A Venise, les figures de Claire Tabouret se métamorphosent à travers de multiples moi

Exposition de Claire Tabouret « Je suis une chair spacieuse et chantante » à la Biennale de Venise 2022 est le premier événement collatéral de l’artiste à Venise.

À travers une gamme de peintures figuratives réalisées au cours des dernières années, Tabouret explore les variations de soi et de l’identité, en utilisant diverses représentations de femmes et d’enfants d’une époque révolue que Tabouret extrait de photos d’archives. Ces sujets sont souvent dans des poses de groupe, parfois à double face, ou pataugeant dans des paysages brumeux.

Outre ces 25 œuvres, l’exposition de Tabouret, qui se déroule du 23 avril au 27 novembre au Palazzo Cavanis de Dorsoduro, comprend également des artefacts de dévotion italiens prêtés par un musée régional.

L’ensemble de l’ouvrage s’inscrit dans la continuité des questionnements de Tabouret « sur la formation de la subjectivité et la construction de l’identité, soulignant les fluidités et les multiples niveaux d’identification et de transformation : de soi, de l’autre, des identités collectives, des tentatives de compréhension de celles-ci en relation avec le genre et milieux culturels, a déclaré Kathryn Weir, commissaire de l’émission basée à Paris ARTNews.

« La recherche d’un commissaire s’est terminée très rapidement avec Kathryn », a déclaré l’un des organisateurs de l’émission, Martin Bremond, dans une interview avec 1200artists.com. « Son travail autour des performances et de la recherche identitaire a été un élément clé de sa recherche curatoriale. C’est elle qui a pu relier le travail de Claire à certaines des idées centrales de la Biennale.

Pour en savoir plus sur l’exposition, 1200artists.com a mené une entrevue avec Tabouret et Weir par courriel.

1200artists.com : Dans une grande partie de l’œuvre de Tabouret, ses personnages – souvent des références à des représentations de femmes du passé portant divers costumes – semblent être dans des environnements obscurs ou des états de flux. Comment cela se joue-t-il dans ces œuvres ?

Catherine Weir : Le langage artistique de Tabouret déploie des états d’être alternatifs, souvent mystérieux, et enchevêtre l’identité individuelle dans des forces plus larges. Elle joue avec le costume, le maquillage, marqueurs d’horreur, de pouvoir et d’aventure, mettant en scène des formes d’insoumission et de résistance, notamment des enfants contre les idées adultes sur l’enfance, et contre les notions binaires de genre. Les masques, le maquillage et les costumes reviennent dans l’œuvre de Tabouret, y compris les masques à gaz et les femmes corsetées de cuir et entravées par des talons aiguilles ; diverses œuvres de 2015-16 prennent comme point de départ le travail de Georges Bataille, notamment la série Les Étreintes ainsi que des portraits de femmes orientalistes et exotiques par des peintres tels que Delacroix et Gauguin.

Dans La Pieuvre (2015), la figure féminine suscite des associations ambiguës qui passent de la monstruosité au super héros au rituel sadomasochiste. Ces processus de transformation dépassent les catégories binaires et créent des relations alternatives entre ceux représentés et leur environnement.

Comment le thème de la transformation se déploie-t-il dans les œuvres présentées dans cette exposition ? Quel rapport avec l’autoportrait ?

Claire Tabouret : Il y a souvent une transformation visible des personnages dans mon travail, que ce soit à travers le costume, le maquillage, les couleurs artificielles, etc., mais je souhaite aussi que le spectateur soit confronté au sentiment de changement. Je m’intéresse au moment où une chose se transforme en une autre — je veux suspendre ce moment dans le temps.

Seuil: L’autoportrait est une ligne constante de la pratique de Tabouret qui capture des états fugaces et des transformations plus profondes. Dans Autoportrait double (2020), Tabouret se métamorphose en créature à deux têtes ; Autoportrait en vampire (2019), où ses lèvres sont maculées de sang, fait un pendant troublant aux représentations antérieures de Les Mangeurs (2013), des bébés aux lèvres enduites de nourriture.

