Chris Gambrell est un artiste et illustrateur de mode qui crée des dessins et des peintures qui explorent la forme, la couleur et la texture. Il a travaillé avec de grandes maisons de mode européennes et a figuré au niveau international dans des magazines de mode et une presse plus large. En 2020, il a été choisi par l’illustre magazine de mode VOGUE, pour être l’un des sept artistes choisis pour dessiner leurs looks couture préférés à partir des pages d’archives de Vogue’s Runway. Nous avons parlé à Chris de son parcours en tant qu’artiste et de son processus de dessin et de peinture et de développement d’un style captivant par son dynamisme et son esthétique lâche. Profitez.
Salut Chris, merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler. Tout d’abord, pouvez-vous nous parler un peu de votre parcours en tant qu’artiste?
J’ai toujours été un observateur passionné et en tant qu’enfant, je copiais des photos d’animaux dans des livres ainsi que de mes voitures et joueurs de football préférés, comme je suis sûr que la plupart des autres enfants le font. J’ai grandi en sachant que je pouvais très bien dessiner des oiseaux et des animaux, mais j’étais perplexe face à la forme des humains et à leur façon de bouger. Alors, adolescente, j’ai consacré un temps insalubre à dessiner de la vie, à aller dans les cafés et à m’asseoir dans ma ville natale de Bristol en remplissant carnet de croquis après carnet de croquis avec des lignes rapides et fluides. J’ai obtenu un diplôme d’illustration à l’Université de l’ouest de l’Angleterre après avoir lutté avec le choix du dessin ou de la sculpture et obtenu mon premier travail d’illustration dès l’exposition finale. C’était un travail remarquable de produire les illustrations de tête de mât pour le futur maire de la ville sur un nouveau théâtre et café qu’il ouvrait dans un quartier à la mode de la ville. Je suis passé à l’illustration de mode comme une continuation très naturelle du dessin dans les rues – qui a toujours été un défilé de textile, de couleur et de forme dans un tourbillon passionnant de mouvement. J’ai pris un congé sabbatique de 12 ans en voyageant et en apprenant à enseigner en Europe et en Asie et n’y suis retourné qu’en 2016, à peu près au moment où j’ai créé mon compte Instagram. Depuis, j’ai la chance de dire que j’ai eu l’occasion de dessiner sur les podiums de Paris et de Florence, que j’ai été publié avec mon propre livre, que j’ai été chargé de produire la jaquette du critique d’art Guardian – le travail biographique de Jonathan Jones sur Artemisia Gentileschi, dont la rétrospective a été acclamée par la critique à la National Gallery l’année dernière.
Vous avez une esthétique si unique et votre travail est immédiatement identifiable comme le vôtre, pouvez-vous nous expliquer comment vous abordez une pièce et comment vous obtenez ce look individualiste de votre travail?
Je pense que certains mouvements et marques deviennent gravés dans votre esthétique au fil du temps et le processus de dessin l’a certainement fait pour moi, bien que chaque pièce me semble comme si elle avait été faite par un totalement étranger à la personne qui avait réalisé le travail avant. On m’a dit que j’aborde les choses avec plus d’une structure de conception – en travaillant sur un mémoire, en abordant les résultats et «ce qui est nécessaire», que ce soit vrai ou non, je n’ai certainement pas de méthode de travail définie. En regardant un sujet, les médias se suggèrent avec la couleur et le style. J’ai tendance à faire des allers-retours avec les couleurs pour les régler et les harmoniser – ou pas. J’écoute beaucoup de musique, mais j’ai du mal à écouter de la musique que je n’avais jamais entendue auparavant lors de la création d’un morceau, ce qui peut être le fait que cela demande plus de mon attention. Je choisis également la musique pour compléter l’ambiance du sujet.
En regardant votre travail, je peux voir de merveilleuses influences du genre de Toulouse Lautrec et Edgar Degas, quels artistes ont influencé votre travail et comment?
Degas était en fait une grande influence mais il y a des morceaux de Klimt, des couleurs et des rythmes de Lorenzo Mattotti, des textures de surface et un traitement de la forme et de l’humeur d’Euan Uglow et beaucoup d’influence vient de Giacometti, Brancusi et Henry Moore.
Les pastels souples Rembrandt sont une partie essentielle de votre pratique, qu’est-ce que vous aimez chez eux qui en fait la clé de votre travail?
La pigmentation des Rembrandt Soft Pastels est si intense que vous avez beaucoup de contrôle lors des allers-retours avec la couleur. Les couleurs sont si vives et la poudre si douce qu’elles s’entremêlent et créent bien de nouveaux mélanges. La couleur semble également bien résister à la détérioration.
Pourriez-vous offrir des conseils aux étudiants qui se lancent dans la voie de l’illustration de mode?
Je sais qu’il semble toujours approprié de recommander ce qui avait été son introduction initiale dans la discipline, mais je dois dire qu’il n’y avait rien de mieux que mon temps passé à tirer des gens de la vie se déplacer dans les rues de la ville animée et à rendre le coup, le swing. et étirement du tissu. Choisissez un espace sûr pour expérimenter, comme un carnet de croquis, et continuez à collecter ces échantillons de vie observés – ils informeront tout ce que vous produirez à partir de ce moment. Lorsque vous êtes assez heureux de commencer à envoyer des dessins à des personnes de l’industrie de la mode, des publications, etc., faites-le avec conviction et confiance.
Vous avez un public formidable sur les réseaux sociaux, comment pensez-vous que cela a eu un impact sur votre carrière et à quel point une plateforme est-elle importante pour les artistes et les créatifs de nos jours?
Instagram a commencé comme un journal pour mon propre développement personnel. Je pense que cela peut être vrai pour de nombreuses créations. C’était et c’est principalement pour documenter le travail. Il se trouve également que c’est l’un des moyens les meilleurs et les plus viables financièrement de faire connaître votre travail. Cela a été un moyen extrêmement utile de se connecter avec d’autres professionnels actifs de l’industrie et de fournir un pont à des clients du monde entier. En tant que site de portfolio très simple, à tout le moins, Instagram ne peut pas être négligé par les artistes et les créatifs, mais il ne doit certainement pas se limiter à cela.
Une chose que nous avons demandée à la plupart des artistes dont nous avons parlé ces derniers temps est de savoir comment le verrouillage a affecté leur production créative et les réponses ont beaucoup varié de bonnes, mauvaises à indifférentes. Comment les derniers mois vous ont-ils affecté de manière créative?
Je tomberais peut-être dans la catégorie indifférente, alors que cela présentait plus d’opportunités de produire – l’inspiration que j’aurais tirée du dessin ou des stimuli visuels en me déplaçant a été limitée.
Merci beaucoup pour votre temps Chris, enfin avez-vous des projets prévus en 2021 que vous pouvez nous faire part que notre public peut surveiller?
Oui, en fait, je m’implique dans un enseignement que je sais que les gens demandent depuis longtemps, je suis heureux de dire que cela se produit maintenant – gardez un œil sur les messages pour en savoir plus.