Entretien avec l’artiste : Checka Levi Morenos

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Fondé par Ecclestone Art, le Holly Bush Emerging Woman Painter Prize 2021 soutient, encadre et célèbre les femmes peintres émergentes. Chaque année, 22 artistes sont choisis dans ce concours pour exposer à Londres et cette année l’artiste Checka Levi Morenos a reçu le prix 1200artists pour sa peinture ‘L’étudiant’. Nous avons rencontré Checka Levi Morenos pour en savoir plus sur son travail et son nouvel amour de la peinture en plein air à Venise.

Salut Checka ! Félicitations pour avoir remporté le 1200artists Prize au Holly Bush Emerging Woman Painter Prize 2021 ! Tout d’abord, pouvez-vous nous parler un peu de vous et de votre parcours créatif jusqu’à présent.

Merci! Je m’appelle Checka, je suis un peintre naturaliste anglais/italien né et élevé à Londres, et mes méthodes sont inspirées des grands maîtres et de quelques peintres du début du 20e siècle. J’ai suivi une formation en beaux-arts au Leeds College of Art, mais j’ai trouvé que le style contemporain d’enseignement de l’art ne me convenait pas. En fait, j’ai abandonné la peinture pendant un certain temps et j’ai poursuivi une carrière de 6 ans dans le design, mais inévitablement, mon besoin de peinture est revenu et je me suis retrouvé à commencer une école d’été en Italie pour apprendre la méthode de peinture à vue de la Renaissance. Cela m’a pris et j’ai finalement déménagé à Venise, en Italie, et j’ai commencé à peindre professionnellement. Je vis et peins maintenant entre les deux villes.

Votre œuvre gagnante ‘The Student’ représente un homme assis fumant dans une pièce sombre, le jeu de lumière dans la pièce est vraiment intéressant, avec la lumière vive de la fenêtre derrière, la plupart des détails sont jetés dans l’obscurité. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’œuvre, l’histoire et le titre qui la sous-tend ?

L’étudiant est mon grand-père vénitien de 92 ans, Mario Levi Morenos, photographié dans la même maison où il est né et où il vit toujours. En mai 2021, j’ai passé une semaine à vivre avec lui, attendant chaque jour sa cigarette après le déjeuner dans son fauteuil à côté du balcon pour passer quelques heures à peindre. J’ai choisi cette composition parce que la valeur intense de compression du rétroéclairage lumineux dans un pièce sombre semblait résonner parfaitement avec sa perspective réfléchie, humoristique et non égoïste sur la vie. Les heures que nous avons passées ensemble ont été une expérience plus attachante que je n’aurais pu l’imaginer, et j’espérais donner une qualité réfléchissante et nostalgique à la peinture, qui pourrait refléter les silences confortables qui s’étendaient entre nous pendant que je travaillais. Quant au titre, c’est le conseil qu’il m’a donné tout au long de notre cinquième et dernière séance qui a fait la différence : « Ne cessez jamais d’être curieux et ne cessez jamais d’apprendre de la vie. Reste toujours l’étudiant.« 

Votre travail est centré sur une observation honnête de la nature, l’idée que l’artiste est la nature qui se révère. Selon vous, quelle part de vous-même et de votre propre expression est-elle présente dans votre travail et dans quelle mesure essayez-vous de contrôler cela ? La présence de l’artiste est-elle importante pour vous ?

Je crois qu’un peintre devrait éviter d’embellir ses œuvres d’art avec un « style personnel » intentionnel, mais permettre à la peinture de représenter la nature telle qu’elle est, sans interférence intentionnelle de la personnalité ou de l’ego. La raison en est venue lorsque je suis tombé sur les écrits des néoplatoniciens de la Renaissance, dont l’un décrit que « Dieu a créé l’homme pour s’émerveiller de l’œuvre de Dieu » [The Oration on the Dignity of Man]. Bien qu’il s’agisse d’une interprétation simplifiée et littérale, mon art repose sur une lecture plus profane du texte : En effet, que l’artiste est la nature qui se révère. Ainsi, le but derrière mon travail est d’essayer de ne transmettre que la beauté de ce que nous sommes dans notre forme la plus pure, la nature. Que ce que nous sommes, tout comme nous sommes, est parfait. Bien que conscient de l’impossibilité de cette entreprise, j’espère que mes tentatives permettront à mes peintures de servir de rappel de la beauté de notre monde naturel, des gens qui s’y trouvent, et qu’il y a tant de choses à vivre.