L’exposition comprend plusieurs artefacts de dévotion datant d’il y a des siècles. Pourquoi ont-ils été inclus ?

Seuil: En février 2022, l’artiste donne naissance à son premier enfant, vivant ce dédoublement intime, ce que Cixous décrit comme étant « le lieu de l’autre » et « le destinataire intime qui rend toutes les métaphores possibles et désirables ». Cet autre processus de création incarnée suscite de nouvelles interrogations dans la pratique de Tabouret quant à la subjectivité, la chair, la fluidité et la créativité.

Les deux ex-voto ‘Madri’ en tuf volcanique inclus dans l’exposition datent du 6^e–3^rd siècle avant J.-C. et ont été donnés par des femmes, en remerciement pour les enfants qu’elles avaient nés, à un temple probablement dédié à la Mater Matuta, la divinité italique pré-romaine de l’aube et de la fertilité. Ils ont été découverts à Petrara en 1845, près de l’ancienne Capoue, sur un site où des inscriptions ont été trouvées sur des éléments architecturaux en oscan, une langue italique du sud de l’Italie. Les statues sont des représentations des femmes dévotes avec leurs bébés emmaillotés.

Les personnages sont au centre d’une grande partie de la vitrine, mais ils sont accompagnés de diverses sculptures qui occupent l’espace vacant. Quel rôle jouent ces structures dans l’exposition ?

Tabourets : La Cabane (2009) est un modèle de tente ou de cabane, un abri temporaire. Ces types de structures ont tendance à être de nature transitoire et éphémère. Vous pouvez également voir cette référence dans La tente de la Commission de la paix (2010), qui représente une tente pouvant être utilisée pour des négociations lors d’une bataille ou d’un autre conflit. L’absence de figures dans ces œuvres par rapport aux autres tableaux de l’exposition nous donne le sentiment qu’il s’est passé quelque chose ici : ce refuge éphémère a été abandonné.

Seuil: Les maisons vides et autres formes d’abris sans occupation humaine visible sont un sujet récurrent dans différents groupes de peintures, notamment les Maison inondéeet dans des sculptures comme La Cabane (2009) et Le Temple (2021). L’éclipse (2017) crée également une atmosphère de suspense par sa mise en scène très cinématographique en rapport avec l’action inédite « hors champ », peut-être l’événement astronomique évoqué dans le titre : la lune, associée à l’eau et aux femmes, vient se conjuguer à la force du soleil et l’obscurité de l’éclipse est un présage incertain dans une crise qui se prépare.

Dans L’équipe (2016) et Le sortilège (2018) nous voyons diverses figures féminines dans ces poses transpercées. Faites-vous référence à une photographie ou à une peinture historique dans ces œuvres ?

Tabourets : Le point de départ pour L’équipe (2016) était une photo que j’ai trouvée d’une équipe féminine de basket-ball, prise dans les années 1930. Je voulais que ce travail soit festif, honorant de la même manière chaque membre de l’équipe. Il n’y a pas de hiérarchie entre les figures – elles occupent toutes la même quantité d’espace et l’une n’est pas plus importante que l’autre. Pourtant, ils forment également une unité forte et singulière qui crée une composition puissante et imposante.

Le sortilège (2018) était en fait basé sur une photo de Nadia Comaneci, qui est une gymnaste roumaine. Je suis toujours fasciné par les gestes et le langage corporel dans le sport, et en gymnastique, leurs mouvements de mains ressemblent à de mystérieuses chorégraphies. J’avais l’impression qu’elle jetait un sort ou effectuait un rituel secret. Ici, le sujet est donc transformé en une figure plus étrange et cryptique en la recouvrant de tissu noir et en enduisant son visage de peinture rouge. Je voulais créer un sentiment de malaise, tout en conservant sa force.