Christian Boltanski, artiste qui méditait tendrement sur la mortalité et les traumatismes, est décédé à 76 ans

Christian Boltanski, un artiste dont les installations sur la perte, la mémoire et les traumatismes l’ont propulsé sur le devant de la scène de l’art contemporain français, est décédé à 76 ans. Sa galerie de longue date Marian Goodman, qui l’a représenté aux côtés de Kewenig de Berlin, a annoncé sa mort dans un post mercredi sur son site Internet.

Les installations de Boltanski font souvent de grandes déclarations sur la mort, en particulier en ce qui concerne l’Holocauste, la Seconde Guerre mondiale et les effets persistants de ces événements sur l’Europe, en particulier la France, où il est né. Parfois, ces travaux froids ont confirmé une certaine relation avec la propre biographie compliquée de Boltanski. Ils se sentent à la fois profondément personnels et détachés.

Réfléchissant en partie au bouleversement intérieur auquel l’artiste a été confronté dans son enfance dans les années 40 et 50 et à l’âge adulte, son art se demande comment, ou si, les objets peuvent nous aider à récupérer ce qui nous a été définitivement enlevé. Comme Boltanski l’a dit dans une interview de 2020 avec le Train de Brooklyn, « Je suis un minimaliste sentimental. »

Bon nombre des œuvres les plus célèbres de Boltanski se sont appuyées sur ses énormes archives de photographies toutes faites représentant des enfants juifs prises dans les années précédant et pendant la Seconde Guerre mondiale. Il a souvent re-photographié et agrandi ces images, faisant apparaître les images floues, puis les a disposées en grilles. Dans certains cas, ils ont reçu de petits cadres et apposés des lumières géantes.

Rédaction de Les Archives (1987), une installation de centaines de ces images parue à la Documenta 8 à Kassel, en Allemagne, en 1987, New York Times la critique Roberta Smith a déclaré: «C’était comme si le visage obsédant d’Anne Frank, si universellement familier, s’était brisé et que nous voyions une petite partie des centaines de milliers d’enfants perdus que son visage symbolisait.» Son interprétation est commune : beaucoup ont suggéré que le travail de Boltanski pleure les millions perdus pendant l’Holocauste. Pourtant, comme l’a écrit la critique Nancy Marmer dans L’art en Amérique en 1989, les images peuvent être prêtes à servir plus largement de remplaçants pour «tout ceux qui sont déjà morts trop jeunes.

Certains critiques de Boltanski ont étiqueté des œuvres telles que Les Archives exploiteurs parce qu’ils manquent de spécificité, même s’ils prétendent dire la vérité – on ne peut jamais être totalement sûr que les personnes représentées étaient réellement des victimes de l’Holocauste. De cette façon, le travail de Boltanski a parfois été comparé à celui d’Anselm Kiefer, dont les peintures, réalisées dans l’Allemagne d’après-guerre, ont été accusées de profiter de la même tragédie. « Dans une période qui a vu plus que sa part d’art qui peut être confondu avec » la vie elle-même «  », a écrit Smith dans sa critique, « il semble raisonnable de se demander si Boltanski exploite le sensationnalisme de son sujet. »

Christian Boltanski est né le 6 septembre 1944 à Paris. À partir de là, sa biographie devient un peu trouble, en partie parce que l’artiste a rendu presque impossible une compréhension complète et précise de la première partie de sa vie. Comme New York Times le critique Michael Kimmelman a souligné dans une revue de 1991, beaucoup ont prétendu à tort que le jour de la naissance de Boltanski coïncidait avec la libération de Paris. Cela s’était effectivement produit quelques semaines plus tôt, mais cela ne changeait rien au fait que l’artiste finirait par grandir dans un pays sous le choc des horreurs de la guerre.

Avant sa naissance, le père de Boltanski, qui était juif, s’est caché sous le parquet de la maison familiale à Paris pendant un an et demi dans les années 1940. Boltanski a grandi en entendant des histoires sur cette période troublante, ainsi que des nouvelles d’autres amis de la famille qui avaient survécu aux camps de concentration. Très tôt, le traumatisme de se faire raconter de telles histoires s’est frayé un chemin dans son art. Ses premières peintures, réalisées à l’âge de 13 ans, étaient basées sur des images de carnage apparaissant dans des livres qui lui avaient été donnés à la communion. (Boltanski a été élevé catholique.)

