Interview d’artiste : Tamsin Relly sur l’art, l’écologie et la santé mentale

by admin

Nous avons rencontré l’artiste multidisciplinaire Tamsin Relly pour parler de son parcours en tant qu’artiste, de sa pratique et de la relation entre l’art et la santé mentale et son implication avec Hospital Rooms, un organisme de bienfaisance pour les arts et la santé mentale qui commande des œuvres d’art extraordinaires pour les unités de soins psychiatriques du NHS à travers le Royaume-Uni.

La propre pratique de Relly reflète les conditions environnementales perturbées d’un climat mondial changeant, compte tenu de l’effacement et de la construction de la nature sauvage, que ce soit pour l’industrie ou les loisirs.

Salut Tamsin ! Merci d’avoir pris le temps de discuter, tout d’abord pouvez-vous nous présenter votre parcours créatif jusqu’à présent ?

Bonjour! Merci pour l’invitation.

Mon premier amour était pour la peinture à l’huile avec laquelle j’ai commencé à travailler dans mon adolescence, mais j’ai toujours aimé expérimenter de nouveaux médias – découvrir ce qui est unique à chacun. Au fil des ans, j’ai apporté plus de gravure et de photographie dans ma pratique. J’aime travailler avec les qualités fluides et imprévisibles de chacun de ces médias. Et aussi voir comment une composition peut se traduire d’un certain support à l’autre et vice-versa.

Je m’intéresse à l’écologie, en reconnaissant notre rôle dans les crises climatiques mondiales et en explorant comment nous pouvons évoluer vers une relation plus réciproque avec notre environnement.

J’ai grandi en Afrique du Sud et j’ai déménagé à Londres vers la fin de la vingtaine lorsque je me suis inscrit à une maîtrise à la City & Guilds London Art School.

Votre travail implique autant de recherche que de création, explorant d’énormes sujets concernant les conditions environnementales mondiales – comment abordez-vous un nouveau sujet d’intérêt ?

Dans la mesure du possible, j’aime faire l’expérience de ce que je peux de première main – qu’il s’agisse d’un terrain ou d’un climat particulier, d’un environnement bâti ou d’un site industriel, et de pouvoir parler avec des personnes locales à cet endroit. J’ai la chance d’avoir rejoint des résidences dans des endroits comme le Svalbard dans le cercle polaire arctique ou les déserts du sud-ouest américain. J’aime aussi faire des voyages de recherche indépendants qui peuvent ressembler à des mini-résidences. J’ai campé aux Eden Projects à Cornwall pendant presque une semaine, afin de pouvoir passer chaque jour dans les jardins et les galeries éducatives – en traînant un lourd sac à dos rempli d’appareils photo et de cahiers. J’ai passé du temps dans les archives du National Maritime Museum à étudier certaines des premières photographies prises dans les régions polaires.

Il y a aussi tellement de discussions intéressantes à exploiter. Avant la pandémie, j’assistais régulièrement à des conférences ou à des colloques explorant l’intersection de l’art et de l’écologie. Invisible Dust et Worm Ecology sont deux des nombreuses plateformes intéressantes qui explorent ces thèmes. En 2018, j’ai coprésidé un panel intitulé L’art rencontre la science – Ce qui ne peut pas être transmis à ‘Polar 2018 – A SCAR & IASC Conference’, une conférence sur les sciences polaires d’une semaine à Davos, en Suisse.

J’ai toujours un certain nombre de livres en cours, bien qu’à un rythme lent avec un tout-petit dans ma vie en ce moment. Je pense que les podcasts sont une ressource brillante et peuvent fortement recommander Emergence Magazine, For the Wild and the Botanical Mind pour des discussions et des essais divers et perspicaces sur notre monde en évolution rapide.

Vous travaillez dans une variété de médiums différents, de la peinture à la gravure – et même certains travaux de tapisserie. Est-ce un processus naturel de décider du support que vous allez utiliser lorsque vous commencez une nouvelle œuvre ?

