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À l’apogée de l’art conceptuel au début des années 1970, les critiques ont proclamé que la peinture était morte. Ce n’était pas la première fois que la nécrologie de la peinture avait été écrite prématurément, et peut-être même pas la dernière, mais pour l’instant, de tels sentiments sont extrêmement rares car plus d’artistes que jamais prennent le pinceau. La résilience de la peinture puise dans une histoire riche qui, quelle que soit la période ou le genre de votre confiture, est mieux vécue dans un musée ou une galerie. Malheureusement, la pandémie a rendu les visites plus difficiles à faire. Heureusement, il y a une autre meilleure chose: plonger dans un livre sur la peinture. Les tomes sur le sujet sont, bien sûr, une myriade et se déclinent en différentes saveurs, y compris des catalogues d’exposition, des monographies d’artistes et des écrits critiques. Mais ils offrent tous une fenêtre sur un média qui ne s’arrêtera tout simplement pas. Voici huit volumes qui feraient d’excellents ajouts à la bibliothèque de tout amateur de peinture. Certains deviennent difficiles à trouver, alors prenez-les pendant que vous le pouvez.
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1. Philip Guston: Maintenant par Harry Cooper et al.
Commençant comme un réaliste social de l’époque de la dépression avant de passer à l’expressionnisme abstrait, Philip Guston a devancé ses pairs en tant qu’influence sur les générations suivantes de peintres en commettant une apostasie de fin de carrière: après avoir déménagé à Woodstock, New York en 1967, il a commencé à mélanger gestuel abstraction avec figuration caricaturale inspirée des bandes dessinées underground. Les résultats, mal reçus à l’époque, en sont venus à être considérés comme révolutionnaires. Une rétrospective prévue pour 2020 du travail de Guston a été reportée par crainte que ses peintures et dessins de la fin des années 1960 mettant en vedette des Klansmen encapuchonnés – censés être une accusation de racisme – seraient mal interprétés à l’ère de Black Lives Matter. Mais alors que l’exposition est retardée, son catalogue est disponible, offrant 288 pages de planches en couleurs et de commentaires, y compris des éloges à l’artiste par de grands peintres contemporains.
2. Notes du bûcher par Jack Whitten, édité par Katy Siegel
Jusqu’à très récemment, les artistes afro-américains ont été exposés de manière symbolique au mieux et au pire ignorés complètement par le monde de l’art blanc. Pourtant, ils sont restés inébranlables dans leur art malgré les chances contre eux. L’une de ces figures était le peintre abstrait Jack Whitten, qui a créé des compositions texturées grâce à des méthodes non conventionnelles telles que ciseler la surface peinte et la construire avec des tesselles de couleur acrylique durcie. Refusant d’être catalogué, il était aussi sculpteur et écrivain, dont les observations et les essais ont été rassemblés dans ce volume. Journaliste invétéré, Whitten a documenté son processus de pensée dans un journal d’atelier rempli de listes (dont certaines sont reproduites en fac-similé) qui exposent les principes de sa pratique. Ils révèlent une figure intransigeante qui ne reçoit que maintenant son dû.
3. La peinture de la vie moderne par TJ Clark
L’ouvrage phare de TJ Clark sur le peintre français Edouard Manet et ses disciples situe leur travail dans le contexte social et historique du réaménagement de Paris au milieu du XIXe siècle, entrepris sous la direction de l’empereur Napoléon III par son chef des travaux publics, le baron Georges-Eugène Haussmann. En 17 ans, l’ancienne capitale française est devenue une ville moderne peuplée d’une nouvelle classe de consommateurs – et le sujet principal des œuvres d’une nouvelle cohorte d’artistes. En se concentrant sur trois tableaux de Manet et un de Georges Seurat, Clark pose une énigme de la poule et de l’œuf: les impressionnistes ont-ils inventé la modernité ou la modernité a-t-elle inventé les impressionnistes?
4. Kerry James Marshall: Mastry, par Ian Alteveer, et al
Cette monographie de 2016 sur Kerry James Marshall accompagnait une rétrospective itinérante de son travail et, comme ce grand spectacle, elle donne forme à l’œuvre multiforme de Marshall. Avec des reproductions de 100 pièces et des essais rédigés par des critiques et des conservateurs renommés, ainsi que par l’artiste lui-même, le livre explique comment Marshall élucide les conventions des peintures modernistes et anciennes pour créer de nouveaux modes de représentation de la vie des noirs.