Boltanski a commencé comme peintre, mais il a ensuite détruit nombre de ses premières œuvres. Avant ses installations photographiques, cependant, il travaillait selon des modes qui défiaient toute classification ordonnée. Au début de sa carrière, il s’est concentré sur sa propre vie, créant des œuvres qui renversaient la vérité si loin qu’elle commençait à sembler crédible.

Il a conçu tout un projet centré sur un accident qui ne s’est jamais réellement produit; Boltanski l’a documenté assidûment et a affirmé dans l’ouvrage qu’il l’a tué. Il a également créé un album «reconstitué» de chansons qu’il aurait entendues dans son enfance et a placé des objets qu’il prétendait être des souvenirs de sa jeunesse dans des boîtes à biscuits, qui sont devenus plus tard un élément incontournable de son œuvre. « J’ai raconté tellement de souvenirs inventés de mon enfance que je n’en ai plus de vrais », a-t-il dit un jour.

En 1970, Boltanski a eu son exposition d’évasion, une présentation solo au Musée d’Art Moderne de la Ville à Paris, où il a montré des rasoirs, des outils chirurgicaux et d’autres « instruments de torture stupidement cruels », comme il l’a rappelé un jour. Ileana Sonnabend, qui figurait à l’époque parmi les meilleures galeristes du monde, a vu le spectacle et a affronté Boltanski. Au cours des années 80, Marian Goodman a également commencé à le montrer, et à peu près à la même époque, son marché a commencé à croître rapidement.

Au cours des dernières décennies, le travail de Boltanski est devenu moins froid. En 2008, il a commencé un projet en cours appelé Les archives du coeur (The Heart Archive), dans laquelle il a demandé aux visiteurs de la galerie de soumettre des enregistrements de leurs propres battements de cœur. « Je m’intéresse à ce que j’appelle le ‘petit souvenir’, un souvenir émotionnel, un savoir de tous les jours, le contraire de la Mémoire avec un M majuscule qui est conservée dans les livres d’histoire », a-t-il dit.

Son art est devenu plus grand et de plus en plus ambitieux. Au Grand Palais de Paris en 2010, pour une œuvre intitulée Personnes, il avait une griffe mécanique géante pour ramasser et déposer les vêtements usagés assemblés dans un monticule de 55 tonnes. Autour de cette colline de vêtements étaient disposées des grilles de vêtements. Lorsque le travail a été remis en scène au Park Avenue Armory à New York plus tard cette année-là, il a dit L’art en Amérique que la montagne représentait un fouillis de corps sans nom – « Vous ne pouvez pas imaginer ces gens », a-t-il dit – alors que les parties quadrillées étaient l’endroit où ces humains étaient « vivants ».

Et en 2011, alors qu’il représentait la France à la Biennale de Venise, il montrait une œuvre intitulée La roue de la fortune, dans lequel une boucle mouvante bordée d’images de bébés parcourait un vaste espace rempli de passepoils. Périodiquement, la boucle s’arrêtait, une alarme sonnait et l’une des images était projetée sur un grand écran.

Au cours de sa carrière, Boltanski a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles organisées à travers le monde. Sa dernière rétrospective a été présentée en 2019 au Centre Pompidou à Paris. Deux éditions chacune de la Biennale de Venise et de la Documenta ont présenté son travail. Le Noguchi Museum dans le Queens, New York, présente actuellement une version de La Forêt des Murmures, une installation in situ que Boltanski a créée à Teshima, au Japon, en 2016, mettant en vedette un ensemble de cloches en laiton destinées à évoquer la position des étoiles dans le ciel la nuit où l’artiste est né.

Boltanski avait toujours été profondément conscient de sa propre mortalité, et cela a informé l’une de ses œuvres les plus inhabituelles, une pièce vidéo intitulée La vie de CB cela a été commencé en 2011. Le collectionneur David Walsh l’a commandé pour son musée d’art ancien et nouveau en Tasmanie. L’œuvre est une diffusion de 24 heures sur 24 de l’atelier de Boltanski, l’artiste recevant 2 500 $ par mois jusqu’à sa mort. Avec son décès mercredi, ce projet a officiellement pris fin.