Angus Hyland : Interview d’artiste et exposition

by admin

Nous sommes ravis d’accueillir le graphiste, artiste, auteur et directeur créatif Angus Hyland dans notre 1200artists Glasgow pour son exposition « Looking for a Certain Ratio ». Le titre de l’émission est une citation directe d’une chanson de Brian Eno, The True Wheel. Une référence à un musicien et artiste qu’Angus admire beaucoup et, commodément, c’est une description exacte du territoire exploré dans ces peintures.

« Looking for a Certain Ratio » décrit en gros la motivation d’Angus, qui est à la recherche de belles compositions et harmonies dans le cadre d’une géométrie sacrée prescrite. Peintes dans son atelier londonien, les peintures explorent différentes palettes de couleurs, des combinaisons frappantes de couleurs fortement pigmentées aux variations subtiles de pastels et de monotones. L’exploration de différentes relations entre trois ou plusieurs points de référence individuels a constitué la base de toutes ces compositions intrigantes.

Angus a travaillé avec certaines des marques les plus connues au monde ; de Mulberry et EAT à Penguin Random House et Lawrence King Publishing. En tant qu’associé de Pentagram, le plus grand cabinet de conseil en design indépendant au monde, il a également reçu plus d’une centaine de prix créatifs, dont deux D&AD Awards pour la gamme 1200artists Paper et notre emblématique collection de sacs fourre-tout.

Salut Angus – merci d’avoir pris le temps de discuter. Ouinotre relation avec nous remonte à loin ! Nous avons déjà parlé avec et sur vous en tant que designer et partenaire chez Pentagram en relation avec la collaboration entre 1200artists et vous-mêmes. Aujourd’hui cependant, nous sommes ici pour discuter d’Angus Hyland l’artiste.

Pour ceux qui ne connaissent peut-être pas votre pratique créative personnelle, pourriez-vous nous parler un peu de votre parcours en tant qu’artiste ?

Franchement, je ne suis pas sûr que quiconque connaisse ma pratique créative « personnelle » car j’ai été assez secret à ce sujet – je doute que quelqu’un d’autre que Mark (Cass) et ma femme, Marion Deuchars sache ce que je faisais . Ce n’est qu’avec cette exposition que j’ai réellement « cassé la couverture ».

J’avais gribouillé avec de la peinture pendant environ cinq ans avant cela sans autre intention que de jouer. C’était une sorte d’art-thérapie – plus pour s’éloigner du travail de jour et juste tripoter vraiment; en essayant de comprendre, je suppose, comment tous ces premiers affichistes ont réussi à produire un tel travail graphique avec un pinceau et un pot de gouache. Cette activité artistique était quelque peu sporadique – j’ai fait de minuscules petites peintures au fil des ans pendant mon temps libre avec l’explosion occasionnelle en vacances quand j’en avais le temps. Je dois dire que je l’ai trouvé extrêmement agréable. Je travaillais principalement sur de petites compositions à main levée en essayant de perfectionner des formes géométriques et des aplats de couleurs. Les résultats étaient suffisamment intéressants pour justifier une exploration plus poussée.

Je n’avais aucune stratégie ni attente quant à l’endroit où j’allais – plus je travaillais sur la peinture, plus le besoin de peindre devenait compulsif. J’ai donc demandé à Mark s’il était intéressé à montrer les résultats – avant même que j’aie établi une direction forte. Je suppose que c’était une prophétie délibérée – auto-réalisatrice de ma part. Et en partie parce que j’ai pu partager l’atelier de ma femme – loin de ma pratique commerciale – et en partie parce que Mark m’a offert l’espace d’exposition, j’ai pu produire une œuvre rapidement et avec un sens du but.

Nous sommes ravis que notre Art Space is Glasgow soit de nouveau ouvert et que nous puissions enfin exposer vos magnifiques peintures ! Comment diriez-vous que vos peintures ont un impact physique sur un espace lorsqu’elles sont vues en personne plutôt qu’à l’écran ?

Question intéressante, car les peintures elles-mêmes ont pour but de diviser l’espace. Ils sont conçus pour fonctionner dans un espace physique. Peut-être qu’ils répondent à un désir profond – comme si j’étais obligé de trouver des solutions pour briser l’espace. Peut-être que des décennies de pratique du design graphique signifient que j’ai développé un besoin intrinsèque de diviser une page blanche. C’est un filtre que je dois assez souvent désactiver. Le contenu (mots/images) de ma pratique professionnelle est souvent hors de mon contrôle donc les peintures sont en fait des actes de pur design car le contenu est entièrement celui de la forme. Ce n’est pas de la décoration ; l’interaction entre la forme et la couleur sont des tensions qui se résolvent sur la toile

Chez 1200artists, nous pensons que la boutique d’art est sacrée pour la communauté créative, ce sont des centres où créer des liens, obtenir des conseils et expérimenter de nouveaux matériaux de première main. Qu’aimez-vous dans l’expérience d’acheter du matériel d’art en personne ?

