Créativité Nous étudions l’art russe. Trois images féminines en peinture 3 minutes à lire

Nous attendions cela depuis longtemps et maintenant – un nouveau livre « L’essentiel de l’histoire de l’art russe » a été publié. Hourra ! Il s’agit d’un guide complet, compréhensible et très intéressant sur les beaux-arts russes. Vous découvrirez les tendances, les techniques, les thèmes, les genres et, bien sûr, les principaux ouvrages de l’histoire.

En attendant, parlons de trois tableaux importants d’artistes russes : « La Princesse Cygne », « La Belle » et le portrait d’Anna Akhmatova.

La princesse des cygnes

Mikhaïl Vroubel: toile • huile • 142,5 × 93,5 cm • Galerie nationale Tretiakov, Moscou

Au printemps et à l’été 1900, Mikhail Vroubel (1856-1910) travaille sur des esquisses pour l’opéra de Nikolai Rimsky-Korsakov, Le Conte du tsar Saltan, créé en décembre de la même année. Le rôle de la princesse des cygnes a été écrit par le compositeur spécialement pour l’épouse de l’artiste, la chanteuse Nadezhda Zabela-Vroubel.


L’essentiel dans l’histoire de l’art russe

Cependant, cette œuvre n’était ni une esquisse préparatoire à la conception d’une production théâtrale, ni un portrait costumé du chanteur. Mikhail Vroubel a dédié l’œuvre au personnage du conte de fées d’Alexandre Pouchkine, sur la base duquel l’opéra a été écrit. L’artiste était intéressé et fasciné par l’image mystérieuse et la double nature de la princesse cygne.

Vrubel a représenté le moment de la transformation magique du cygne en princesse : ses ailes grandes ouvertes, peintes à grands traits, se transformeront en un instant en un ourlet aéré de robe. L’artiste a transmis l’éclat de « l’étoile au front » et de la « lune sous la faux » à l’aide de l’éclat des perles, émeraudes et autres pierres précieuses ornant la coiffe, le kokochnik et les bagues sur les mains de la princesse.

Mais dans cette merveilleuse métamorphose, il y a aussi un début sombre, presque démoniaque. Des nuances feutrées et froides, la surface grise de l’eau avec un éclat orangé de lumière crépusculaire, la pâleur du visage de l’héroïne soulignent l’éthéréité de cette créature mystérieuse, nous échappant au plus profond du réservoir.

Portrait d’Anna Akhmatova

Nathan Altman: toile • huile • 123,5 × 103,2 cm • Musée d’État russe, Saint-Pétersbourg

En 1910-1911, le jeune artiste Nathan Altman (1889-1970) a vécu à Paris – il y a étudié dans un studio d’art privé, a communiqué avec des bohémiens français et s’est familiarisé avec les tendances modernes de l’art. Dans l’atelier d’Amedeo Modigliani, Altman rencontre Anna Akhmatova et décide immédiatement de peindre son portrait.

Cependant, il n’a réussi à se mettre au travail que quelques années plus tard, lorsque Altman et Akhmatova sont retournés à Saint-Pétersbourg. La poétesse, déjà bien connue à l’époque, avait posé pour l’artiste pendant de nombreuses semaines dans son atelier du grenier de l’île Vasilyevsky.

Wikipédia / Musée d’État russe, Saint-Pétersbourg

Le portrait a été peint dans le style original et reconnaissable de Nathan Altman, formé sous l’influence du cubisme. L’espace de l’image est fragmenté en formes translucides à facettes qui se croisent, rappelant les motifs d’un kaléidoscope. Tous les éléments de l’intérieur semblent en mouvement : la ligne du sol est interrompue, les pieds du tabouret disparaissent, le support en bois sur lequel repose le modèle dépasse les bords de la toile.

La silhouette anguleuse d’Akhmatova est soulignée par un contraste intense de bleu et de jaune, elle semble flotter au-dessus du sol. L’artiste a donné à son apparence une aura de majesté et de tranquillité, de sophistication et de grâce. Il a réussi à capturer les traits caractéristiques de l’apparence lumineuse de la poétesse, à transmettre sa fragilité et son détachement, et également à créer une image qui reflète les intonations tristes de l’art d’Akhmatova.

Beauté

Boris Koustodiev: toile • huile • 141 × 185,5 cm • Galerie nationale Tretiakov, Moscou

Boris Kustodiev (1878-1927) a peint ce tableau joyeux et plein de lumière au plus fort d’une maladie grave – une tumeur à la moelle épinière, en raison de laquelle l’artiste a subi de nombreuses opérations et les dernières années de sa vie ont été confinées dans un fauteuil roulant. Néanmoins, c’est à cette période qu’appartient « Beauté » – l’une des œuvres les plus frappantes dans laquelle Kustodiev a finalement trouvé son propre style et son propre thème de beauté de la Russie marchande et provinciale.

Wikimedia Commons / Galerie nationale Tretiakov

L’œuvre de 1915 représente la femme d’un marchand de beauté nue qui vient de se réveiller de son sommeil. Lentement, pensant à quelque chose d’agréable, elle descend des plumes, posées sur un coffre en bois peint. Une couverture en satin corail, du papier peint azur et des roses écarlates qui s’épanouissent dessus, les figurines en argile multicolore placées sur la commode créent un sentiment de fête et de bonheur.

Chaque détail de l’environnement semble être rempli d’énergie vitale et fait écho aux motifs du réveil matinal et du début d’une nouvelle journée. La marchande elle-même est en pleine harmonie avec l’intérieur, expérimentant l’épanouissement de la beauté féminine. Son corps doux et sinueux, ses cheveux dorés, ses lèvres pulpeuses cerise, son blush sur ses joues et ses boucles d’oreilles ornées de perles incarnent l’idée de santé et de bien-être. L’artiste a privé la beauté de ses traits de portrait – en exagérant légèrement les formes et les couleurs, il a créé une image collective de «Vénus russe».

Couverture : unsplash

Basé sur le livre « L’essentiel dans l’histoire de l’art russe »