Louis H. Draper a lancé le collectif de photographie noire Kamoinge à Harlem en 1963, le nom signifiant «un groupe de personnes agissant ensemble», avec Albert R. Fennar, James M. Mannas Jr. et Herbert Randall. Actuellement, l’exposition du Whitney Museum «Travailler ensemble: les photographes de l’atelier de Kamoinge» présente 140 photographies de quatorze premiers membres du groupe. Ces participants avaient des origines géographiques, des antécédents sociaux, des spécialités académiques et des compétences techniques très diversifiés. Tous partageaient cependant la volonté de dépeindre la vive complexité de la communauté noire, luttant activement contre les stéréotypes dans les médias, l’art et la culture populaire de l’époque. Conçu à l’origine par la commissaire associée Sarah L. Eckhardt du Virginia Museum of Fine Arts (qui abrite les archives Draper désormais numérisées, acquises en 2015, qui ont inspiré cette exposition), «Working Together» se concentre sur les vingt premières années du collectif, au lien entre les mouvements des droits civiques et des arts noirs.
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À l’entrée de l’itération Whitney de l’émission, organisée par la commissaire adjointe Carrie Springer avec l’assistante à la conservation Mia Matthias, un moniteur vidéo dirige un documentaire de 2019 contenant des images d’archives, ainsi que des entretiens récents avec neuf des membres fondateurs du collectif. Dans le portrait de groupe au format mural d’Anthony Barboza, monté juste avant l’entrée de la première des trois galeries adjacentes, certains membres sourient de manière ludique, tandis que d’autres arborent des expressions plus contemplatives, préfigurant l’ampleur des intérêts, des styles et des sujets de l’exposition.
Barboza, le plus jeune membre original du groupe, a été l’un de ses archivistes les plus dévoués. Son engagement envers ses collègues artistes renforce chacun des trois thèmes – Communauté, Abstraction / Surréalisme et Droits civils – tissés ensemble pour raconter l’histoire du développement de l’atelier. Arrivé à New York en tant que photographe amateur, Barboza s’est formé à la photographie commerciale, mais il réalise également des images qui transcendent les conventions traditionnelles. Il est canon Pensacola, Floride (1966), montrant une enseigne au néon délabrée qui énonce le mot liberté, alors qu’il était stationné sur une base navale peu de temps après avoir rejoint Kamoinge. Imprimés en noir et blanc, la lettre B tordue, un R tombant et un E pendant à moitié allumé suggèrent, comme le dit Barboza dans la vidéo d’introduction de l’émission, que «la liberté a été brisée pour nous». Les membres perfectionnant leurs compétences dans les portraits commandés, la photographie de mode et le photojournalisme, des débats ont inévitablement surgi sur les sujets à photographier et comment, dans le cadre de la célébration de la culture noire. Par exemple, est-ce que Randall Sans titre (Lower East Side, NY), Californie. 1960, une image d’enfants jouant dans des immeubles partiellement démolis, frappant les téléspectateurs comme démoralisants ou simplement fidèles à la vie?
Musée des beaux-arts de Virginie. Avec l’aimable autorisation de Louis H. Draper Preservation Trust.
De telles disputes, qui perdurent encore aujourd’hui, font écho à un débat majeur entre WEB Du Bois et Alain LeRoy Locke au début du XXe siècle: Locke, philosophe et éducateur, a jugé important de montrer les mondes de la vie nègres dans toute leur humanité compliquée. les joies, les douleurs et même l’ennui de la vie quotidienne dans les zones rurales et urbaines. Du Bois, théoricien social et activiste politique, pensait que les artistes noirs avaient le devoir de n’offrir que des images positives des nègres comme des Américains idéaux.
