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Il y a une vieille blague qui décrit la sculpture comme la chose à laquelle on se heurte en reculant pour regarder un tableau. Alors que le bâillon reflète le préjugé de longue date selon lequel la sculpture est en quelque sorte secondaire à la peinture, cela n’a pas toujours été le cas. Pendant l’Antiquité classique, les représentations tridimensionnelles du corps étaient considérées comme le plus vrai miroir de la nature, et la redécouverte de fragments sculpturaux au milieu d’anciennes ruines romaines a lancé la Renaissance. Cependant, au cours du XVIIe siècle, l’Académie royale de France formalise la formation artistique et privilégie la peinture à la sculpture, au point même de réduire cette dernière à un outil pédologique (sous la forme de moulages en plâtre de la statuaire classique) pour enseigner le dessin. Avec les XIXe et XXe siècles, cependant, les restrictions académiques qui limitaient l’art ont été bouleversées par une avant-garde déterminée à combler le fossé entre l’art et la vie. La sculpture est devenue un élément essentiel de cette entreprise et reste importante pour l’art à ce jour, comme vous le verrez en consultant notre liste des meilleurs aperçus de la sculpture moderne et contemporaine. (Prix et disponibilité en vigueur au moment de la publication.)
1. Judith Collins, La sculpture aujourd’hui
Publié en 2014 comme l’une des enquêtes d’art contemporain les plus vendues de Phaidon pour le grand public, Judith Collins’s La sculpture aujourd’hui offre un aperçu complet des 50 dernières années de la sculpture. Le récit de Collins commence à un point qu’elle décrit comme la fin de la peinture moderne après près d’un siècle de changements stylistiques révolutionnaires, à partir du cubisme. À l’aube des années 1970, la sculpture et les pratiques adjacentes à la sculpture sont devenues le principal mode d’expression de ce que l’on a appelé la dématérialisation de l’objet d’art – un terme quelque peu ironique, étant donné que les genres qui ont émergé (terrassements, installations, art corporel et expansion des « ready-mades » de Duchamp étaient de nature tridimensionnelle. Utilisant un langage concis et facilement accessible, Collins, ancien conservateur principal à la Tate Gallery de Londres, se concentre sur la façon dont les innovations de la sculpture des années 70 ont été assimilées entre 1975 et 2007 et sont devenues la base du médium d’aujourd’hui.
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2. Rosalind E. Krauss, Passages dans la sculpture moderne
En tant que cofondatrice du trimestriel chargé de théories October, Rosalind Krauss était au centre brûlant du discours critique qui animait le monde de l’art à une époque où ce discours comptait encore. Initialement publié en 1981, Passages dans la sculpture moderne est un exemple classique de l’histoire de l’art du XXe siècle dans lequel la sculpture évolue inexorablement du figuratif à l’abstrait – un modèle progressif qui était déjà passé de mode lorsque le livre est sorti. Kraus présente une série d’études de cas commençant par le soulagement d’Auguste Rodin Les portes de l’enfer (1880-1917), qu’elle cite comme une rupture décisive avec la tradition narrative de la sculpture. Elle couvre ensuite les réalisations révolutionnaires d’autres personnalités majeures – Brancusi Oiseau dans l’espacede Picasso Construction en fil métalliquede Duchamp Fontaine– avant de passer au travail de contemporains tels que Carl Andre, Michael Heizer et Robert Morris. Bien qu’évidemment de son temps, le livre de Krauss est une étape importante dans l’historiographie de l’art.
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3. Jon Wood et Julia Kelly, Sculpture contemporaine : écrits et entretiens d’artistes
Bien que le monde de l’art contemporain semble inondé de peintures, la sculpture reste une expression vitale, en particulier dans le domaine de l’art public, qui est devenu de plus en plus répandu au cours des dernières décennies. Ce volume, dont la publication en 2020 a été éclipsée par le confinement qui a suivi l’épidémie de Covid, utilise des entretiens avec des artistes ou leurs déclarations pour explorer la pertinence continue de la sculpture, non seulement dans la sphère publique, mais dans de vastes pratiques d’atelier couvrant tout, des statues traditionnelles et des portraits en buste à la photographie et à la performance. Le livre contient 50 textes liés à des artistes d’Europe (Allemagne et Royaume-Uni en particulier), des États-Unis et d’Asie, avec, par exemple, des discussions sur le matériel et les méthodes avec des noms établis tels que Katharina Fritsch, Thomas Schütte et Paul McCarthy. Très lisible avec un format qui permet aux lecteurs de plonger dedans et dehors, Sculpture Contemporaine explore son sujet dans les propres mots des artistes.
