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Dans un essai de 1971 publié dans 1200artists.com, la critique et historienne de l’art Linda Nochlin a posé la question provocatrice « Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ? » Elle a immédiatement reconnu que, bien sûr, il y en avait eu beaucoup, même si vous ne le sauriez d’aucune histoire de l’art écrite par des hommes. L’article de Nochlin, et le mouvement féministe plus large dont il est issu, ont signalé un renversement de tendance. Aujourd’hui, plus d’artistes féminines que jamais sont exposées et inscrites dans les archives historiques, bien qu’elles ne soient certes pas en nombre comparable au pourcentage de femmes dans la population. Mais des carrières longtemps oubliées sont ressuscitées et les artistes femmes contemporaines sont devenues une présence majeure, comme en témoignent les nombreuses monographies publiées au cours des 20 dernières années. (Prix et disponibilité en vigueur au moment de la publication.)
1. Massimiliano Gioni et Gary Carrion-Murayari, Faith Ringgold: peuple américain
Dans sa préface à ce catalogue pour l’enquête de six décennies du New Museum sur la célèbre artiste afro-américaine Faith Ringgold (née en 1930), la réalisatrice Lisa Phillips décrit Ringgold comme une « artiste, éducatrice, militante et mère [who] a fait partie d’une lutte pour les droits, l’acceptation et la liberté artistique qui s’est étendue sur de nombreuses générations. Ces identités qui se chevauchent sont essentielles pour comprendre Ringgold en tant que participante aux mouvements des droits civiques et féministes des années 1960 et 1970 qui ont défendu l’intersectionnalité avant la lettre. Ce volume est abondamment illustré d’images en couleur et en noir et blanc d’œuvres d’art couvrant l’ensemble de son œuvre, qui, outre les portraits, les affiches de protestation et les célébrations de la vie des Noirs, comprenaient également un livre pour enfants, Plage de goudron. Il contient également des essais d’auteurs renommés tels que Lucy Lippard et Amiri Baraka, et de jeunes artistes afro-américains – Jordan Casteel, Tschabalala Self – redevables à son exemple.
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2. Claudia Schmuckli, Wangechi Mutu : Je parle, écoutez-vous ?
Partageant son temps entre New York et Nairobi, l’artiste kényane américaine Wangechi Mutu (née en 1972) est une présence remarquée dans le monde de l’art depuis qu’elle a émergé dans les années 2000 avec des images d’êtres chimériques qui semblaient avoir été transportés dans notre monde depuis certains dimension alternative, afro-futuriste. Combinant des éléments de l’humain, du non-humain et du post-humain avec des allusions au monde naturel, Mutu critique les problèmes réels du colonialisme, du racisme et du sexisme tout en allégorisant le type de changement transformateur nécessaire pour sauver l’humanité d’elle-même. Bien que Mutu travaille sur plusieurs supports, elle est surtout connue pour ses sculptures, dont les plus récentes sont présentées dans ce catalogue accompagnant une exposition de 2021 au musée de la Légion d’honneur de San Francisco, où le travail de Mutu a été installé aux côtés de peintures et de sculptures de maîtres anciens lors d’une réunion. d’un présent multiculturel avec un passé monoculturel.
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3. Peter Eleey et al., Barbara Kruger : Je pense à toi. Je veux dire moi. Je veux dire toi
On pourrait dire que Barbara Kruger a inventé le mème, ou du moins le genre désormais courant sur les réseaux sociaux : une image couverte d’un aphorisme en grosses lettres. En vérité, le travail de Kruger a connu sa propre version de devenir viral lorsqu’il a été exposé pour la première fois dans les années 1980, car des images comme celle d’une main tenant une carte lisant, « Je magasine donc je suis », ont attiré un large public. Le style de signature de Kruger (photos en noir et blanc superposées avec des textes italiques surdimensionnés dans des blocs de rouge vif) et sa propension à l’échelle (des photographies grand format aux installations avalant la pièce) ont livré des messages subversifs d’une manière qu’un public endoctriné par les médias pourrait aisément comprendre. Ce volume de 2021, publié à l’occasion de la rétrospective Kruger organisée par l’Art Institute of Chicago et le Los Angeles County Museum, offre une vue d’ensemble des réalisations phares de l’artiste sur 40 ans.
