Créativité 5 conseils photo d’Ansel Adams – l’un des photographes les plus célèbres du XXe siècle 3 minutes à lire

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MYTH publie un livre d’Ansel Adams, l’un des photographes américains les plus célèbres du XXe siècle. Un des fondateurs du groupe photographique F/64, dont l’idée principale était le désir d’authenticité documentaire et de clarté fondamentale de l’image.

C’est une grande trilogie sur la photographie en un seul volume. Dans le premier, Ancel explique comment choisir un appareil photo et un objectif et utiliser toutes les possibilités des appareils techniques. Dans le second, il vous apprend à travailler de manière créative avec le film, à construire un cadre et à traiter les négatifs. Et dans le troisième, il parle du développement du film : de l’organisation de sa propre chambre noire à la démonstration d’images.



Ansel Adams. Caméra. Négatif. imprimer

Et même si, bien sûr, les caméras ont considérablement changé depuis les années 1980, les bases de l’engin sont restées les mêmes. Nous partageons des citations et des photos de cette incroyable trilogie.


Ansel Adams dans sa jeunesse. La source

Visualisation

Dans mon livre, j’initie le lecteur à la visualisation. Il s’agit d’une approche créative et subjective de la photographie. La visualisation est la reproduction mentale de l’image finale avant la prise de vue. Nous étudions donc l’intrigue et recherchons sa valeur artistique. Je suis convaincu que tout photographe, quelles que soient ses vues esthétiques, imagine consciemment ou intuitivement le résultat avant la réalisation du travail.

Il est techniquement impossible de recréer la plage de luminosité de la plupart des objets sur une impression, de sorte qu’une photographie est toujours, dans une certaine mesure, une interprétation de l’original. Son aspect créatif réside dans l’espace infini du choix entre copier la réalité et l’éviter.

Par exemple, on me traite souvent de réaliste, mais les relations tonales dans mes images sont en fait loin de la réalité. De diverses manières, je crée une image « équivalente à ce que j’ai vu et ressenti » (pour paraphraser un dicton que j’ai entendu plus d’une fois d’Alfred Stieglitz, le grand photographe du début du XXe siècle).

Pour moi, le succès, c’est quand le spectateur perçoit l’image isolément de la réalité et ressent une réponse émotionnelle et esthétique.

La tâche de la visualisation est de choisir les moyens qui rapprocheront le concept artistique de la réalisation. Le premier pas vers cela est la perception du monde environnant dans le contexte d’une image photographique. Examinez et étudiez tout ce que vous voyez : quelle est sa signification, en quoi il consiste, quelles sont sa forme, sa texture et ses relations tonales. Pratiquer l’observation.

Lentilles et magie

Il y a une certaine magie dans la façon dont l’objectif dessine l’image. Sans aucun doute, tout photographe expérimenté est impressionné par la perfection magique de ce sujet. Un bon objectif est le produit d’une technologie et d’un savoir-faire de pointe. Il est naturel que nous nous attachions à l’équipement qui nous sert fidèlement.

Mais bien que le miracle de la prise de vue soit expliqué scientifiquement et techniquement, le photographe perçoit l’image au niveau des sensations.

Dans le passé, certains objectifs étaient meilleurs que d’autres, comme le prouvent les photos prises avec eux. J’ai un objectif de reproduction Voigtlander 300 mm qui fonctionne très bien malgré mes 70 ans, et j’ai tourné certains de mes meilleurs travaux avec un Zeiss Protar de près de 40 ans. Le processus de développement a été informatisé au fil du temps, et presque tous les objectifs commercialisés depuis ont été sans défaut, souvent beaucoup plus précis que nécessaire pour les tâches photographiques ordinaires.

Lumière

La direction principale de la lumière du jour est de haut en baset au coucher du soleil, à l’aube, lorsqu’ils sont réfléchis par des nuages ​​bas, des montagnes ou des bâtiments – côté.

