Dans cette série de blogs, nous regardons au-delà de l’œuvre d’art et dans l’atelier de l’artiste. Ils sont souvent considérés comme de mystérieux pôles créatifs de libération et d’effort créatif, mais nous voulons aller à l’intérieur et découvrir l’environnement dans lequel ils travaillent, dévoiler le mystère et parler aux artistes. Découvrez des astuces pour vous inspirer, trouver leur «état de flux» et découvrir ce que le studio signifie pour chaque artiste et comment il influence sa pratique. Pour la sixième édition, nous sommes ravis de parler avec Kay Gasei
Salut Kay, merci beaucoup d’en avoir emmené quelques-uns pour discuter avec nous. Premièrement, qu’est-ce qui vous a poussé à devenir artiste?
Tout d’abord, je vais essayer d’écrire les réponses car je pense qu’elles sont plus organiques comme si c’était en direct. Mais! Euh, j’ai toujours dessiné et été dans les choses amusantes et comment elles sont fabriquées ou développées, les meubles, les sculptures, la musique, les œuvres d’art, tout cela contribue à m’exprimer ma version des choses.
Tout à fait d’accord, c’est une réponse plus organique, plutôt que de trop y penser, ce dont nous pouvons tous être! Vous avez un style si distinctif que je pourrais immédiatement voir votre travail et l’identifier comme le vôtre. Comment avez-vous réussi à développer ce style au fil des ans?
Ha! C’est cool à entendre, comme tout le monde j’ai copié et fait des pastiches de mes favoris et ensuite, en fonction de ce sur quoi je travaillais ou vers quoi je travaillais, j’ai essayé de changer le langage visuel pour mieux exprimer le motif. Donc, mon art de la mode par rapport à mon travail auto-initié par rapport au travail commandé me semble très différent, mais je suppose que l’enfant avec un langage étranger inventé comprend tous les dialectes inventés lol. Y ai-je répondu?
Oui parfaitement! Vous suivre sur les réseaux sociaux est l’une des choses que j’aime vraiment dans votre travail, c’est le manque de contenu d’alphabétisation. Vous laissez complètement l’interprétation au spectateur en laissant une réponse presque plus organique à l’œuvre. Vous ne cherchez pas nécessairement à lire l’accompagnement d’alphabétisation qui accompagne la pièce comme nous le faisons si souvent. Essentiellement, l’œuvre parle d’elle-même. Pourquoi pensez-vous cela et est-ce important pour votre travail?
Donc je ne sais généralement pas ce que je vais faire exactement jusqu’à ce que cela se produise, j’aurai un thème principal, peut-être ou je penserai à un sujet sur lequel m’accrocher, mais les détails sont toujours plus organiques et donc je pense que si je ‘ Je découvre mon propre travail, je veux que le public éprouve le même sentiment. Je parlais à une amie qui est aussi une artiste pendant qu’elle me tatouait, Dessy Baeva! Vérifiez-la d’ailleurs. Mais nous étions en train de nous déchirer sur l’art et le monde et autres et l’idée de yugen, très cosmique et jaune comme sous-marin, mais l’unité de tout et tel et parfois vous avez un sentiment de yugen ou d’extase lorsque vous venez de terminer une pièce ou comme c’est à propos crescendo et vous êtes dans le flux. Permettre à quelqu’un d’obtenir l’œuvre d’art à son rythme en tant que visuels et thèmes sous-jacents et son propre reflet de ce qu’il pense voir et de penser à ce que l’artiste pourrait vouloir qu’il voit, avec tout cela dans son esprit. Je pense que le mieux vient d’un manque ou d’une utilisation minimale d’un langage descriptif distinct, conduisant le témoin ou gâchant la surprise ??? Donc, la réponse courte est, laissez-les obtenir ce qu’ils pensent obtenir, la vie est un processus de sentiment lol.
‘La vie est un processus de sentiment‘ – Très bonne citation. Pouvez-vous nous parler des personnages de votre travail, comment choisissez-vous qui illustrer et pouvez-vous nous parler de votre relation avec eux?
J’ai 3 personnages récurrents, l’un est un garçon ou apparaît principalement comme un garçon / adolescent, mais je l’ai dessiné de plus en plus vieux, et son nom est Od (si vous savez, vous savez). Il apparaît généralement en morceaux explorant l’épistémologie ou l’univers, le malarkey prétentieux habituel de découverte de soi. Alors que le couple, est là pour explorer les sentiments et les relations ou l’idée d’eux, comment ils se manifestent et se propagent ou dégénèrent. J’essaie de ne pas les rendre spécifiques mais à moins qu’il n’y ait un thème évident dans l’œuvre, j’essaye de garder leurs identités culturelles ambiguës.
Au cours des dernières semaines, nous avons discuté avec de nombreux artistes de cette période de verrouillage et de son impact sur leur production créative. Nous avons eu des réponses mitigées avec certains artistes souffrant de manière créative et avec d’autres, cela a insufflé une nouvelle vie à leur pratique alors qu’ils luttaient autrefois. Comment l’avez-vous trouvé et qu’avez-vous fait pendant cette période d’auto-isolement?
Je n’ai pas été aussi productif depuis plus d’un an, je suis un peu sur un « bon garçon du temps » apparemment, donc cette mise à la terre obligatoire a été bonne pour moi, et cela m’a fait du bien de reprendre le travail que je veux faire et le temps libre pour répondre aux commandes sans se presser.
Quels matériaux utilisez-vous et pourquoi sont-ils importants pour votre pratique?
Je veux dire que j’utilise tout cela, dans un monde parfait ce serait le cas. De manière réaliste cependant, je dessine toujours des miniatures à l’ancienne, un stylo et du papier, mais selon la personne à qui le travail est destiné, cela peut être de l’encre avec des aquarelles / charbon de bois ou de l’acrylique avec des stylos et des crayons, des bâtons d’huile mais c’est rare. Plus souvent qu’autrement maintenant, c’est principalement numérique par commodité et en raison de la nature du travail d’édition.
Pourriez-vous nous parler un peu de vos habitudes de studio, comment trouvez-vous un état de flow ou une zone de confort pour pouvoir produire votre travail?
Curieusement, cela concerne les images que je vous ai envoyées mais ne peut pas être utilisé, je suis un peu une exposition, je n’aime pas travailler en me sentant restreint, donc des vêtements minimes. Cela prend un certain temps pour que ce flux entre en jeu, comme toute personne dans laquelle vous voulez que ce que vous vous apprêtez à vous engager se sente aussi organique que possible et arriver à ce stade mentalement sans inhibitions ni appréhensions prend un certain temps pour vider votre esprit. Ceci est probablement plus essentiel lorsqu’il s’agit d’un travail auto-initié alors qu’avec des projets commandés, l’urgence elle-même est un bon catalyseur de productivité, réduisant la graisse pour trouver le meilleur résultat qui n’est de toute façon pas superflu ou qui contient des détails non pertinents.
À l’heure actuelle où nous sommes inondés de distractions, il est peut-être plus difficile que jamais de s’éteindre et de se concentrer uniquement sur votre production créative. Donc, suite à la question ci-dessus, auriez-vous des conseils pour quelqu’un qui a du mal à trouver ce flux créatif?
Euh, je suis facilement distrait et un procrastinateur en série, mais je dirais que plus tôt vous commencerez à esquisser ou à écrire des idées, plus vous cultiverez un état mental créatif qui vous excitera suffisamment pour vouloir arriver à la finale pièce. De l’expérience de première main, plus vous attendez, plus il est facile de repousser les choses.
Kay, merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler, donnez-nous un si bon aperçu de votre pratique.
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