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4. Scott Rothkopf, Owens, Laura
Laura Owens (née en 1970) a d’abord attiré l’attention au tournant du millénaire dans le cadre d’une vague d’artistes qui ont poursuivi la peinture en la démontant et en la reconstituant – généralement en mélangeant figuration, abstraction, référents pop-culturels et art – citations historiques. Cette approche est depuis devenue une sorte de mode par défaut dans la peinture actuelle, mais même ainsi, la prise idiosyncratique d’Owens se démarque. Ses compositions vont des gribouillis hyper-graphiques à une sorte de symbolisme faux-naïf dépourvu de signification symbolique – des méandres excentriques qui entraînent souvent l’artiste au plus profond des mauvaises herbes postmodernes pour récupérer, par exemple, des roadkills stylistiques comme l’illusionnisme abstrait des années 1970. Owens a été présenté dans l’exposition 2014-2015 du MoMA « The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World », qui a été suivie par l’enquête de mi-carrière de Whitney en 2018 documentée dans ce livre. Avec plus de 1 000 images, le catalogue emmène le lecteur depuis les années de lycée d’Owens à Euclid, Ohio, jusqu’à aujourd’hui.
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5. Robert Storr, Elisabeth Murray
Grâce à l’art conceptuel, la fin des années 1960 et le début des années 1970 ont été l’un de ces interrègnes où la peinture est morte qui surgissent périodiquement depuis le XIXe siècle. Certains artistes, cependant, n’ont pas reçu le mémo, notamment Elizabeth Murray (1940-2007), dont les toiles aux formes vibrantes et décalées ont été acclamées pour la première fois à une époque où la peinture était considérée comme suspecte. Les influences de Murray étaient nombreuses – Joan Miró, Stuart Davis, Claes Oldenburg, Frank Stella et Philip Guston ; elle prenait un petit quelque chose de chacun, l’assimilant au sien. Bien que son travail paraisse abstrait, il comprend des allusions figuratives à des objets ménagers (chaussures, tasses à café, meubles) prenant forme sous forme de formes exubérantes tordues et déformées en nœuds – des natures mortes, pour ainsi dire, d’un ordre quotidien assombri par le chaos. En 2005, l’enquête exhaustive du MoMA sur la carrière de Murray a cimenté son héritage, rappelé ici dans le catalogue de l’exposition détaillant sa production, ses sources d’inspiration et son impact continu sur la peinture contemporaine.
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6. Timothy Anglin Burgard et Daniell Cornell, La sculpture de Ruth Asawa, deuxième édition : contours dans l’air
Présentant des essais de 10 contributeurs, ce volume illustré couvre la vie et la carrière de Ruth Asawa (1926-2013), une Américaine de première génération née près de Los Angeles dans une famille japonaise qui a été déplacée de force dans un camp d’internement pendant la Seconde Guerre mondiale. Bien qu’Asawa ait fréquenté le légendaire Black Mountain College et soit apparue dans plusieurs biennales de Whitney, sa réputation était largement limitée à la région de la baie de San Francisco jusqu’à il y a environ une dizaine d’années, lorsque le monde de l’art au sens large a commencé à remarquer ses sublimes sculptures biomorphiques qui étaient souvent suspendus au plafond comme des lanternes. Leur genèse réside dans un voyage en 1947 à Toluca, au Mexique, où Asawa a observé des villageois crocheter des paniers en fil d’acier galvanisé. Elle a adopté la technique pour façonner des œuvres qui comprenaient des colonnes élancées et ondulantes ressemblant à des bas résille qui avaient soudainement pris la forme d’extraterrestres – des constructions aérées à tissage ouvert qui semblaient dissoudre les distinctions entre surface et volume, intérieur et extérieur, transparence et opacité.
