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Ars longa, vita brevis, dit le vieil adage, mais il vaut la peine de noter qu’un outil principal de diffusion de notre connaissance de l’art – l’exposition – est aussi transitoire que la vie elle-même. Les expositions s’ouvrent, puis se ferment, et même les grandes enquêtes itinérantes ne durent généralement qu’un an environ. Si vous n’êtes pas un professionnel de l’art globe-trotter, ou si vous avez manqué d’une manière ou d’une autre une exposition importante même si elle était juste en bas de la rue, vous pouvez toujours voir un spectacle à travers son catalogue. À l’instar des meilleures expositions, les meilleurs catalogues d’exposition sont des œuvres de recherche souvent élaborées depuis des années, voire des décennies. Beaucoup d’entre eux, en fait, offrent une lecture plus approfondie du sujet que le spectacle original et méritent une place sur n’importe quelle bibliothèque consacrée à l’histoire de l’art et à la théorie critique. Voici nos recommandations pour les meilleurs catalogues d’exposition des 10 dernières années. (Prix et disponibilité en vigueur au moment de la publication.)
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«Les femmes de l’expressionnisme abstrait»
La consommation excessive d’alcool, les jupons et les bagarres étaient parmi les détournements associés aux expressionnistes abstraits, un groupe lourd sur le chromosome XY. Étonnamment, cependant, le mouvement a englobé un certain nombre de femmes artistes qui n’ont reçu que récemment leur plein dû dans des expositions comme «Les femmes de l’expressionnisme abstrait». Organisé par le Denver Art Museum, ce salon de 2016 a relancé les carrières de 12 femmes peintres associées à AbEx sur les deux côtes, dont Jay DeFeo, Helen Frankenthaler, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Lee Krasner. et Joan Mitchell. Tel qu’édité par Joan Marter, le catalogue richement illustré de l’exposition élargit encore plus la liste en présentant des biographies de plus de 40 artistes en tout. Avec des textes qui incluent une interview avec le chroniqueur réputé de la New York School Irving Sandler, le livre, comme l’exposition elle-même, offre une mise à jour révisionniste rafraîchissante du chapitre crucial de l’histoire de l’après-guerre qui a fait des États-Unis la capitale artistique incontestée du monde.
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«L’art et la Chine après 1989: le théâtre du monde»
Une mesure sûre du statut de superpuissance est la mesure dans laquelle un pays particulier parvient à projeter son influence culturelle – en particulier la mesure dans laquelle ses artistes finissent par dominer la scène mondiale. Depuis 1989, cette nation est la Chine, qui est devenue la deuxième économie de la planète après le massacre de la place Tiananmen cette année-là. Il n’est donc pas étonnant que le Guggenheim ait fait de 1989 le point de départ de son enquête de 2017 sur l’art contemporain chinois – la plus grande du genre jamais réalisée en Amérique du Nord – qui a réuni 70 artistes (à la fois bien connus et moins connus) contribuant 150 œuvres d’art. Le catalogue tout aussi volumineux de 324 pages approfondit cette période de transformation de l’art et de l’histoire chinoises, déclenchée par le mariage par le Parti communiste au pouvoir du capitalisme de style occidental et d’un régime autoritaire – un développement qui, pas si ironiquement, peut-être, a fait un nouvel art. de Chine, le favori du néolibéralisme du 21e siècle.
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«Subversion séduisante: artistes pop féminines, 1958-1968»
Comme le reste de la société et de la culture du milieu du siècle, le Pop Art était dominé par les hommes, même s’il comptait un bon nombre de femmes artistes dans ses rangs. Ce n’est pas par hasard, ils ont été largement négligés jusqu’à récemment, lorsque des expositions comme le spectacle 2010-2011 du Brooklyn Museum «Seductive Subversion: Women Pop Artists, 1958-1968» ont commencé à sauver leur carrière de l’obscurité. Le spectacle et son catalogue ont montré que le travail des artistes pop féminines différait considérablement de celui de leurs pairs masculins: au lieu d’élever Hollywood, la publicité et les bandes dessinées au royaume du grand art comme Warhol et d’autres l’ont fait, des artistes tels que Rosalyn Drexler, Marisol, Marjorie Strider et Niki de Saint Phalle se sont concentrées sur la manière dont l’imagerie populaire a façonné les femmes à la fois comme des objets et des consommatrices, préfigurant le travail d’artistes contemporains comme Cindy Sherman et Sarah Charlesworth.
