Chez Gagosian, Awol Erizku démonte le Sphinx pour offrir de nouvelles possibilités d’imagination

Que signifie démonter quelque chose qui est déjà un amalgame de beaucoup de choses – des animaux, des mythologies, des cultures ? Cette question anime une nouvelle exposition de l’artiste basé à Los Angeles Awol Erizku qui s’est ouverte jeudi à l’espace Park & ​​75 de Gagosian dans l’Upper East Side de New York. Pour l’exposition, intitulée « Memories of a Lost Sphinx », Erizku présente six nouvelles photographies de lightbox qui déconstruisent les divers attributs de la créature mythologique homonyme.

Ces images sont sensuelles, rendues dans une résolution incroyablement détaillée. Ils présentent un serpent noir et jaune enroulé dont les écailles sont tangibles, deux images d’un lion placé contre des composites du cosmos, un faucon avec ses ailes déployées alors qu’il atterrit sur un gant, l’arrière de la tête du basketteur Kevin Durant et un flou tarentule à l’approche de l’oreille de l’auteur-compositeur-interprète Jesse Boykins III. Les photographies sont installées dans un espace au rez-de-chaussée entièrement peint en noir. Au centre, accrochée au plafond, se trouve une boule disco rotative en or en forme de buste de Néfertiti.

La mythologie du sphinx trouve son origine dans l’Égypte ancienne, où la créature était représentée avec la tête d’un homme, le corps d’un lion et les ailes d’un faucon. Dans la tradition gréco-romaine, l’homme devient une femme qui mangera quiconque ne pourra pas répondre à ses énigmes, rendues célèbres dans les contes d’Œdipe. Lorsque le sphinx a atteint certaines parties de l’Asie, il avait un serpent pour queue. A tout cela, Erizku a ajouté une tarentule.

« Je voulais faire une offrande poétique », a déclaré Erizku dans une interview tenue la veille de l’ouverture de l’exposition. « Pour moi, la tarentule est quelque chose que l’on peut trouver sous le Sphinx ou les Grandes Pyramides. Mais vous ne pensez jamais à cela lorsque vous regardez simplement ces images d’archives du Sphinx ou des Pyramides. C’était quelque chose que je voulais aborder, mais de manière très indirecte.

La série est sortie d’une visite en Egypte il y a plusieurs années. Là, il a vu le Grand Sphinx et s’est rendu compte «à quel point il était difficile d’en faire une image très convaincante, une image que vous n’avez pas vue dans les livres d’histoire. Alors pourquoi devrais-je m’en approcher ? » Ou, comme Erizku l’a dit plus tard dans l’interview, « Qu’est-ce que cela signifie pour un sphinx d’être déconstruit? »

D’autres artistes avant lui se sont emparés du sujet, notamment Kara Walker, dont la sculpture en sucre de 2014 Une subtilité, représentant le Sphinx en tant que femme aux traits africains, est considérée comme une pièce marquante. Erizku a déclaré que son point de vue était très différent. « Je n’essaie en aucun cas de surpasser Kara Walker », a-t-il déclaré, demandant: « Comment puis-je ajouter à la conversation? »

Antwaun Sargent, directeur chez Gagosian qui a organisé le spectacle et ami de longue date de l’artiste, a loué le dernier corpus d’œuvres d’Erizku pour sa complexité. Alors que Sargent a dit qu’il s’agissait de «l’appareil d’une photographie» et d’utiliser «le langage de la publicité», il traite également de bien plus que cela. « Il s’agit de quoi pouvez la photographie fait, par opposition à ce que devrait la photographie le fait », a déclaré Sargent.

Erizku considère le spectacle comme une énigme, une énigme sur laquelle il est réticent à divulguer trop d’informations. Le titre de l’exposition, « Mémoires d’un sphinx perdu », peut cependant offrir un indice, tout comme la façon dont l’artiste réfléchit à ce qui est imaginé à propos des sphinx et de leurs véritables réalités. Il y avait « un espace entre ce que j’ai vu en Egypte et ce que je voulais voir, ce que je pensais que j’allais voir », a-t-il déclaré.

Les attentes de ce qu’il s’attendait à voir à son arrivée en Égypte, a déclaré Erizku, étaient basées sur la façon dont il a appris la figure dans le cadre de son éducation, en particulier sur la façon dont elle est discutée dans l’histoire de l’art, qui valorise l’interprétation gréco-romaine par rapport à celui de l’Égypte ancienne, d’où la créature est originaire.