5. The Forever Now par Laura Hoptman
Ce catalogue de l’exposition MoMA 2014 prend la mesure de la peinture contemporaine au cours de la deuxième décennie du 21e siècle, une période où le médium est sans doute devenu un mode d’expression dominant. Mais si le développement de la peinture au cours du siècle précédent a suivi une progression narrative de styles successifs (cubisme dans le surréalisme, surréalisme dans l’expressionnisme abstrait, expressionnisme abstrait dans le pop art et le minimalisme, etc.), aucun cadre de ce genre n’existe actuellement, car l’exposition co- la commissaire Laura Hoptman le concède volontiers. Se tournant vers l’auteur de science-fiction William Gibson pour le contexte, elle emprunte son terme «atemporalité», qui décrit «un état nouveau et étrange du monde dans lequel, grâce à Internet, toutes les époques semblent exister à la fois». Peinture contemporaine, selon Hoptman, «reanimat[es]… Styles historiques [by] échantillonner des motifs de toute la chronologie de l’art du XXe siècle. » Que vous soyez d’accord ou non avec sa thèse qui suscite la réflexion, ses arguments sont animés par le travail des 17 artistes de l’exposition, faisant du livre un incontournable pour les completistes.
6. Les femmes de la neuvième rue par Mary Gabriel
Si vous pensez à l’expressionnisme abstrait comme à un club de garçons exclusivement blancs caractérisé par des fanfaronnades machistes, de l’alcool et des bagarres à la taverne des cèdres, ce livre devrait vous remettre dans l’ordre. Dans ce document, l’auteur Mary Gabriel utilise une lentille féministe pour se plonger dans la carrière de cinq femmes peintres – Lee Krasner, Elaine de Kooning, Grace Hartigan, Joan Mitchell et Helen Frankenthaler – qui faisaient partie intégrante de la scène. Deux d’entre eux, Krasner et de Kooning, étaient mariés à des artistes masculins dont le travail éclipsait le leur. Néanmoins, leur importance, et en fait, l’importance de toutes les femmes ici, pour l’école de New York est devenue d’autant plus évidente avec le temps. L’histoire de Gabriel offre un contrepoids bien nécessaire aux mythes habituels entourant l’art américain d’après-guerre.
7. Nous avons survolé le pont par Faith Ringgold
Outre les peintures à caractère politique et les courtepointes d’histoire pour lesquelles elle est la plus connue, Faith Ringgold, l’un des artistes afro-américains les plus éminents du pays, est également un auteur primé de livres pour enfants. Ce mémoire inspirant est son premier écrit pour un lectorat adulte. À partir de sa naissance à Harlem dans les années 1930, Ringgold raconte sa vie de femme de couleur luttant contre le sexisme et le racisme, et comment elle s’est appuyée sur les liens émotionnels de la famille, des amis et de la participation communautaire pour affronter ces obstacles et, finalement, triompher d’eux.
8. L’effet d’observateur: sur la peinture contemporaine par Barry Schwabsky
Dans ce recueil d’essais écrits sur 20 ans, le critique Barry Schwabsky examine l’état de la peinture au XXIe siècle, en utilisant une liste internationale d’artistes – dont Nicole Eisenman, John Curin, Ha Chonghyun, Dana Schutz, entre autres – pour illustrer ses idées . Son gros point à retenir est que les artistes contemporains ne semblent pas se soucier beaucoup de ce qu’est la peinture, une question centrale au développement du modernisme de l’impressionnisme au minimalisme. Au lieu de cela, ils s’occupent de mélanger et d’assortir des sélections à partir d’un buffet apparemment illimité de styles et de techniques historiques. La question qui entoure la peinture aujourd’hui, selon Schwabsky, n’est plus pourquoi cela devrait être fait, mais comment. De plus, il soutient que le sens de la peinture n’est plus investi dans une idéologie partagée, mais plutôt dans la proposition plus subjective de ce que le spectateur individuel éprouve avec une œuvre particulière. Essentiellement, Schwabsky prend l’ancienne ligne de collecte de musée – Que voyez-vous? – et l’élève au rang de problème le plus important pour la peinture aujourd’hui.