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Alors que l’histoire de l’art et la critique d’art se chevauchent en tant que disciplines, nous avons généralement tendance à considérer la seconde comme la rédaction de la première ébauche de la première. Cela ne veut pas dire que les critiques d’art n’écrivent pas sur l’histoire proprement dite, mais seulement qu’ils offrent un regard sur les questions contestées au cours d’une période particulière, même si ces arguments sont finalement jugés non pertinents rétrospectivement. C’est un truisme que si l’on se souvient des artistes, les critiques qui les ont soutenus sont en grande partie oubliés ; de toute façon, les critiques — s’ils ne sont pas aussi des artistes, ce qui peut parfois être le cas — n’ont généralement rien à montrer de leurs efforts qui pourrait être accroché dans un musée. Mais ils laissent derrière eux leurs écrits et, ce faisant, ils offrent une fenêtre sur la façon dont la réputation de l’histoire de l’art est fabriquée. Ce qui suit sont sept exemples de la forme qui font exactement cela. (Prix et disponibilité en vigueur au moment de la publication.)
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1. Lowery Stokes Sims, Défi du moderne : artistes afro-américains 1925-1945
Les artistes afro-américains attirent aujourd’hui plus d’attention que jamais auparavant, leur visibilité contrastant fortement avec le manque de reconnaissance auquel les artistes noirs ont été confrontés au cours du 20e siècle. Commencé en Europe, l’art moderne était un club d’hommes blancs, bien qu’en Amérique, étonnamment, une petite mais importante coterie d’artistes de couleur (dont Romare Bearden, Norman Lewis et Jacob Lawrence) a émergé pour donner son tour au mouvement. Leurs efforts sont présentés dans Lowery Stokes Sims’s Défi du moderne : artistes afro-américains 1925-1945, qui accompagnait une exposition du même nom en 2003 au Studio Museum de Harlem. La période qu’il couvre représente l’apogée de Jim Crow et la grande migration concomitante des Afro-Américains du Sud vers les grandes villes du Nord, et comme le note Simms, ce passage transformationnel de la vie rurale à l’existence urbaine a façonné une vision afro-américaine unique de la modernité. entre oppression et potentiel libérateur.
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2. Harold Rosenberg, L’objet anxieux : l’art aujourd’hui et son public
Le butin revient aux vainqueurs, et pour les États-Unis triomphants après la Seconde Guerre mondiale, cela incluait de revendiquer pour New York le titre de capitale mondiale de l’art. Au début de l’après-guerre, l’expressionnisme abstrait a explosé sur la scène internationale en tant que nec plus ultra des innovations marquant l’arrivée du modernisme (en effet, il faudra près d’une décennie avant que des artistes tels que Robert Rauschenberg, Jasper Johns et Andy Warhol ne bouleversent la domination d’AbEx). Cependant, au moment où le critique Harold Rosenberg a publié L’objet anxieux au milieu des années 1960, des inquiétudes sur la manière de maintenir l’engagement d’avant-garde (que Rosenberg a décrit comme « la tradition du nouveau ») en faveur du progrès révolutionnaire s’étaient installées dans le monde de l’art. La question « Où tout cela mène-t-il ? » a incité le livre de Rosenberg, bien qu’il n’ait pas fourni de réponse. Au lieu de cela, le livre révèle ses luttes avec les débuts du recul du modernisme. Souvent obscur et contradictoire, le livre de Rosenberg n’en est pas moins devenu un classique de la critique du milieu du siècle.
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3. Claire Bishop, Enfers artificiels : art participatif et politique du spectateur
Tout au long de son existence, l’art de la performance a lié des éléments du théâtre et du spectacle à des fins idéologiques, ou du moins socialement subversives. C’est en tout cas la thèse de Claire Bishop Enfers artificiels : art participatif et politique du spectateur, qui propose une exégèse critique du genre et de son histoire séculaire. Le livre s’ouvre sur le 2006 de l’auteur Forum d’art article balayant l’esthétique et l’anti-esthétique de l’art participatif, puis plonge dans une chronique touchant au théâtre constructiviste ; les outrages publics de Dada et du futurisme ; Les événements de la guerre froide en Europe de l’Est et en Amérique du Sud se sont montés contre les régimes répressifs ; l’implication de l’Internationale situationniste dans le soulèvement de mai 1968 en France ; et le travail de l’Artist Placement Group de Londres, fondé en 1965 pour intégrer les artistes au sein des agences gouvernementales et des entreprises afin de trouver de nouvelles avenues pour l’art. Enfers artificiels se termine par des exemples contemporains d’art participatif, fournissant un compte rendu définitif de cette pratique complexe et malléable.
