemples de blockbusters (Wonder Woman) et d’oscarisés (Rocky), des joyaux de l’ère du cinéma muet (Intolérance) et des trésors d’art et d’essai récents (American Honey). Peut-être que la discussion sur vos films préférés n’a jamais été aussi instructive.
Pour amateurs et débutants
Ce livre est une lecture amusante pour les cinéphiles et un guide utile pour les étudiants et les débutants. Inside – une histoire fascinante sur les techniques astucieuses utilisées par des réalisateurs célèbres du début du XXe siècle à nos jours, à travers le prisme de leurs films, chacun admiré, abasourdi, soulevé des questions inconfortables et plongé dans son propre monde.
Seigneurs du cinéma
Parlons du fonctionnement de Steven Spielberg, Martin Scorsese, Sofia Coppola, Stanley Kubrick, Alfred Hitchcock. Analysons les techniques et pratiques sur des séquences de Star Wars, Beginning, The Avengers, The Godfather et Amélie.
Extrait du film « Le Piano », 1993. Réalisation : Jane Campion
« Il n’y a vraiment pas de moyen unique de faire un film », écrit Grierson. « Depuis plus d’un siècle, les cinéastes repoussent les limites d’un grand film. Ils se sont appuyés sur des méthodes de tir traditionnelles tout en développant de nouvelles façons de penser audacieuses. Dans ce guide, je vais parler des éléments de base de la cinématographie : scénarisation, jeu d’acteur, tournage et post-production, en utilisant à la fois des films classiques et modernes comme exemples, où ces éléments se manifestent clairement. »
Abattre les murs
Vous avez probablement déjà entendu l’expression « briser le quatrième mur ». Il s’agit d’une technique dans laquelle le personnage s’adresse directement à la caméra, comme s’il s’adressait directement à nous. Cette technique est magistralement utilisée par le film « Amélie ». L’héroïne voit le monde différemment, il semble donc naturel qu’elle commence à parler à travers l’écran avec le spectateur. Ainsi, Amélie nous tend la main, nous invitant dans son univers.
Extrait du film « Amélie », 2001. Réalisateur : Jean-Pierre Jeunet, comédienne : Audrey Tautou
Un personnage qui brise le « quatrième mur » peut apparaître comme un destructeur qui défie les règles du drame. Mais dans le cas d’Amélie, l’abolition des interdits narratifs ajoute beaucoup de chaleur et d’intimité à l’histoire. Ainsi, l’héroïne crée un espace intime commun, impliquant le spectateur dans ce qui lui arrive et autour d’elle.
Espace négatif
Dans le cadre, notre regard est attiré par l’élément le plus dynamique. C’est généralement le personnage principal. Mais souvent, l’espace environnant ne porte pas moins de charge sémantique, même si à première vue rien de spécial ne s’y passe. Le vide imaginaire peut être très émotionnel et évoquer des souvenirs.
Extrait du film « Roma », 2018. Réalisateur : Alfonso Cuaron
Roma s’inspire des souvenirs du réalisateur oscarisé Alfonso Cuarón sur son enfance à Mexico. Sans surprise, il y a tellement d’accent sur l’arrière-plan, que Cuarón a souvent une mise au point nette. En conséquence, nous interagissons avec le monde entier autour de cette famille fictive et de leur servante dévouée Cleo (Yalitsa Aparisio).
Dans l’esprit de Cuarón, les personnages et le monde qui les entoure sont interconnectés, et c’est une manière intelligente de visualiser le fonctionnement de la mémoire.
Montage déchiré
Smash cut, ou montage déchiré, est une technique conçue pour dérouter le spectateur. Contrairement au montage classique, qui nous fait passer en douceur d’une scène à l’autre, le smash cut frappe et provoque délibérément. Le réalisateur veut que nous remarquions le saut et que nous réfléchissions à la raison pour laquelle les deux cadres sont collés ensemble d’une manière si inhabituelle.
En 2001, Stanley Kubrick a montré l’évolution des primates à l’incroyable Star Child. Au début du film, il y a un saut dans le temps frappant de « l’aube de l’humanité » vers le futur, où les gens voyagent de la Terre à la Lune dans des vaisseaux spatiaux commerciaux.
Pour marquer cette transition dans le temps, Kubrick et l’éditeur Ray Lovejoy ont cousu ensemble un cadre d’un os lancé en l’air par un singe avec un cadre d’un vaisseau spatial en orbite autour de notre planète.
Le contraste net permet de visualiser jusqu’où nous avons sauté dans le temps. 2001 nous dit que nous entrons dans une nouvelle ère, et nous invite en même temps à considérer que les gens ont peu changé : ils sont tout aussi méfiants, compétitifs, curieux, rigidement limités par le cadre de leur technologie et de leurs connaissances.
Quoi d’autre
- « Lost in translation » et la prise de conscience par l’acteur des arrière-pensées du personnage
- King Kong et les illusions d’optique pour jouer avec la taille et l’échelle
- « Le Parrain » et créer une tension à travers les ombres et la lumière
- Casino Royale et musique hors écran
- « Commencer » et donner aux objets une signification symbolique
… et près de 200 pages sur la fabrication du cinéma.
Ce livre se lit d’un trait : des extraits de vos films préférés ici côte à côte avec des explications simples et compréhensibles. Vous apprendrez le jeu d’acteur, la mise en scène, l’éclairage et la caméra, l’écriture de scénario et le montage. Et, très probablement, vous voudrez revoir tous les films mentionnés.
Basé sur des matériaux du livre « Masters of Cinema »
En couverture du post – une photo du film « Roma », 2018. Réalisateur : Alfonso Cuaron (photo du livre)
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