J’ai toujours considéré les boutiques 1200artists comme le mariage métaphorique d’une confiserie à une quincaillerie. À la fois pratiques et attrayants, ils offrent des solutions et de l’inspiration.

Vous deviez exposer dans notre 1200artists Glasgow Art Space en avril dernier, mais étant donné la situation, vous avez temporairement déplacé votre exposition dans le domaine numérique et avez créé votre propre site Web pour l’exposition. Comment pensez-vous que les œuvres d’art se comportent lorsque des pièces physiques sont déplacées sur l’écran ?

Comme je ne pouvais pas montrer le travail à Glasgow dans un sens physique quelconque, il semblait que la seule option était de créer quelque chose dans l’espace numérique. Mon équipe a rapidement mis en place ce site. C’est vraiment juste un carrousel. L’oeuvre étant très simple dans la composition et graphique dans l’application elle se traduit relativement bien à l’écran en terme de design. Mais en tant que peintures, elles perdent beaucoup des qualités tactiles de la peinture sur toile.

Le site ne donne vraiment qu’une impression. Cela rend le travail moins pictural et plus graphique. Après tout, les peintures sont analogiques – c’est l’essentiel – ce n’est pas numérique donc être compressées en binaire – il y a une sacrée différence – elles perdent – comment dire… de la chaleur. C’est encore plus évident sur le fil Instagram. Instagram est immédiat, séduisant et addictif. Comme la restauration rapide. Ces peintures, je l’espère, sont l’équivalent artistique de la ‘slow cuisine’ malgré leur immédiateté très graphique.

Vous avez récemment commencé à travailler la Gouache Acrylique et la Gouache sur toile et papier. Quelle est la qualité de la gouache qui complimente si bien votre travail ?

J’ai commencé à utiliser la gouache parce que j’avais l’impression qu’il y avait un semblant d’héritage dans ce que je fais dans la vie. C’est, après tout, correctement appelé, Designer’s Gouache. En vérité, c’est un boulot absolu avec lequel travailler.

Sur papier, vous devez mélanger la peinture à la consistance exacte d’une crème liquide puis appliquée en une seule exécution. Si vous vous trompez, tout est foutu. Il est difficile d’appliquer des couches de gouache parce que de nombreux pigments « tirent » les pigments inférieurs. Mon admiration n’a cessé de grandir pour les compétences artisanales de ces premiers artistes commerciaux qui ont réussi à apprivoiser ce médium inconstant.

J’adore la toute nouvelle gouache acrylique professionnelle Liquitex. Bien qu’elle ne soit pas aussi riche en pigments que la gouache des designers, la gouache acrylique en revanche est un rêve absolu à travailler, surtout sur toile plutôt que sur papier, ce qui est tout aussi bien car elle nécessite souvent de nombreuses couches pour construire l’intensité de la couleur , en particulier dans les fluoros. J’ai tendance à utiliser du carton entoilé parce qu’il est très tendu et qu’il me permet de créer des diptyques et des triptyques précis. Pour l’acrylique, j’utilise Liquitex Professional Gouache, et pour les designers, j’utilise Winsor & Newton Designers Gouache.

Vous parvenez à garder une assez grande physicalité avec les œuvres – montrant la courbure du bord du papier, l’ombre sous un pli de toile. Cela nous aide, en tant que spectateur, à nous rappeler l’objectivité des œuvres – était-ce une considération importante pour vous ?

Je pense que c’est une bonne observation. J’ai fait photographier les pièces telles quelles ; les œuvres sur papier avant de les faire encadrer, donc naturellement, elles s’enroulent sur les bords. Ce n’était pas intentionnel, mais je pense que votre point est bon.

L’ensemble de l’œuvre s’intitule « À la recherche d’un certain rapport ». Quelle importance accordez-vous au titre d’un spectacle ? Et pensez-vous que le travail que vous présentez doit être encapsulé sous le titre comme un parapluie pour que son contexte soit pleinement compris et apprécié ?

