Inspirez, expirez par Megan Fatharly
La créativité est généralement considérée comme une avancée positive pour la société qui transcende les connaissances du statu quo, mais le lien entre la créativité et la santé mentale est une source d’intérêt pour les chercheurs depuis des années. Tout au long de l’histoire de l’art, l’industrie a considéré la maladie mentale non pas comme un étranger, mais comme une partie de la condition humaine qui peut affecter chacun d’entre nous. Quelques exemples comme suit :
On a dit que l’œuvre Melancholia I de l’artiste de la Renaissance Albrecht Durer était une représentation de ce qui était conceptualisé comme maladie mentale à l’époque : un déséquilibre des humeurs mais aussi une partie de la condition humaine, et une dans laquelle la lutte pour créer et atteindre son plein potentiel est menacé.
Albrecht Dürer – Melancholia I, Franscisco Goya’-Til sommeil de la raison produit des monstres 1799
L’âge romantique a idéalisé les états d’esprit extrêmes et la souffrance intérieure paralysante. Dans l’oeuvre de Franscisco Goya Le sommeil de la raison produit des monstres 1799, il se met dans le tableau en train de dormir seul, la tête enfouie dans un livre, entouré d’une série d’animaux. Dans ce tableau, les hiboux représentent la raison et la sagesse tandis que les chauves-souris symbolisent ses doutes paralysants. Goya lui-même a parlé ouvertement de sa souffrance avec des problèmes de santé et des troubles psychologiques tels que la dépression, puis l’hypocondrie non diagnostiquée. Au bas de l’œuvre se trouve une inscription d’intention artistique:
« L’auteur rêve. Son seul dessein est de bannir les croyances nuisibles communément admises et, par ce travail de capricieux, de perpétuer le solide témoignage de la vérité.Cette pièce peut être considérée comme un portrait de sa propre santé mentale car à ce stade, Goya était sourd, ce qui a encore détérioré sa propre santé mentale. L’inscription ci-dessus peut être considérée comme sa façon de tenter de communiquer et d’effacer la stigmatisation autour de sa propre anxiété et mélancolie.
Après quelques années, l’une des représentations les plus célèbres des intersections et de la représentation de l’art et de la santé mentale est bien sûr Vincent Van Gogh qui s’est coupé l’oreille et l’a représentée dans son chef-d’œuvre « Autoportrait à l’oreille bandée ». Cette représentation très ouverte de ses luttes a cimenté son incident désormais légendaire comme un excellent exemple d’instabilité mentale entremêlée de génie créatif. L’une des choses les plus remarquables à propos de ce travail est bien qu’il s’agisse d’un sujet viscéral, la manière réelle dont il est peint et la façon dont Vincent s’est représenté dans ce qui ressemble à une aura de calme.
Edvard Munch – Anxiété Tracey Emin – Sans titre
Aux côtés de Van Gogh, de nombreuses personnes connaissent Edvard Munch qui dépeint la souffrance mentale et la solitude. Les gens penseront au Scream quand ils se souviendront de Munch – l’une des peintures les plus célèbres de tous les temps qui représente une silhouette solitaire hurlant dans la tourmente. Mais l’une de ses œuvres moins connues simplement intitulée Anxiété qui se compose d’une foule de personnes en costume sombre avec des regards vides et des expressions faciales tendues marchant le long d’un fjord sous une ligne d’horizon rouge apocalyptique. Le travail de Munch a un véritable côté émotionnel brut et une représentation honnête et obsédante du travail a été une inspiration pour de nombreux artistes contemporains et pas plus que Tracey Emin qui en 2020 a eu un spectacle à la Royal Academy ‘Tracey Emin/Edvard Munch : Solitude de l’âme’. Cette exposition présentait plus de 25 œuvres de Tracey Emin qui explorent la solitude de l’âme et l’instabilité mentale, et côtoyaient une sélection soigneusement étudiée de 18 huiles et aquarelles tirées des archives d’Edvard Munch à Oslo, en Norvège.