Je travaille assez intuitivement dans mes choix de matériaux mais il y a des projets qui se prêtent à un médium ou à un autre et ce sont aussi des considérations formelles. Par exemple, lorsque je souhaite travailler avec davantage de lignes tracées, je peux utiliser une gravure sur sol dur ou un monotype de trace, tandis que les monotypes de peinture ou d’aquarelle tendent à créer des formes plus fluides ou dissoutes.

Parfois, les matériaux se rapportent plus directement au contenu de l’œuvre. Pendant que j’étais à la Hogchester Art Residency dans le Dorset, j’ai collecté de l’argile grise de la côte jurassique voisine et j’ai utilisé le pigment pour peindre des portraits de roches trouvées sur le même rivage.

D’autres fois, il peut s’agir simplement de ce dont vous disposez ou auquel vous avez accès, et vous devez trouver des moyens de travailler dans les paramètres d’un certain temps, d’un espace ou d’un budget. Le travail photographique peut être particulièrement coûteux, ce sont donc généralement des projets plus lents pour moi.

Pourriez-vous également développer un peu plus certaines de vos œuvres sur papier – en particulier votre utilisation de l’aquarelle. Qu’en est-il du support que vous aimez utiliser ?

J’utilise l’aquarelle depuis de nombreuses années pour faire des monotypes, qui sont des tirages uniques. Je peins sur une plaque transparente ressemblant à de l’acétate, je la laisse sécher, puis je la passe dans une presse en transférant l’image sur du papier humide. Je travaille avec la peinture assez humide donc beaucoup de choses peuvent changer en séchant, et l’image sort à l’envers. J’aime la fluidité de ce processus – vous ne savez jamais vraiment ce que vous allez obtenir jusqu’à ce qu’il sorte de la presse.

Ce n’est que récemment que j’ai commencé à travailler avec l’aquarelle directement sur papier, ce qui, d’après mon expérience, est très différent des monotypes aquarelles. Par exemple, dans la façon dont les deux surfaces de la plaque en plastique par rapport au papier reçoivent le pinceau si distinctement. Pendant longtemps, l’utilisation d’aquarelles sur papier n’a pas fonctionné pour moi. J’ai commencé à expérimenter avec des surfaces de papier alternatives jusqu’à ce que j’en trouve une – un coton fait à la main – qui a commencé à faire sens pour ma marque. Je trouve toujours que c’est un médium difficile, mais j’apprécie toujours la façon dont la peinture bouge et saigne sur le papier et le spectre de marques subtiles à très contrastées. Parfois, j’aime laver la surface de la peinture ou l’accumuler en couches, donnant un flou artistique à l’image.

Et en parlant de matériaux ! Y a-t-il des marques en particulier qui vous attirent, des marques auxquelles vous aimez revenir ?

J’ai un faible pour Sennelier. Il y a de nombreuses années, j’ai acheté quelques peintures à l’huile et pastels directement dans leur magasin magique à Paris. Leurs matériaux sont présentés dans des tours de vieux tiroirs et étagères en bois séduisants et je me souviens comment les couleurs que j’ai choisies ont transformé ma palette à l’époque.

J’adore Caran Dache néo-couleur II, les pastels diluables à l’eau. Ils sont fermes mais crémeux, ils ne s’écaillent pas et se déclinent dans une superbe gamme de couleurs. Je les utilise sur papier, et aussi pour des monotypes à l’eau.

Et j’ai l’impression que depuis que je me souviens, Winsor & Newton ont été là comme une référence fiable pour toutes sortes de peintures et de matériaux merveilleux !

Hospital Rooms vous a demandé à plusieurs reprises de créer un travail permanent pour des unités de santé mentale verrouillées et sécurisées au Royaume-Uni. Que pensez-vous de l’art qui a la capacité d’aider dans des espaces tels que ceux-ci ?

Il y a généralement six artistes pour un projet et après avoir travaillé sur deux maintenant, j’ai vu comment chaque contribution commence à prendre forme, le sentiment et l’ambiance de l’ensemble du quartier se transforment complètement. Vous pouvez le sentir dès que vous entrez dans l’entrée.

