« Le musée n’a jamais été un espace neutre » : la conservatrice Laura Raikovich vise les institutions

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En 2017, la directrice du Queens Museum, Laura Raikovich, a commencé organiser le programme Art Space Sanctuary, qui cherche à créer un environnement sûr entre les espaces artistiques et culturels. Le conseil d’administration du Queens Museum a voté contre la mise en scène du projet, citant prétendument des inquiétudes selon lesquelles il était trop politique pour le musée. Six mois plus tard, Raikovich a exprimé sa prudence quant à la location des galeries du Queens Museum pour un événement politique organisé par la Mission d’Israël auprès des Nations Unies qui comprendrait Mike Pence, alors vice-président des États-Unis. Après avoir initialement rejeté l’offre de la Mission, et au milieu des allégations selon lesquelles Raikovich était antisémite, le Queens Museum a accepté d’accueillir l’événement. En 2018, elle quitte son poste au musée. Sa raison de le faire était un sentiment qui a été exprimé à maintes reprises par des artistes, des conservateurs, des militants et plus encore ces dernières années : les institutions artistiques ne sont pas des espaces politiquement neutres, et elles doivent donc lutter avec ce qu’elles communiquaient à leurs communauté qui, dans le cas du Queens Museum, est en grande partie composée de familles d’immigrants.

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L’expérience tumultueuse de Raikovich au Queens Museum peut être directement liée à ce qui est décrit dans son nouveau livre, Grève culturelle : l’art et les musées à l’ère de la contestation (Verso), qui aborde la longue histoire des musées occidentaux avec la représentation de la « neutralité » tout en protégeant les intérêts politiques des détenteurs du pouvoir. Dans ce document, Raikovich diagnostique les récentes controverses muséales comme étant la preuve de préjugés profondément ancrés.

Elle écrit sur ses propres expériences tout en examinant les protestations contre la famille Sackler et Warren B. Kanders, ainsi que la réponse à des œuvres telles que la peinture controversée de Dana Schutz d’Emmett Till, Cercueil ouvert (2016). Mais Raikovich ne se contente pas de fournir une analyse de tout ce qui ne va pas, elle détaille également un regard rafraîchissant sur quelques cas où les musées se sont intensifiés et ont apporté des changements, notamment au Walker Art Center de Minneapolis, qui a résisté aux protestations des communautés autochtones après il exposait la sculpture de Sam Durant Échafaud (2012) en 2017. Le musée a ensuite démantelé l’œuvre, qui se concentrait sur la pendaison de 38 hommes Lakota en 1838, et a remis les restes aux anciens du Dakota, qui les ont enterrés.

Dans une récente interview téléphonique, Raikovich a discuté de sa démission du Queens Museum, de l’élitisme dans les institutions artistiques et de ce qu’il faut pour vraiment faire amende honorable.

Laura Raivoich

Portrait de Laura Raikovich.
Photo Michel-Ange

1200artists.com : Quand as-tu décidé d’écrire Grève culturelle?

Laura Raikovich : Juste après avoir quitté le Queens Museum, j’ai décidé que je voulais vraiment réfléchir à cette question des musées et de la neutralité, et j’ai commencé à interviewer certains de mes collègues, artistes et amis sur le sujet. J’ai pensé que j’allais peut-être rassembler les interviews ou quelque chose du genre, mais alors que je continuais à parler aux gens, j’ai réalisé que j’avais en fait énormément à dire, et j’ai pensé qu’il fallait aussi discuter de la façon dont le musée a émergé dans le États-Unis et ce qui a mis en place les conditions qui ont permis, voire nécessaire, aux musées de se considérer comme des espaces neutres.

Votre propre démission en tant que directeur du Queens Museum a-t-elle été motivée par une incompréhension de ce qui constitue la neutralité ?

Oui. Je pense que c’est ce qui est finalement devenu la motivation pour vouloir cartographier ces histoires, car la réalité est que le musée n’a jamais été un espace neutre. Il a toujours été constitué à partir d’une positionnalité très particulière. Si vous regardez les modèles européens sur lesquels le modèle américain est basé, ceux-ci découlent des idéaux et des désirs de l’église ou de la royauté. D’un point de vue historique, aux États-Unis, c’est un peu différent parce que les collections qui ont commencé les premiers musées étaient principalement celles d’hommes blancs riches et ayant un certain niveau d’éducation. Ces collections étaient profondément personnelles en fonction de ce que cette personne aimait ou de ce à quoi ce petit groupe de personnes aimait, avait accès ou était exposé. Le champ à partir duquel ces objets ont été tirés est assez étroit. Et ce n’est pas qu’une question de goût. Il s’agit également d’un ensemble très particulier de politiques fondamentales à l’intérieur du musée, telles que sa structure, sa raison d’être et ses modes de fonctionnement qui sont profondément racialisés, classés et politisés.

Et les gens en sont plus conscients maintenant.

Exact, parce que je pense que beaucoup d’entre nous sont confrontés dans notre vie quotidienne, c’est que notre point de vue peut ne pas être aligné avec le statu quo et avec ceux au pouvoir. Par conséquent, il est considéré comme politisé ou agressif d’une manière ou d’une autre.