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4. Linda Nochlin, Réalisme (Style et Civilisation)
Le terme le réalisme est généralement associé à des images rendues de manière naturaliste. Mais selon le livre fondateur de Linda Nochlin, il avait un sens profondément différent au cours du 19e siècle, une période de bouleversements sociaux et politiques provoqués par la révolution industrielle. C’était particulièrement vrai en France, où l’art était régi par l’Académie des Beaux-Arts depuis le XVIIe siècle. Le réalisme représentait une rupture radicale avec les normes académiques imposées par le biais d’un salon public annuel qui classait les sujets par importance, plaçant des récits allégoriques ou historiques plus grands que nature au sommet d’une hiérarchie qui persistait même lorsque différents styles (rococo, néoclassicisme, romantisme) étaient officiellement reconnus. favoriser. En revanche, le réalisme a introduit des scènes de tous les jours – autrefois réservées à la catégorie modeste du « genre » – à une échelle proportionnée aux célébrations de la mythologie et de la monarchie. Bien que Nochlin se concentre sur les peintres français qui ont mené la charge – Courbet, Manet, Degas – elle élargit également son enquête à l’Allemagne, l’Italie et d’autres pays où le réalisme s’est enraciné et a changé l’histoire de l’art.
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5. Barbara Rose, Art américain depuis 1900
La célèbre historienne de l’art et conservatrice Barbara Rose était l’une des principales partisanes des développements artistiques des années 1960 et 1970 à New York, une période où le pop art, le minimalisme et l’art conceptuel ont supplanté l’expressionnisme abstrait, qui avait joui d’un monopole artistique au début de l’après-guerre, comme les piliers de l’art contemporain. Publié en 1967 au cœur de ces développements, le livre de Rose offrait une vision critique de l’art américain du XXe siècle, examinant les mouvements artistiques dans les contextes sociaux de leur époque. En commençant par l’école Ashcan (qui pratiquait un réalisme rocailleux axé sur le rythme effréné de la vie urbaine de la classe ouvrière), Rose a tracé une quête de plusieurs décennies d’artistes américains pour l’indépendance du modernisme européen – ce qu’ils ont fait, en fait, en le détourner. Bien que destinée à un large lectorat, la prose de Rose pouvait parfois être difficile, mais cela n’a pas empêché le livre de devenir un texte incontournable pour les étudiants et autres lecteurs non spécialistes.
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6. Lucy Lippard, Du centre : Essais féministes sur l’art des femmes
La critique Lucy Lippard était surtout connue à la fin des années 1960 et au début des années 1970 pour la promotion de l’art conceptuel, mais cette collection d’essais l’a également placée à l’avant-garde de l’art féministe. Sa publication en 1976 est intervenue peu de temps après l’émergence du féminisme en tant que phénomène répandu, faisant du livre de Lippard un récit, en partie, de la façon dont elle s’est éveillée à ses principes. La première moitié du livre se compose des essais et des articles du catalogue de Lippard pour Forum d’art, L’art en Amérique, et M / s. magazine; la seconde moitié se concentre sur des femmes artistes telles qu’Adrian Piper, Nancy Graves et Marjorie Strider. Lippard examine des questions telles que les raisons pour lesquelles les femmes artistes ont tendance à émerger en fin de carrière. Curieusement, elle blâme en partie le sexisme endémique dans les écoles d’art, où la condescendance envers les étudiantes peut favoriser une faible estime de soi. Dans Du Centre, Lippard détaille son « processus de conscience » et sa prise de conscience naissante du misogynisme omniprésent dans le monde de l’art.
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7. Darby anglais, Comment voir une œuvre d’art dans l’obscurité totale
Aussi réussis qu’ils aient été ces derniers temps, les artistes afro-américains restent accablés par l’attente que la race est la caractéristique déterminante de leur travail. Cette vue blanche qui n’est pas une coïncidence est la thèse du livre de Darby English, dans lequel il se concentre sur cinq artistes de la couleur : Kara Walker, Fred Wilson, Isaac Julien, Glenn Ligon et William Pope.L. L’anglais soutient que voir leur travail à travers le prisme de la race le prive d’agence et le relègue à une lecture réductrice que l’anglais surnomme métaphoriquement «l’obscurité totale». Par exemple, il compare les silhouettes murales de Walker, qui s’approprient une technique proto-photographique du portrait du XIXe siècle, aux pratiques contemporaines de la peinture de paysage, affirmant que les scènes de Walker sur la vie des plantations d’avant-guerre emploient une approche tout aussi expansive de la composition. Le point fondamental d’English est que ses sujets ne sont pas simplement des noirs, mais des artistes opérant dans un cadre d’histoire de l’art, et que voir leur travail sous cet angle est crucial pour le comprendre.
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