En peu de temps, Flo Lee a connu un grand succès dans sa carrière artistique. Elle a été présentée dans des publications imprimées et en ligne, a organisé de petites expositions personnelles, collaboré avec des passionnés d’intérieurs et, plus récemment, a noué une relation avec une galerie basée à Londres (Notting Hill) qui vendra son travail. Nous avons été ravis de parler à Flo de sa pratique, de son incroyable défi # 100 et de ce qui fait un bon portrait.
Salut Flo, merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler, tout d’abord peux-tu nous parler un peu de ton parcours en tant qu’artiste?
Merci d’avoir parlé avec moi. Mon parcours artistique a été vraiment un peu stop / start. J’ai étudié l’art à A -Level, puis j’ai obtenu mon diplôme de fondation, puis j’ai finalement étudié pour un HND en beaux-arts. C’est là que mon aventure artistique s’est terminée pendant environ 13 ans. J’ai quitté l’université sans vraiment savoir comment poursuivre une carrière créative et j’ai fini par travailler dans le recrutement pendant 13 ans. Je peignais encore de temps en temps mais vraiment pas si souvent. En novembre 2017, encouragé par ma famille, j’ai participé à un «Art Trail» à Bristol – où vous exposez essentiellement vos œuvres d’art chez vous et les gens peuvent venir visiter et acheter votre travail. C’était la première chose qui m’a vraiment fait recréer. Puis en février 2018, moi-même avec tous mes collègues, j’ai été licencié de mon travail de 13 ans. Une fois de plus encouragé par ma famille, j’ai décidé d’essayer de poursuivre une carrière d’artiste.
Qu’est-ce qui vous a initialement attiré vers le portrait?
Quand j’ai recommencé à peindre, j’ai essayé de ne pas trop penser à ce que je peignais, mais à cette époque, je ne pensais certainement pas que je tomberais amoureux du portrait. L’année où j’ai été licencié, je m’étais en fait mis au défi de dessiner ou de peindre une œuvre d’art unique chaque jour. C’était un excellent moyen d’essayer de nombreux sujets et techniques sans trop se soucier du résultat.
Probablement au milieu de 2018, j’ai commencé à peindre des portraits / visages, et je suis d’abord tombé amoureux du défi technique. Si je peignais un visage de manière incorrecte, alors que mon intention était de le rendre précis, c’était évident. Si je peignais un visage reconnaissable mais qu’il manquait de ressemblance, cela m’a poussé à continuer d’essayer de saisir cette compétence. Puis c’est allé plus loin, je voulais transmettre de l’émotion, de l’âge, des histoires, explorer la couleur. Avec le portrait, l’inspiration est littéralement infinie, et également accessible, car même sans personne d’autre pour peindre, j’aurais toujours moi-même !!
Votre travail a une esthétique individuelle si unique avec l’espace que vous laissez dans votre travail qui permet à notre esprit de cartographier ensemble ce qui peut être perçu comme une zone inachevée. Pourriez-vous nous dire comment vous avez développé ce style et comment vous savez qu’une pièce est finie dans votre esprit?
J’ai toujours aimé les peintures qui de loin semblent réalistes, mais de près deviennent presque abstraites à cause de leurs marques. Je me souviens avoir été plus jeune en regardant ces types de peintures et en essayant de comprendre comment les artistes y étaient parvenus et intrigués par la façon dont nos yeux et nos esprits rassemblaient ces marques. Je trouve que les grandes toiles / surfaces blanches vierges sont intimidantes – alors je surmonterais cet obstacle en peignant un sol coloré sur une surface ou en ajoutant une sorte de motif. Je pense que c’est cette technique qui a facilité mon style de laisser des zones «inachevées». Les motifs colorés se liraient comme une valeur correcte pour une zone particulière du portrait – je n’avais pas besoin de changer la couleur.