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7. Lydia Yee, Mary Heilmann : regarder des images
Comme Elizabeth Murray, Mary Heilmann a embrassé la peinture à une époque où le minimalisme et le conceptualisme étaient en vogue. Heilmann, né en 1942 à San Francisco, a déménagé à New York en 1968 après avoir obtenu une maîtrise en céramique et sculpture de l’UC Berkeley. L’artiste a d’abord créé des constructions tridimensionnelles éclaboussées de couleur. Elle les considérait comme des peintures et s’est même disputée avec Robert Smithson pour savoir si elle devait le faire, un incident qui n’a fait que renforcer sa détermination à réussir dans un monde dominé par les hommes. Passant à la toile, elle a produit des abstractions aux couleurs vives et lumineuses résonnant avec des éléments de l’air du temps de la côte gauche des années 1960, notamment le mouvement de la liberté d’expression, la contre-culture et la scène du surf, auxquels elle a participé. Les formes géométriques décontractées et la main légère et gestuelle de Heilmann traduisent également une tendance à mélanger le personnel et le formel. Ce catalogue, qui accompagnait une exposition de 2016 à la Whitechapel Gallery de Londres, contient 100 reproductions du travail de Heilmann sur 50 ans, y compris son intérêt continu pour la céramique et ses incursions dans la fabrication de meubles.
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8. Elisabeth Sussman et David Joselit, Rachel Harrison Life Hack
Depuis 1996, Rachel Harrison (née en 1966) crée des œuvres d’art toujours drôles, intrépides et directes qui interrogent et satirisent de manière agressive le privilège masculin et comment il se manifeste à la fois dans l’histoire de l’art et dans la culture populaire. Bien que Harrison ait travaillé dans le dessin et la vidéo, son métier est la sculpture, une discipline avec une riche tradition d’érection d’éloges phalliques à l’égoïsme masculin. Son mode de signature est une sorte d’assemblage confus et délabré dans lequel des objets ou des images trouvés sont combinés avec des éléments inventés – ressemblant souvent à des rochers ou des stalagmites – fabriqués à partir de grillage recouvert de coquilles de ciment défigurées par des taches de peinture brillantes. Les résultats évoquent la fête caillée qui entoure les célébrations du pouvoir masculin dans la société. Ce catalogue accompagnait l’enquête de mi-carrière de Harrison au Whitney en 2019. Outre des essais et des reproductions, il présente des photo-collages que l’artiste a réalisés spécifiquement pour le livre.
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9. Massimiliano Gioni et Helga Christoffersen, Nicole Eisenman : Al-ugh-ories
Nicole Eisenman (née en 1965) a fait sensation pour la première fois à la Biennale de Whitney en 1995, où elle a présenté une peinture murale d’elle-même en train de peindre au milieu des ruines de l’ancien bâtiment Breuer du musée alors que des pompiers tiraient des victimes des décombres d’une catastrophe non précisée. Cette pièce semblait étrangement prémonitoire, compte tenu des événements du 11 septembre six ans plus tard, et on peut dire qu’Eisenman est depuis lors un chroniqueur du déroulement de l’Amérique. Ce catalogue accompagnait l’enquête de mi-carrière de l’artiste au New Museum, ouvert en 2016 à l’aube désastreuse des années Trump. Il offre un regard approfondi sur les peintures et les sculptures d’Eisenman, qui se caractérisent par la vision vrille de l’artiste de l’humanité et son affinité pour l’humour de potence de l’art de Weimar. En effet, l’œuvre d’Eisenman pourrait être décrite comme une sorte de Neue Sachlichkeit pour notre ère d’autoritarisme renaissant – examinant la société dominante et la trouvant comiquement insuffisante, décrivant un monde où le centre a explosé et où il n’y a aucune perspective de sauvetage.
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