Depuis que vous avez déménagé à Venise, quelle a été votre expérience de la création artistique pendant la pandémie et comment a-t-elle affecté votre pratique ?

Déménager à Venise a ouvert ma pratique artistique. Inspiré à la fois par l’architecture de la ville ainsi que par sa riche histoire de la peinture (j’ai pu m’en imprégner avant le verrouillage de l’Italie), j’ai trouvé mon approche entièrement changée. D’abord et avant tout, j’ai commencé la peinture en plein air, quelque chose qui semblait toujours trop intimidant à faire dans le centre de Londres mais qui est la norme à Venise. Si, lorsque vous sortez de votre porte d’entrée, vous êtes entouré de beauté, il est difficile de ne pas être inspiré ! Mais pour être honnête avec vous, le plus grand changement pour moi a été l’effet que cette ville a eu sur mon état mental. Le business de Londres et son impact sur ma santé mentale semblaient disparaître lorsque je travaillais seul dans mon studio au bord de l’eau. Déménager ici pendant une pandémie m’a donné l’espace mental et physique pour jouer sans me sentir gêné, me permettant de m’engager dans mon travail plus intensément et pleinement que jamais. Au cours de la dernière année, ma relation avec ma pratique s’est solidifiée en quelque chose de tangible, et à bien des égards, j’ai la pandémie à remercier pour cela.

Qu’y a-t-il dans votre kit de peinture en plein air et quels sont vos meilleurs conseils pour tous ceux qui veulent aller à l’extérieur pour peindre ?

Mes meilleurs conseils pour la peinture en plein air seraient : 1) Saisissez d’abord le ciel (s’il n’y a pas de ciel dans votre composition, optez pour quelque chose qui ne changera pas trop sa valeur tout au long de la journée) et utilisez-le pour travailler à partir de pour le reste de tes valeurs. Les valeurs comptent plus que la couleur, plus que tout dans votre peinture, alors faites-en votre priorité. 2) Loucher. Peignez les formes floues que vous voyez à travers vos cils jusqu’à la toute fin, puis ouvrez les yeux pour commencer à ajouter les derniers détails. 3) Peut-être le conseil le plus important – ne peignez que ce que vous VOULEZ peindre. Si la composition ne vous fait pas ressentir des choses, ne perdez pas votre temps, car le spectateur ne les ressentira pas non plus.

Voici une étape par étape d’une récente scène de plage de peinture en plein air réalisée au Lido, à Venise, il y a quelques semaines. (Je préparais normalement un paysage marin dans un bleu plus froid, mais je n’avais pas d’autres toiles à portée de main ce matin-là.)

Mon kit de peinture Plein Air a évolué au fil des années et ayant à peu près tout essayé, j’utilise actuellement :

  • Un chevalet italien en acier (j’ai trouvé dans une foire à Venise, mais que l’on peut trouver très facilement en ligne) qui est léger, facile à ranger et à ranger et qui maintient fermement votre toile par temps venteux.
  • En tant que palette, j’utilise en fait un porte-pinceau en bois que j’ai modifié pour inclure un trou pour le pouce et des fermoirs pour le maintenir fermé. Ceci est utile car il garde ma peinture relativement humide lorsqu’il est fermé et est facile à transporter, il est assez léger pour se clipser sur mon chevalet afin que je puisse peindre les mains libres, et il sert également de boîte à pouce pochade lors des arrêts rapides pendant les trajets en voiture lorsque la vue est trop belle pour résister !
  • Clip sur parapluie
  • Un assortiment de pinceaux à long manche, principalement des noisettes (Da Vinci, Zecchi, Daler Rowney), des sables de Zecchi (tailles 0 – 5) et quelques porcs (Winsor et Newton)
  • Rouleau de papier
  • Sac en papier pour faire office de poubelle
  • Clean Box pour transporter ma peinture humide à la maison
  • Chapeau de soleil/écran solaire/spray anti-insectes
  • Térébenthine inodore
  • En tant que médium, j’utilise un mélange d’huile de lin et de térébenthine épaissie au soleil, mais quand je n’ai pas cela sous la main, j’utilise le médium à peindre Zest It de 1200artists qui est très similaire, respectueux de l’environnement et sent bon.
  • Ma collection de peinture comprend le bleu outremer profond Old Holland, le bleu cobalt et le bleu céruléen. Et en Michael Harding, ocre jaune, rouge de cadmium moyen, rouge clair cad, orange de cadmium, jaune de cadmium moyen, jaune de cadmium clair et alternative au plomb blanc chaud.