J’ai essayé à la fois la peinture sans dessin initial et la peinture avec un portrait esquissé et je préfère ce dernier. Je n’arrivais pas à trouver un moyen d’effacer le dessin initial avec succès pour me retrouver avec un portrait peint, et j’ai en fait compris que j’aimais certaines de mes lignes de dessin encore visibles. Je pense que cela crée un aspect narratif dans mon travail et satisfait également ma curiosité d’essayer de comprendre d’autres techniques de peinture / dessin d’artistes, car mon processus est entièrement visible dans mes peintures. Je suis également inspiré par une citation de l’artiste Steve Huston (je pense) – «L’art est une conversation, pas une conférence.» Je pense que c’est vraiment important, pour moi dans mon travail, de laisser le spectateur créer sa propre histoire à partir de ce qu’il voit, je ne crée pas mes portraits pour expliquer ce que quelqu’un devrait ressentir à son sujet, simplement pour s’engager avec lui. Je pense qu’une partie de la façon dont je peux y parvenir est de laisser des zones sous-développées ou moins raffinées, et d’encourager les gens à regarder le tableau de plus près plutôt qu’à faire des suppositions sur ce qu’ils voient.
Déterminer quand une peinture est terminée est principalement intuitif. J’ai souvent une idée de la quantité ou du peu de détails que je veux peindre, mais cela change également tout au long du processus. J’arrive à un point où je suis convaincu que le portrait vous en dit assez mais pas trop.
L’année dernière a été si délicate pour nous tous et nous avons parlé à quelques personnes qui ont lutté de manière créative. Comment avez-vous trouvé l’année dernière et auriez-vous des conseils à donner à quiconque a du mal à trouver cette étincelle créative?
Cette dernière année n’a pas été comme les autres !!! J’ai 2 enfants d’âge scolaire, j’ai donc étudié à la maison et travaillé – je n’ai pas eu l’occasion d’arrêter de peindre car nous avons besoin d’un revenu pour notre famille / hypothèque / factures, etc. pour continuer, donc je n’ai pas eu la chance de laisser mon étincelle créative s’arrêter.
Cependant, cela ne signifie pas que je n’ai pas eu de creux créatifs. J’ai eu de véritables baisses dans ma foi en ma capacité à peindre, ma capacité à trouver l’inspiration qui m’excite vraiment. Parfois, je sentais que je peignais et que je n’étais pas honnête avec moi-même en étant vraiment inspiré par ce que je faisais. Le conseil que je donnerais à quelqu’un, et ce n’est vraiment pas pour tout le monde, est juste de continuer à créer, mais de le rendre accessible. Si sortir vos peintures vous semble trop difficile, prenez un morceau de papier et griffonnez, faites et dessinez sans vous soucier du résultat. Si vous ne vous sentez pas inspiré, essayez quelque chose de nouveau, cela pourrait vous plaire ou vous faire réaliser que vous préférez réellement ce que vous faisiez au départ. Ne soyez pas dur avec vous-même, ne vous comparez pas et créez pour vous plaire et non pour les autres. Je trouve que je perds mon étincelle créative, soit lorsque j’essaie de trop penser à peindre quelque chose que je pense que les autres aimeront, ou si je me compare négativement aux autres, ni l’un ni l’autre ne vous fera du bien.
En regardant votre travail, je peux dire que les matériaux sont très importants pour votre pratique. Quels sont vos principaux matériaux et pourquoi sont-ils importants pour votre pratique?
Je pense qu’au fur et à mesure que mon parcours artistique s’est développé, j’ai commencé à mieux comprendre les produits que j’aime, j’utilise et leurs qualités individuelles. La peinture hautement pigmentée est vraiment importante pour moi car j’aime contrôler la transparence d’une couleur et combien je dois la superposer. J’utilise des peintures acryliques, mes marques préférées en ce moment sont Liquitex (et leur Gesso) et Sennelier. Plus récemment, j’ai peint sur des planches de contreplaqué et aussi du lin. Je trouve que Pébéo fabrique des planches de lin non blanchies de bonne qualité et étirées sur des cadres également.
Je pense que ceux-ci sont importants pour ma pratique, d’une part parce que si je comprends les qualités et les attributs de ce que j’utilise, je suis capable de les manipuler et d’en connaître le résultat, d’autre part parce que je veux que mes œuvres durent et ne se détériorent pas avec le temps.
Vous êtes un peintre prolifique et vous avez récemment terminé un défi # 100. Pouvez-vous nous en parler s’il vous plaît?
