Poisson tacheté, aspect taupe et ombres colorées. L’illustrateur, artiste et designer Felix Scheinberger propose une approche inhabituelle et légèrement déroutante du dessin. Il allie peinture et graphisme et donne des conseils originaux pour créer des œuvres extraordinaires.
Si vous avez longtemps voulu apprendre à dessiner – inhabituel et non standard – suivez les conseils de Felix dans son nouveau livre « Peinture vs Graphics ».
Poisson sur place
Commençons par le plus simple
Peinture vs graphisme
Pour pratiquer la peinture à partir d’une tache, essayez un exercice simple : dessinez un poisson.
Commencez par un endroit simple, grossièrement en forme de poisson. Il peut s’agir d’une tache faite à la peinture aquarelle, d’une tache dessinée au crayon de couleur, d’un morceau de papier découpé ou déchiré. Tracez une ligne sur l’endroit. Vous verrez que lorsque vous avez une forme de base devant les yeux, il vous est beaucoup plus facile de lui donner vie avec des traits supplémentaires que de commencer à dessiner à partir de zéro. La tache soutiendra les lignes que vous avez dessinées et les détails – yeux, nageoires, écailles – compléteront le dessin comme par eux-mêmes.
Tour de bouton
Comment passer du spot au portrait
Parfois, il suffit d’ajouter un seul point pour rendre la tache lisible. Une bonne astuce consiste à commencer par l’œil. À ces fins, je garde toujours quelques boutons à portée de main (vous les trouverez certainement aussi si vous regardez attentivement quelque part dans le coin le plus éloigné du tiroir du bureau, entre les vieilles clés et les lunettes 3D de la dernière visite au cinéma) . Essayez de compléter la forme dessinée avec un bouton au lieu d’un œil. Prenez le bouton et placez-le là où l’œil devrait être dans le dessin.
Alors la silhouette se transforme soudain en personnage. Les yeux – même les yeux en bouton – donnent vie à n’importe quelle forme, et si nous donnons vie à une figure, il nous sera plus facile de la spécifier. Cette astuce mérite l’attention, ne serait-ce que parce que le bouton aide à s’orienter dans le dessin, mais pas à prendre des décisions finales à la première étape. Un bouton de pantalon est facile à déplacer ou à enlever, et ce qui est écrit avec un stylo (ou dans notre cas, dessiné avec un pinceau) ne peut pas être coupé avec une hache.
Le bouton forme le noyau de la cristallisation pour la fantaisie et aide à lire toute la silhouette dans son ensemble.
regard de taupe
On vous l’a probablement expliqué plus d’une fois : pour dessiner correctement, il faut regarder le plus attentivement possible. Mais il me semble que quand on va dessiner quelque chose, il vaut mieux le voir approximativement. Je vous propose cette astuce : essayez de tout regarder avec des yeux de taupe.
L’essentiel dans l’image n’est pas les détails, mais les proportions, l’ambiance, l’expressivité et la tâche artistique.
C’est-à-dire des aspects qui concernent davantage l’impression générale que les détails. Si vous commencez par travailler sur des détails (tels que les yeux et la bouche) dans un portrait, risquez-vous de déformer les proportions de la tête dans son ensemble – presque aussi probablement que si vous dessiniez facilement pour perdre de vue la structure principale ?
Beaucoup plus important est la façon dont l’image dans son ensemble affecte le spectateur. C’est pourquoi je veux vous montrer comment travailler à partir de grandes formes et descendre jusqu’aux détails, et non l’inverse.
Pour obtenir le look taupe, procédez comme suit : louchez un peu, comme si vous aviez perdu une lentille de contact (même si vous ne les portez pas, vous comprenez probablement ce que je veux dire). L’effet est que maintenant nous voyons tout très faiblement. Les plans fusionnent en taches, et la lumière perd ses nuances. Cela vous permet de réduire la représentation à une forme plus simple. Vous ne voyez pas les détails, le monde apparaît devant vous sous forme de silhouettes et devient un peu comme une gravure sur bois. Au début, cela peut sembler une limitation artificielle, mais vous verrez ensuite qu’une telle limitation donne des avantages dans le travail. Avec des yeux de taupe, on ne voit que ce qui est vraiment important. La simplification aide à comprendre beaucoup plus correctement quelles parties d’une scène particulière sont significatives et quels éléments de clair-obscur jouent un rôle majeur. Et plus le motif semble complexe, plus il est important de faire une telle simplification (comme, par exemple, dans le cas d’une rue animée du centre de Jaffa).