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4. Ina Cole, De l’atelier du sculpteur : conversations avec 20 artistes précurseurs
Un autre livre compilé à partir d’entretiens avec des artistes, De l’atelier du sculpteur est un regard sur la sculpture contemporaine axé sur le Royaume-Uni avec des conversations avec 20 personnalités de renommée internationale, dont Anthony Caro, Antony Gormley, Mona Hatoum, Anish Kapoor, Cornelia Parker et Rachel Whiteread, entre autres. L’auteur Ina Cole est une écrivaine reconnue sur l’art moderne et contemporain et une rédactrice en chef pour Sculpture, une revue affiliée à l’International Sculpture Center aux États-Unis. Elle emmène les lecteurs dans les coulisses, visitant les studios de ses interlocuteurs alors qu’ils pèsent sur leurs idées, leurs processus et leurs approches du montage d’expositions. La conversation tourne souvent autour d’œuvres spécifiques qui comptent parmi les sculptures les plus marquantes produites depuis le millénaire, accompagnées de reproductions, dont beaucoup sont en double page. Les 165 images en couleur comprennent également des portraits d’artistes. Cole elle-même contribue à un essai introductif qui explique ses sélections et leur représentation des tendances sculpturales actuelles.
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5.William Tucker, Le langage de la sculpture
Critique et artiste britannique, William Tucker a apporté son expérience de la sculpture à cette étude clé du médium publiée en 1985. Tucker était essentiellement un moderniste tardif qui a émergé dans les années 1960 avec des objets géométriquement abstraits qui ont attiré l’attention de pas moins d’un chiffre que Clement Greenberg aux États-Unis. La réputation de Tucker en tant qu’artiste d’avant-garde s’avérera cependant de courte durée, car son formalisme bienveillant fut éclipsé par des genres radicaux tels que le minimalisme et l’arte povera. Dans ce livre, Tucker attribue deux caractéristiques majeures à la sculpture : la gravité, signifiant littéralement l’attraction d’une masse sculpturale vers la Terre ; et la lumière, qui révèle l’objet au spectateur. Une autre façon de le dire est que la sculpture est l’interaction entre la matière et la forme. C’est une vision conservatrice en rupture avec les théories des années 1970, mais qui reste pertinente pour l’analyse de Tucker de Rodin, Brancusi, Picasso et Matisse et de leurs rôles dans l’avancement de la sculpture du XXe siècle.
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6. Glenn Halper et Twylene Moyer, Un lecteur de sculpture : la sculpture contemporaine depuis 1980
Ce recueil publié en 2010 contient 42 essais d’un groupe varié de contributeurs qui ont paru à l’origine dans les pages de Sculpture magazine au cours de ses 25 premières années, offrant un tour d’horizon de l’art en trois dimensions de cette période. Les écrits se concentrent sur les œuvres d’artistes individuels plutôt que sur des tendances ou des mouvements généraux, ce qui est tout aussi bien puisque ces derniers n’étaient plus pertinents à ce moment-là. Pourtant, cette anthologie offre un aperçu critique pointu de l’état du médium au tournant du millénaire, même si les objectifs de ses praticiens étaient quelque peu diffus par rapport à ceux de leurs homologues du XXe siècle. Le livre suggère que la nature ouverte des pratiques sculpturales d’aujourd’hui a ses vertus, comme l’illustrent ici des discussions approfondies sur le travail de stars de l’art de renommée internationale telles qu’Ann Hamilton et Olafur Eliasson, ainsi que de nombreux autres noms importants.
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7. Roxana Marcoci, La copie originale : la photographie de sculpture : de 1839 à aujourd’hui
Ce volume accompagnait une enquête du MoMA de 2010 sur la relation entre la photographie et la sculpture, un couple symbiotique qui remonte à l’invention de l’appareil photo lui-même. Très tôt, les bustes, les statues et les frises architecturales se prêtaient naturellement à la photographie car, contrairement aux modèles humains, ils ne se tortillaient pas, un plus lorsque les technologies cinématographiques nécessitaient des expositions prolongées. Et tandis que les critiques soutenaient que la photographie signalait la disparition de l’art (ou la perte de son aura, selon Walter Benjamin), les artistes – les sculpteurs en particulier – ont commencé à utiliser la photographie pour étendre leurs pratiques de diverses manières. Rodin a embauché des photographes et orchestré l’éclairage dramatique de ses œuvres pour les documenter. Les images que Brancusi a prises de ses sculptures dans son atelier sont devenues elles-mêmes des œuvres d’art. Plus tard, les photos ont servi de substituts à des genres éphémères ou spécifiques à un site comme les travaux de terrassement et la performance. Avec 300 photos de plus de 100 artistes, ce livre offre un regard fascinant sur un aspect sous-estimé de l’histoire de l’art moderne.
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