En ce moment, il me reste littéralement un seul à peindre !! J’ai commencé ce défi en avril 2020 après avoir vu une amie artiste, Lucy Pass, relever le même défi. C’était vraiment passionnant de voir ses tableaux se développer, et former une collection, sans se sentir contraint par un thème! Un jour, j’adorerais créer une œuvre où j’ai poussé un thème ou un récit, mais pour le moment, mon cerveau ne semble pas fonctionner comme ça. Avec le défi des 100 têtes – je l’ai vu comme un moyen de créer un corpus de travail avec un début et une fin très précis – mais avec beaucoup de flexibilité entre ces 2 points. J’ai également pensé que ce serait une très bonne façon de me pencher sur mon travail pour voir si je pouvais voir une amélioration et un développement dans mes compétences, je peux aussi voir un véritable voyage émotionnel en les regardant maintenant. J’espère qu’un jour je pourrai faire un livre à partir de tous ces portraits, et je suis également en train de créer des tirages «uniques» à vendre pour des œuvres caritatives.
Comment avez-vous trouvé cette expérience?
Je l’ai trouvé parfois épuisant et sans fin, me poussant à atteindre le numéro 100, mais maintenant que je suis à la fin, je ne veux pas que ce soit fini – un peu comme quand tu lis un bon livre, tu sont presque en course jusqu’à la fin mais ne veulent pas finir. La plupart du temps, je l’ai trouvé passionnant et positivement stimulant. J’ai maintenant une meilleure compréhension de la façon dont j’aime peindre et comment je peux y parvenir. J’ai lentement produit des dessins initiaux plus précis et je suis donc devenu plus rapide à le faire.
J’ai également beaucoup appris sur moi-même et j’ai besoin d’une validation pour mon art. De nombreuses personnes se sont régulièrement présentées pour voir mes nouveaux portraits dans le cadre de ce défi et j’ai également eu la chance de vendre des portraits. À un moment donné, cela m’a vraiment frappé, quand il semblait y avoir un manque d’intérêt pour mon travail et que les gens ne l’achetaient pas non plus. Cela a conduit à beaucoup de doutes sur mes capacités, mais c’était purement basé sur la réaction externe à mon travail plutôt que sur ce que je ressentais à propos de ce que je produisais. Bien sûr, je suis reconnaissant à tous ceux qui offrent soutien et encouragement, je veux faire de l’art que les autres aiment et avec lesquels ils s’engagent. Cependant, j’ai réalisé que je devais faire de l’art pour moi, que je me sens satisfait, que je suis fier ou que j’ai apprécié le processus, de cette façon s’il ne se vend pas ou ne reçoit pas un bon engagement, je se sentir validé.
Enfin, qu’est-ce qui, selon vous, fait un bon portrait?
Oh c’est une grande question.
Pour moi, un bon portrait pourrait être une collection de marques belles ou intéressantes qui forment un portrait intrigant, un portrait créé uniquement pour ses qualités esthétiques. Mais aussi, j’aime un portrait qui me parle de l’artiste et du sujet. J’aimais visiter de vieux bâtiments historiques / anciens et imaginer les gens qui y auraient vécu, et penser à moi en train de toucher les choses qu’ils auraient également touchées. J’aime ressentir ce même sentiment lorsque je regarde des peintures / portraits et que j’ai l’impression de voir l’artiste qui les a créés. C’est pourquoi j’aime voir les marques faites par les artistes, des marques qui ne peuvent pas être reproduites, pas quelque chose de trop raffiné. J’apprécie un portrait où le sujet m’encourage à m’engager avec lui, mais ne me déroute pas ou ne me fait pas me sentir indigne d’apprécier le portrait parce que la signification derrière eux est au-delà de ma compréhension ou de mon intellect.
Par conséquent, je pense que ce qui fait un bon portrait, ce n’est pas de savoir s’il est réaliste, esthétique, émouvant, plein d’émotion ou raconte une histoire. À mon avis, un bon portrait est celui qui évoque toute sorte de réaction émotionnelle ou d’intérêt chez le spectateur ou l’artiste qui a créé la pièce.
Flo, merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler.
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