Le titre de l’émission est une citation directe d’une chanson de Brian Eno, The True Wheel. C’est une belle référence à un musicien et artiste que j’admire et, commodément, c’est une description exacte du territoire exploré dans ces peintures. Aucune des peintures n’a de titre, donc je suppose que c’est assez agréable de donner une indication de ce dont elles parlent dans le titre. Ils partagent ce sens de l’exploration de la recherche d’harmonies très précises.

Votre processus de peinture semble passer par plusieurs itérations de préparation avant de pouvoir peindre sur toile, des croquis bruts et des échantillons de couleurs aux dessins au trait mathématiques. Abordez-vous cette phase préparatoire d’un tableau de la même manière à chaque fois ?

Il semble plutôt que j’emploie une méthode rigide pour le travail. En réalité, c’est beaucoup plus lâche qu’il n’y paraît par le sens de tout ce travail propriétaire. J’utilise les dessins au trait qui sont créés sur ordinateur pour cartographier le territoire, où certains rapports se croisent, des points harmoniques, des proportions « sacrées » disséquées, des « règles » de composition perçues, etc. etc.

Une fois qu’ils ont été établis en fil de fer, j’ai tendance à suivre mon instinct quant à ce qui fait qu’une peinture fonctionne. Je fais souvent avec de petits croquis en couleur, mais ceux-ci sont le plus souvent modifiés ou construits pour la composition finale. Dans l’ensemble, je vois ma méthode de travail comme une sorte de chaos ordonné. Je suppose que les résultats finaux n’illustrent pas vraiment cela – ils semblent très délibérés, ce qui n’est pas toujours le cas. Bien qu’il y ait toujours une destination en tête, je quitte souvent les routes A à la recherche d’un voyage plus intéressant.

Parlons couleur ! Nous avons brièvement évoqué votre utilisation des échantillons de couleurs pour préparer vos sélections de couleurs, comment êtes-vous influencé dans vos sélections de palettes pour chaque pièce et y a-t-il des règles que vous vous appliquez à suivre ? En effet, dans votre site Web, vous conservez ces échantillons de couleurs sous chacune des œuvres presque comme référence.

C’est une question intéressante. J’ai un sens intuitif de la couleur. Je n’ai jamais l’air de me soucier avec lequel postuler. Peut-être que je travaille entièrement dans ma zone de confort avec la couleur, et peut-être qu’à un moment je devrais me mettre au défi ? Avec cet ensemble d’œuvres, j’avais tendance à me fier à ce que je savais qui fonctionnait, et à ce qui fonctionnait à la fois individuellement et en tant qu’ensemble d’œuvres.

Sur le plan tonal, les œuvres sont très saturées, les primaires, les violets intenses ou les nuances fluorescentes se détachent nettement sur des arrière-plans gris pâle et blanc cassé. Qu’aimez-vous dans le fait de travailler avec des tons si vifs ?

La plupart de mes premières peintures sont très discrètes et de bon goût dans mon choix de couleurs, peut-être parce que j’ai exploré des peintures plus petites et plus détaillées. Au fur et à mesure que je devenais plus confiant et que je m’orientais vers l’application de couleurs beaucoup plus agressives et exigeantes, les compositions se sont simultanément simplifiées et les couleurs sont devenues encore plus audacieuses. Tout est devenu plus concentré.

Merci d’avoir pris le temps de parler Angus ! Enfin, avez-vous des conseils à donner à ceux d’entre nous qui essaient de maintenir un processus créatif à la maison ?

Le travail pour le spectacle est actuellement tout stocké chez mes encadreurs, King & McGaw près de Lewes dans les South Downs. Je ne l’ai pas vu depuis 10 semaines ! J’ai actuellement atteint une pause délibérée pendant que le verrouillage est en place. Bien sûr, j’ai mon travail commercial à considérer qui est une priorité en ce moment et qui prend beaucoup plus de temps à travailler à distance qu’avant avec une équipe à portée de main. Je partage mon temps entre le travail, l’exercice, l’alimentation saine et la vie.

Ma pratique personnelle est actuellement englobée dans la créativité artistique familiale plus large. En ce qui concerne ma peinture, je laisse ce temps à la gestation plutôt qu’à la pratique. Je me sens bien parce que les idées, les pensées, les réflexions ; il y a une percolation lente. Je n’ai aucune idée d’où ça va mais je sais que quand je recommencerai, il y aura une différence, un changement. Cela peut être subtil ou plus prononcé, et je pense que c’est une bonne chose. Le changement est, après tout, un signe de vie rassurant.

Vous vous sentez inspiré ?


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