Dans la section Droits civiques de l’exposition, Adger Cowans’s Malcolm parle (1965), une vue aérienne de Malcolm X s’adressant à un rassemblement en plein air, est suspendu près de Draper’s Sans titre (musulmans noirs), Californie. 1960, dans lequel le chef est photographié avec à la fois un jeune supporter et un policier, tous trois pris dans un seul cadre serré. Ces images, qui véhiculent plus qu’un dépassement de la prise de vue et de la capture, communiquent le respect des photographes pour leurs sujets dans des situations tendues. Ils nous font comprendre que Malcolm X a utilisé son sang-froid comme une manifestation physique de sa vision d’un avenir juste et digne à la fois sur scène et en dehors.
Fondé la même année que le Kenya a obtenu son indépendance de la domination britannique, l’atelier de Kamoinge a cultivé une conscience des actions de résistance contre l’impérialisme dans toute la diaspora noire. Membres photographiés dans des endroits de Hattiesburg, Mississippi (Randall), à La Havane (Shawn Walker). Le choix du mot «kamoinge» dans la langue du peuple kikuyu du Kenya reflète l’éthos anticolonialiste et panafricaniste du collectif.
Les membres de l’atelier ont également partagé un amour pour tous les arts de la musique – voir floue, quasi-abstraite de Herb Robinson Miles Davis au Village Vanguard (1961) et son glorieux Mahalia Jackson (1969) se balançant sur une scène extérieure – à la littérature, manifestée par le mentorat de Langston Hughes, poète lauréat de la Renaissance de Harlem, et en collaboration avec le romancier lauréat du prix Nobel Toni Morrison (qui a écrit l’avant-propos de l’inauguration du groupe Annuel des photographes noirs, 1973). Ming Smith, la première femme admise dans le collectif, a étudié la biologie et la chimie à l’université et faisait du mannequinat à New York lorsqu’elle a rejoint Kamoinge au début des années 1970. Dans son interview vidéo, Smith dit qu’elle utilise la lumière comme un peintre, et nous la voyons presque capturer des dimensions intergalactiques avec l’éclat d’une cape étoilée dans Espace Sun Ra II (1978). Alors que ses portraits surréalistes du musicien-prestidigitateur étaient ses images les plus étonnantes de l’exposition, les spectateurs ont été magnétiquement attirés pour regarder de plus près Sun Breeze après le bleuissement, Hoboken, NJ (vers 1972), un plan de linge soufflé sur une corde à linge qui évoque un bref moment de repos dans une cour clôturée.
Whitney Museum of American Art, New York. © Herb Robinson.
Les photographes de Kamoinge se sont entraidés et aidaient leurs communautés en construisant du matériel d’impression de fortune, en organisant leurs propres expositions et en donnant des cours de photographie. Certains ont exigé le service militaire; d’autres risquaient de figurer sur la liste des dissidents de la guerre froide en encourageant l’apprentissage tout au long de la vie dans les quartiers noirs. Cowans Nudité d’oeuf (1958), présenté dans la section Abstraction / Surréalisme, représente le standard d’excellence fixé pour les nouveaux membres, qui devaient être votés sur la base de leur portefeuille. L’œuvre montre une figure humaine enroulée dans une forme ovoïde accentuée par une ombre protectrice. Le corps se lit comme la grâce personnifiée, l’énergie se préparant à s’étendre.
Les archives Draper de la VMFA de sa ville natale de Richmond, regroupant quelque 50 000 images, nous rappellent les liens familiaux et politiques de l’atelier de Kamoinge avec le sud des États-Unis. Au Whitney, un nombre beaucoup plus restreint d’œuvres initie les visiteurs au collectif et l’historicisation de celui-ci donne l’impression d’un passé lointain qui s’éloigne rapidement du présent. On a eu l’impression que Kamoinge n’aurait pu prospérer que dans cette ère antérieure de prise de conscience noire croissante, maintenant longtemps dispersée par des forces qui incluent les assassinats de dirigeants clés des droits civiques des années 1960. Heureusement, Kamoinge s’est reconstitué, et bon nombre de ses anciens membres sont maintenant des mentors pour les jeunes générations de photographes, tous continuant à travailler ensemble sous les auspices de l’organisation à but non lucratif Kamoinge Inc. au milieu des demandes de justice sociale résurgentes d’aujourd’hui.