Dans le cas du musée et des personnes qui en sont proches, vous communiquez activement avec des personnes qui aident à construire, à entretenir et à tirer parti du système tel qu’il est. Il y a un certain pouvoir qui vient avec cette responsabilité.

Et pendant ce temps, le Queens Museum a travaillé et collaboré avec les populations immigrées autour du musée pendant des années et beaucoup de ces personnes étaient en danger réel compte tenu de la rhétorique de la campagne Trump et de l’administration qui a suivi. Il ne s’agissait pas seulement d’un argument philosophique sur la question de savoir si les musées sont ou non politiques au départ. Mais ce n’était pas comme s’ils étaient des partisans de Trump, c’était plus subtil que ça. Ils ne se sont même pas opposés à faire le travail qu’ils se sont simplement opposés à rendre visible. C’était : « Continuez à faire le travail, mais faites-le plus silencieusement. » Et ma position était qu’il arrive un moment où vous ne pouvez pas faire ce travail tranquillement à cause de l’extrême de la situation.

Vous évoquez d’autres musées, en particulier la question de la propriété de l’ancien vice-président du Whitney Museum, Warren Kanders, de l’entreprise de fabrication de défense Safariland, qui Hyperallergique signalé fabriquait des bombes lacrymogènes utilisées contre des migrants le long de la frontière américano-mexicaine. Voyez-vous un conflit entre les relations commerciales de Kanders et sa philanthropie ?

C’est là que les choses deviennent vraiment intéressantes. Ce qui se passe au sein du musée est une reproduction extrême des conditions de la société dans son ensemble. Vous avez ce reflet de la richesse et de l’iniquité de ce que nous voyons à l’extérieur du musée se produire à l’interne entre le personnel, les directeurs, les membres du conseil d’administration, et cetera. C’est pourquoi je pense que le musée est un lieu extrêmement utile pour réfléchir à des solutions, car nous devons également faire face à ces problèmes à une échelle beaucoup plus grande dans nos communautés.

À la suite des protestations contre des œuvres comme celle de Dana Schutz Cercueil ouvert et celui de Sam Durant Échafaud, certains ont prétendu que les voix des artistes étaient réduites au silence. Qu’avez-vous pensé du débat sur la censure qui a suivi ?

Si nous essayons de « faire le travail » d’une manière ou d’une autre, nous allons tout gâcher. Nous allons faire des erreurs. Donc, pour moi, le problème est le suivant : si vous êtes la personne qui a commis l’erreur ou causé le mal, alors comment vous racheter ? Il existe des différences vraiment importantes et significatives dans la façon dont les artistes et les institutions abordent ces moments respectifs.

Je ne sais pas si Schutz décidant de détruire le tableau aurait même fait le travail de faire amende honorable en l’absence d’une approche plus vulnérable. Dans le cas de Durant, je pense que le processus qui a été créé en consultation avec les aînés était ouvert à [it] d’aller là où il fallait aller à ce moment-là. le [Walker] a été critiqué pour avoir laissé l’œuvre être détruite car, après tout, l’un des devoirs fondamentaux d’un musée est de prendre soin des œuvres de sa collection. Mais cela se serait-il produit si peut-être ces groupes et parties prenantes avaient été impliqués plus tôt dans le processus ? Cela aurait été beaucoup moins douloureux pour toutes les personnes impliquées si elles l’avaient été. J’en suis certain.

Les musées agissent souvent sur la défensive lorsqu’ils font face à des protestations telles que celles concernant ces deux œuvres. Pourquoi donc?

Il y a beaucoup de peur que les institutions culturelles ont en raison des niveaux de précarité par rapport au financement et aux bailleurs de fonds. C’est une réalité. Et c’est effrayant comme l’enfer. Mais la manière dont nous nous engageons avec le public et avec les personnes qui ont été lésées en tant qu’institutions compte vraiment.

Je ne plaide pas pour un modèle européen où tout est financé par des fonds publics, car je pense que cela a ses propres problèmes, mais un certain équilibre est requis. Mais que se passerait-il si nous pouvions avoir un ministère fédéral de la Culture—comme la plupart des autres nations du monde—et avoir un très petit pourcentage des allocations de financement du gouvernement fédéral? Et si nous avions quelque chose de bien plus efficace pour financer les arts que le National Endowment for the Arts ?

Certains prétendent que les musées sont trop cassés pour être réparés à cause de leur héritage colonial et des personnes qui les financent. Pensez-vous que c’est le cas?

C’est une question difficile. Je pense qu’il y aura des institutions qui deviendront de moins en moins pertinentes. Le Laundromat Project et Recess sont vraiment différents du Met et du MoMA. Et je suis certain qu’il y a même dans ces institutions légendaires, y compris le Met et le MoMA, il y a des poches de travail vraiment incroyable qui est fait là-bas. Je ne suis pas sûr de vouloir encore tout abandonner, même s’il est de plus en plus difficile d’adopter cette position de nos jours. Aucun de ces endroits ne sera jamais parfait. Aucun de nous ne sera jamais parfait. Mais pouvez-vous déplacer le point de départ de votre argumentation ou de votre présentation pour vous approprier ces histoires, être honnête à leur sujet et les affronter de manière transparente ? Il faudra faire plus que changer la représentation de l’œuvre dans les galeries.

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