La réduction du regard révèle les composantes essentielles des motifs représentés. Cela fait du «look taupe» un outil précieux, car une telle «cécité» vous permet de vous concentrer sur les choses de base au premier stade, de saisir la forme. Où sont les lignes de perspective ? Comment la lumière et l’ombre sont-elles réparties ? Lorsque nous comprenons la forme dans son ensemble, nous pouvons la dessiner. Et les détails seront faciles à ajouter plus tard.
ombres colorées
Comment peindre l’obscurité avec des peintures
La façon la plus élégante de combiner peinture et dessin est de dessiner des ombres sur la peinture avec de la peinture. Cela signifie que nous abandonnons les hachures que nous utiliserions normalement et les remplaçons par la couleur locale de l’objet (par exemple, rouge pour une fraise, vert pour une pomme ou chair pour la peau humaine).
L’illusion de la tridimensionnalité ici, comme dans le dessin « normal », je l’obtiens en utilisant la couleur du papier comme ton le plus clair de l’image. Ces endroits où la lumière tombe, je les laisse non peints. Et là où des zones grises ombrées apparaîtraient autrement, je peins simplement avec de la peinture. Ainsi, je crée du volume en mettant en évidence les ombres de l’image avec des peintures au lieu de hachures. Et vous pouvez le faire à la fois avant de créer un dessin de contour et après.
Chaînes
Je veux te révéler un autre secret de perspective
Il n’existe pas de perspective générale valable dans tous les cas et évidente pour tous les spectateurs, du moins lorsqu’il s’agit d’images. La perspective surgit entre nos yeux, et ce que nous voyons se produit dans notre tête. Cela signifie que personne ne peut vérifier quelle était réellement la perspective de votre histoire. Vous pouvez gérer ce sujet beaucoup plus librement que vous ne l’auriez jamais imaginé. Ainsi, j’utilise souvent la perspective impossible ou oblique dans mes peintures. Mes points de fuite, en règle générale, ne sont pas construits mathématiquement, et les maisons que j’ai dessinées penchent continuellement dans des directions différentes, comme des brins d’herbe dans le vent.
Et le truc, c’est que ça a l’air très bien, même si ça ne correspond pas à la réalité. La perspective oblique peut même profiter à votre peinture.
Par exemple, dans ce dessin, j’ai incliné les lignes verticales pour améliorer l’impression générale du carré. En fait, la « maison oblique » semble beaucoup plus vivante que ce qui est droit. En tant qu’artiste, vous traduisez la réalité dans le langage des beaux-arts et, ce faisant, ce qui ne va pas d’un point de vue isométrique peut être très approprié du point de vue de la peinture.
N’abordez pas la perspective purement logiquement. Connaître les lois de sa construction est certainement important. Mais si vous n’êtes guidé que par eux, le résultat est souvent assez ennuyeux. Dans ma profonde conviction, l’impact émotionnel de l’image est bien plus important que sa logique. Si le bâtiment sur la photo se penche vers le sol, il semble menaçant, et s’il s’étire vers le haut, il est inaccessible.
Peu importe si la perspective « réelle, mathématique » de votre peinture est correcte. Il est vraiment important que l’image dans son ensemble ait le sentiment que tout va bien, que tout converge, que tout est comme il se doit. Si vous voulez dessiner quelque chose de travers, alors ce biais doit juste regarder harmonieusement à l’intérieur de l’espace de l’image. Le monde réel est le monde réel, et un dessin est un dessin. Après tout, notre objectif n’est pas de construire un bâtiment, mais de le dessiner.
Par conséquent, je le répète : « naturaliste » n’est pas toujours égal à « bien ». Les tours dansantes ne peuvent probablement pas exister dans la réalité, mais sur la photo, elles semblent incomparables.
Basé sur le livre « Peinture vs Graphics »