Hospital Rooms organise les services avec une telle sensibilité, mais sans compromettre leur objectif d’apporter un travail de qualité muséale à chaque espace. Cela peut inviter des changements positifs à l’expérience à la fois pour les utilisateurs de services et le personnel à bien des égards. Être entouré d’un travail intéressant et/ou beau peut aider à offrir chaleur et élévation, mais je pense que cela aide aussi les gens à se sentir reconnus, respectés et intellectuellement engagés.

Pour chaque projet, les artistes animent également des ateliers avec les utilisateurs et le personnel du service. Cela aide tout le monde à s’impliquer et est un excellent moyen de connaître plus intimement comment les gens utilisent l’espace et peut informer la direction du travail commandé. L’école d’art numérique des chambres d’hôpital a été lancée en 2020, afin de continuer à apporter un jeu créatif à ces espaces pendant le verrouillage. Il s’agit d’une série continue d’ateliers en ligne en direct et archivés, gratuits et ouverts à tous, alors n’hésitez pas à vous connecter !

Ma mère est bipolaire et en tant que famille, nous avons dû la faire hospitaliser plusieurs fois. Je ne peux pas expliquer à quel point ce processus peut être traumatisant et conflictuel – sachant qu’elle a besoin d’un soutien médical, mais aussi sachant à quel point elle trouve cela difficile. En tant que supporter, avoir confiance que la personne que vous aimez peut être accueillie dans un espace un peu plus invitant, et peut-être moins restrictif ou clinique, peut faire une réelle différence pour toutes les personnes impliquées.

En parlant d’art et de santé mentale, les 12 derniers mois ont été difficiles pour nous tous pour de nombreuses raisons. Votre créativité vous a-t-elle aidé à traverser cette période difficile ? Et avez-vous des conseils à donner à ceux qui ont du mal à maintenir leur motivation créative.

Ma fille avait neuf mois lorsque la pandémie a commencé, alors je commençais tout juste à m’adapter aux façons de gérer entre la parentalité et ma pratique artistique quand tout a commencé – et il y a eu des moments depuis où je me suis senti incroyablement étiré entre les deux. Pourtant, en même temps, ce sont les deux mêmes choses qui m’ont également permis de continuer – pour les deux, il suffit de se lever chaque matin, de rester présent et optimiste. Et oui absolument, j’ai trouvé ça rassurant de faire du travail – d’y trouver de l’élan et du flow, malgré tout ce qui se passe. Ce voyage me semble vivant en ce moment.

Au milieu du troisième confinement, j’ai commencé un rituel de studio que j’appelle une offrande aux muses. Avant de travailler, je sélectionne une image d’une œuvre d’art, un texte ou un poème, une photo, un matériau artistique, un objet de la nature et quelque chose à écouter – un morceau de musique ou un podcast. Je choisis rapidement des choses qui peuvent ou non avoir à voir avec des projets ou des recherches en cours et je les présente… comme une offrande au pot créatif, pour me tenir compagnie, et inviter un moment à s’engager – ou simplement être avec – certains de les livres, les choses, les poèmes et les pratiques qui m’intéressent et m’inspirent, mais qui peuvent trop facilement rester intacts pendant trop longtemps.

Quand je me sens démotivé, je trouve l’idée de planter des graines utiles : commencez petit, jouez sans attendre de résultats – je trouve qu’aborder quelque chose de manière ludique peut aider les choses à se sentir ouvertes et possibles. Et tout ce qui est nouveau commence par de petits pas.

Merci beaucoup de partager autant avec nous, dernière question ! Et après?

J’ai quelques expositions de groupe à venir, dont une avec Oliver Projects intitulée Into the Light of the Present Day, où je suis ravie de montrer aux côtés de Mary Herbert, Kemi Onabulé et Henry Hussey, dont j’admire tout le travail.

Sinon, j’attends avec impatience un temps de studio lent. Ayant eu pas mal de choses récemment, il me semble important de revenir aux bases de la fabrication pendant un certain temps !

Vous vous sentez inspiré ?


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