Quand vous ne peignez pas à l’extérieur, vous êtes en studio, quelle est votre configuration de studio ?

J’avais un studio sur une île juste à côté de Venise (Guidecca), mais une fois le verrouillage mis en place, j’ai été obligé de m’installer dans mon appartement et j’ai constaté que mon travail s’améliorait considérablement. Avoir mon studio dans mon appartement était propice à un environnement de travail confortable et détendu dans lequel je pouvais commencer et m’arrêter quand je voulais, capable de prendre un pinceau ici et là entre les tâches, et comme mes méthodes ne génèrent pas beaucoup de désordre, je réalisé que cela me convenait bien. Je peins donc toujours depuis l’appartement palazzo du deuxième étage que j’appelle aussi ma maison.

Que ferez-vous avec le prix?

Oui, merci beaucoup pour le bon ! Bien qu’il s’agisse d’une nécessité dans mon domaine, l’achat de fournitures d’art a toujours été un plaisir coupable pour moi ! Jusqu’à présent, dans mon panier 1200artists, je ne fais que faire le plein de fournitures régulières, mais il y a aussi quelques luxes, notamment :

Une térébenthine distillée Winsor & Newton 250 ml, et de la peinture à l’huile Michael Harding ocre jaune 225 ml, blanc chaud et orange de cadmium 60 ml. Je trouve que les bleus Old Holland l’emportent sur toutes les autres marques, donc je reçois de la couleur à l’huile Old Holland Classic en bleu céruléen F39 40 ml, bleu cobalt E250 40 ml et bleu outremer Deep A244 40 ml – le plus important pour les ciels d’été en plein air et impossible à trouver dans Italie! J’essaie de nouvelles surfaces, notamment une Ampersand Primed Texture Cradled 38 mm, 20,3 x 20,3 cm et une Ampersand Primed Smooth 3 mm, 27,9 x 35,6 cm. En ce qui concerne les pinceaux, je reçois des avelines de sable géorgien Daler Rowney dans les tailles 2 à 8, quelques pinceaux Da Vinci Russian Black Sable Filbert Series 1845 dans les tailles 10 et 12 et un pinceau Daler Rowney Graduate XL Extra Large Stiff Synthetic Filbert dans la taille 40 qui fait un bel effet de brouillage pour l’amorçage et les arrière-plans.

Et enfin, quelle est la prochaine à l’horizon pour vous ?

En ce moment, j’attends l’encadrement de quelques peintures miniatures de couchers de soleil sur lesquelles j’ai travaillé. Au cours de l’été, j’ai peint presque tous les soirs depuis le bateau de mon petit ami dans la lagune vénitienne, et une fois encadrés, ils seront publiés sous forme de mini-série sur mon site Web et instagram. Je discute également de la possibilité d’une exposition dans une galerie locale ici à Venise ainsi que de la planification d’un voyage au Portugal pour créer une toute nouvelle série de paysages portugais rustiques vers la fin de l’année. Beaucoup de choses à attendre avec impatience alors assurez-vous de me suivre sur instagram @checka_levi_morenos et abonnez-vous à ma newsletter saisonnière sur mon site Web www.checkalevimorenos.com pour rester à jour !

Merci beaucoup Checka ! Bonne peinture !

Vous vous sentez inspiré ?

Lisez plus d’interviews d’artistes sur le blog 1200artists, achetez les couleurs à l’huile Michael Harding et Old Holland pour votre kit de peinture en plein air et découvrez-en plus sur le Holly Bush Emerging Woman Painter Prize.

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