Nous sommes habitués au fait que le ciel est au-dessus de la terre et croyons inconsciemment que la lumière vient d’en haut. Ce stéréotype est difficile à dépasser. Nous reconnaissons presque toutes les formes, volumes et plans dans la nature en partie grâce à l’éclairage d’en haut. En les voyant sous un jour différent, nous devons nous convaincre que ce sont les mêmes objets que nous connaissons. Cela ne marche pas toujours tout de suite et nous ne réagissons pas toujours positivement. La lumière d’un orage, par exemple, évoque une vague d’émotion, tandis qu’une faible lumière dans une longue allée provoque de l’anxiété.

En photographie de paysage, la perception subjective de la plage de luminosité est également importante. Par temps couvert ou lorsque la scène est complètement à l’ombre (éclairée par le soleil), la portée est plus courte que lorsque le soleil et le ciel sont éclairés en même temps. Des parties de l’intrigue peuvent être masquées par le ciel et le soleil, et uniquement accentuées par la lumière réfléchie par les objets; ils ont généralement une luminosité très faible.

De peur que vous pensiez que tout est clair, très peu de photographes comprennent ce que la lumière signifie dans un sens pratique et esthétique. Pour une visualisation précise de la future image, il est important de prendre en compte la plage de luminosité de la scène.

Point de tir

N’oubliez pas que vous pouvez regarder le monde non seulement du haut de votre croissance. Abaissez l’appareil photo plus bas, au niveau de la taille ou au sol, et la composition peut s’améliorer. Certains reflex numériques ont un pentaprisme amovible qui vous permet de voir l’écran de mise au point de haut en bas.

D’un point haut, le cadre peut également changer pour le mieux, le premier plan augmentera et renforcera la sensation de profondeur de l’espace.

Essayez de vous tenir debout sur une chaise, une échelle ou un rocher. J’ai eu la plate-forme il y a de nombreuses années. Je le fixe sur le toit de la voiture – et il peut me résister au plus lourd de mes appareils photo et me permet de filmer à partir d’un point situé entre 1,5 et 1,8 m au-dessus du niveau des yeux.

Tout le monde a probablement vu comment les photojournalistes lèvent leur appareil photo au-dessus de leur tête lorsqu’ils ne peuvent pas s’approcher du sujet à cause de la foule. Ils n’agissent pas à l’aveuglette: avec un objectif grand angle, il est difficile de se tromper, il ne reste plus qu’à recadrer approximativement (en journalisme, cela suffit) et à régler la profondeur de champ appropriée. Le photographe fait grossièrement la mise au point de l’objectif et attend les bons moments (généralement l’appareil photo est équipé d’un moteur). La foule bloquant la vue devient une partie du premier plan depuis le haut du plan. Mais cette technique ne doit être utilisée qu’en dernier recours.

Lumière et portrait

La meilleure lumière pour un portrait est diffusée par des nuages ​​élevés ou de la brume. Il est plus directionnel que par temps nuageux, il dessine donc plus clairement les traits du visage, mais sans le contraste inhérent au soleil ouvert. L’éclairage dans un tel temps change rapidement, alors prenez une mesure de contrôle juste avant l’exposition.

Dans la lumière diffuse d’un ciel ouvert ou nuageux, le contraste est réduit, grâce à quoi la sensation de volume disparaît partiellement. La situation s’améliorera si vous rapprochez la personne d’un objet bloquant le soleil – un bâtiment ou un feuillage – pour bloquer partiellement le visage de la lumière. Si vous le souhaitez, vous pouvez vous débarrasser de la lumière directionnelle en utilisant des réflecteurs ou en plaçant une personne dans une zone dégagée. Une telle lumière est principalement bleue, elle assombrit donc le blush.

À la lumière du jour diffuse, vous devez accorder plus d’attention aux tons de peau. En l’absence d’ombres, le visage peut devenir plat et sans vie, et bien que les yeux soient meilleurs dans cette lumière, la peau prend une teinte terreuse.

Basé sur le livre « Ansel Adams. Caméra. Négatif. Imprimer »
Couverture : sources

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