Les éléments mentionnés ci-dessus ne sont qu’un extrait de la relation étroite entre la santé mentale et l’art. Nous sommes tous conscients du stéréotype de « l’artiste torturé/troublé », selon lequel les meilleurs artistes créent leurs chefs-d’œuvre en période de souffrance – et de maladie mentale – ne fait que renforcer la stigmatisation dans la communauté. Les gens peuvent être moins enclins à essayer des débouchés créatifs pour surmonter les moments et les sentiments difficiles. À leur tour, les gens peuvent avoir peur de s’exprimer en tant qu’artistes par peur d’être jugés, incompris ou stigmatisés. Mais les méthodes que les artistes à travers l’histoire ont toujours décrites leurs luttes si ouvertement et honnêtement et continuent de le faire aujourd’hui à grande échelle sont si évidentes.
L’artiste Adélaïde Damoah en action
Au fil des ans, des études ont montré que faire de l’art stimule la libération de la dopamine chimique qui est libérée chaque fois que nous faisons quelque chose qui est agréable. Des niveaux accrus de ce neurotransmetteur de bien-être peuvent être très utiles si vous luttez contre l’anxiété ou la dépression.
Les professionnels de la santé mentale et les experts s’accordent à dire que tout simplement faire de l’art sous quelque forme que ce soit présente de nombreux avantages, qu’il s’agisse de fournir de la pleine conscience, de renforcer votre estime de soi, de vous fournir un exutoire sûr pour soulager vos émotions, de vous donner un sentiment de contrôle sur votre vie et vous aider à mieux vous connaître et à vous comprendre. Au cours du processus de création artistique, vous vous lancerez dans un voyage de découverte de soi qui vous aidera à éliminer les obstacles émotionnels et à apprendre à communiquer avec vous-même et avec les autres. L’activité créative entreprise fréquemment est liée à un fonctionnement psychologique positif, tandis qu’un engagement accru dans des expositions/ateliers d’art est associé à une amélioration de la satisfaction globale à l’égard de la vie. Et parfois, c’est aussi simple que d’utiliser une forme médiative d’évasion jusqu’à un certain point, pour concentrer complètement votre esprit sur quelque chose comme faire quelque chose !
Masterpeace London – un espace d’atelier basé sur l’art et le bien-être
Picasso a dit que chaque enfant est un artiste et il a bien sûr raison ! Car quand on est enfant, il n’y a pas de barrières entre l’apprentissage et la création, entre l’information et l’imagination. Tout cela fait essentiellement partie de la même chose – l’instinct. Quand on y pense, personne n’apprend à un enfant à jouer, tout se fait naturellement dans le cadre de la condition humaine. Les artistes en exercice qui estiment que leur élan créatif a été étouffé pourraient retirer une page d’un livre pour enfants en observant leur créativité. Il n’y a pas de frontière artificielle entre les disciplines artistiques quand on est enfant. La peinture n’est pas de l’art visuel, les croquis ne sont pas des sketchs, etc. Ainsi, ils ne se voient pas travailler d’un domaine à l’autre et adoptent instinctivement ce qui leur convient à ce moment-là. Alors que parfois nous, les adultes, jugeons quelqu’un qui est peut-être un musicien à succès s’essayant à la peinture, au théâtre. Nous avons un jugement inutile indéniable sur quelqu’un qui a du talent dans plus d’une discipline artistique. Nous ne devrions pas l’être, nous ne faisons que canaliser notre enfant intérieur et embrasser la créativité au maximum !
De même, des études peuvent montrer que l’art peut créer des conditions propices à la pleine conscience en accédant et en engageant différentes parties du cerveau par le biais d’un changement conscient d’états mentaux. Pour ceux d’entre nous qui pratiquent régulièrement les arts, nous sommes conscients de ces états, capables d’entrer et de sortir et de récolter les bénéfices physiologiques grâce à un système neurologique qui se délecte et récompense les défis cognitifs. La recherche montre que les arts peuvent être utilisés pour créer un changement cognitif unique vers un état d’esprit holistique appelé flux, un état d’engagement optimal identifié pour la première fois chez les artistes, qui est mentalement agréable et neurochimiquement gratifiant.
Il existe une multitude d’études sur la relation entre les arts, le flux et la santé mentale, et les états de type flux ont été liés à la pleine conscience, à l’attention, à la créativité et même à l’amélioration de la cognition.