« Nous pensons rarement à la façon dont l’art égyptien a influencé toute l’histoire de l’art occidental bien avant cela », a déclaré Erizku, qui est né en Éthiopie et a déménagé avec sa famille à New York quand il était enfant. « Parce qu’on ne nous apprend pas ça à l’école, on ne va qu’aux influences occidentales. C’est un conditionnement. Pour moi, il est important que je revienne à l’histoire précoloniale afin de puiser dans ces contextes plus riches, ces histoires et héritages plus riches, certains volés que je dois ensuite recontextualiser.

Comme l’histoire de l’art est traditionnellement enseignée en Occident, une étude de l’art égyptien précède généralement celle axée sur l’art gréco-romain, qui est souvent considéré comme le summum de la créativité dans le monde antique. Cela fait de l’art égyptien ancien « la noirceur pour son utilité dans un monde blanc », a déclaré Sargent. « Ce est l’histoire. C’est comme ça qu’on m’a appris. C’est ce qui est aussi important ici. Vous avez un artiste du continent qui s’engage directement dans le patrimoine culturel d’une manière contemporaine et réfléchie.

Sargent et Erizku ont se connaissent depuis près de 10 ans, s’étant rencontrés pour la première fois lorsque Sargent a demandé à interviewer Erizku pour un article pour Complexe magazine. Ils sont rapidement devenus amis et ont continué à collaborer de diverses manières au fil des années. « Ce spectacle n’aurait pas lieu sans Antwaun », a déclaré Erizku. « Cette exposition est en préparation depuis de nombreuses années, et cela n’avait de sens que de faire avec quelqu’un comme Antwaun parce que je savais qu’il défendrait mon imagination au lieu de me donner des paramètres avant même que je commence à penser à quoi ressemblera l’exposition. ”

En raison de leur amitié, il y avait un niveau de confiance présent quand Erizku a proposé un concept lié à la réflexion sur les mythologies liées au sphinx. L’artiste n’était pas tout à fait sûr de la façon dont les images résultantes – ou même l’exposition – se révéleraient. « Il y a une qualité humaine dans son approche qui, je pense, me permet d’être ouvert », a déclaré Erizku. « Je pense plus que tout, c’est une conversation entre deux amis qui se joue dans l’espace public. » Cette conversation dure depuis presque aussi longtemps que les deux se connaissent; le spectacle n’en est qu’un point culminant.

Pourtant, ce sont des images qui résistent à une lisibilité facile – elles sont destinées à intriguer et à provoquer la réflexion. « Je veux étirer l’imagination, en particulier des jeunes artistes noirs », a déclaré Erizku.

À cela, Sargent a répondu: «Vous marchez sur une image Awol, et vous avez tous ces signes et symboles qui transigent et transpirent. Ce ne sont pas des images faciles, et vous devez vous asseoir avec elles.

Ce nouveau corpus d’œuvres est né d’une série similaire réalisée pour le Public Art Fund, dans laquelle ses images ont été exposées dans 350 abribus à New York et à Chicago. Cette méthode d’exposition inhabituelle, avec son format accessible et son format éclairé, a donné envie à Erizku d’explorer la création d’une série de photographies pouvant être imprimées et installées sous forme de caissons lumineux.

« Quand il a partagé qu’il voulait faire une exposition lightbox », a déclaré Sargent, « je me suis dit: » Où à New York avons-nous un espace où l’art est visible 24 heures sur 24? Où pouvez-vous avoir cette immédiateté, cette interaction et cette publicité qu’une sorte de lightbox exige ? » Cela les a conduits au Gagosian’s Park & ​​75, un espace au niveau de la rue sur Park Avenue qui était autrefois une épicerie fine. (La galerie y organise des expositions depuis 2014.) « Il y a un type d’engagement différent parce que le public est déjà intégré d’une certaine manière », a déclaré Sargent.

Erizku s’est souvenu d’être allé voir des spectacles à l’emplacement de Madison Avenue de Gagosian, à quelques pâtés de maisons de Park & ​​75, et de se sentir comme s’il n’y appartenait pas.

« Ce n’est pas le genre de chose sur laquelle je veux insister, mais c’est vrai », a-t-il déclaré. « Le fait que ces images vont vivre 24 heures sur 24 et 7 jours sur 7 dans ce quartier fera en quelque sorte son travail, n’est-ce pas ? Espérons que ce sera un moyen d’élargir et de repenser la noirceur – et de repenser les images que nous avons été conditionnés à regarder. Pensez simplement au nombre d’images que nous avons vues sur notre chronologie de corps noirs brutalisés. En ce moment post-2020, je pense qu’il est important de nier autant que possible ce type d’images. C’est du moins une de mes missions, rappeler aux gens la beauté et la complexité de la Blackness. Chaque émission que je fais est une proposition.