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«Heure standard du Pacifique: maintenant creusez ça! Art and Black Los Angeles 1960–1980 »
Dans le cadre de Pacific Standard Time – une vaste initiative d’exposition de 2011 entreprise par 60 institutions SoCal pour retracer l’histoire de la scène artistique alors en plein essor de Los Angeles – «Now Dig This» au Hammer Museum de Los Angeles a plongé profondément dans l’artiste afro-américain de la ville. communauté dans les années 60 et 70. Parmi le groupe se trouvaient des stars de l’art comme David Hammons et Betye Saar, ainsi que des personnages moins familiers tels que Noah Purifoy et John Outterbridge. Tout en engageant des tendances et des idées différentes, ces artistes ont formé un réseau de soutien mutuel et ont partagé les vicissitudes de l’identité noire au cours d’une période turbulente délimitée par l’activisme des droits civiques, le mouvement du pouvoir noir et les troubles urbains. Le catalogue, rédigé par Kellie Jones avec des essais supplémentaires de cinq contributeurs, approfondit ce chapitre critique de l’histoire de Los Angeles, qui a contribué à alimenter la montée en puissance de la ville en tant que centre d’art majeur.
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«Outliers and American Vanguard Art»
À l’heure actuelle, la distinction entre les artistes initiés et les artistes extérieurs est devenue théorique, car ces derniers attirent l’attention des conservateurs, des galeristes et des diplômés du MFA à la recherche d’inspiration. En effet, le mot outsider fait de plus en plus défaut – c’est pourquoi la conservatrice Lynne Cooke a utilisé le terme aberrante pour le titre de cette enquête 2018 et son catalogue. L’exposition, qui s’est ouverte à la National Gallery de Washington, DC, présentait 250 œuvres d’art de 80 artistes formés et non formés, juxtaposant leurs contributions dans des regroupements thématiques. (Une installation, par exemple, a accroché une photo de film sans titre de Cindy Sherman près d’un autoportrait de photomaton de l’artiste de rue quasi-sans-abri de Chicago Lee Godie.) artisans folk et autodidactes, l’exposition et son catalogue présentent le travail de ces valeurs aberrantes comme une sorte d’avant-garde opposée aux orthodoxies académiques de l’art du XXIe siècle.
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« Déclencheur: le genre en tant qu’outil et arme »
Un nom aussi bien qu’un verbe, gâchette désigne une dynamique à la fois active et réactive. Et aucun problème dans la mémoire récente n’a mieux incarné les deux sens que la guerre culturelle entourant la définition de la sexualité et du genre – c’est pourquoi l’exposition 2017 du New Museum sur le sujet a utilisé le mot comme principe organisateur. Mettant en vedette une quarantaine d’artistes employant une grande variété de médias, «Trigger: Gender as a Tool and a Weapon» a exploré le concept de genre au-delà de l’homme et de la femme, affirmant que chacun est une construction, un silo dans lequel les individus sont insérés par la société. En plus de documenter l’exposition, ce catalogue aborde son problème principal: une grande partie de la réaction critique à l’exposition a décrit son installation comme déroutante – un inconvénient qui devient hors de propos sous la forme d’un livre.
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« Art Post Internet »
Au cours des XIXe et XXe siècles, les artistes d’avant-garde ont lutté contre le profond effet transformateur de la révolution industrielle en libérant le pouvoir de la production de masse, des médias de masse et de la consommation de masse. Aujourd’hui, le gorille de 800 livres confronté aux artistes est numérique, un phénomène sans doute plus perturbateur grâce à la diffusion quasi instantanée de leur travail. Alors, comment l’art répond-il à la tourmente de l’ère de l’information? Lorsque cette exposition a ouvert ses portes à l’UCCA Pékin en 2016, elle n’a pas vraiment apporté de réponses, qui restent aujourd’hui plus inaccessibles que jamais, grâce au discours post-vérité de myriades de forums de discussion. Pourtant, les contributeurs à l’émission – Cory Arcangel, Bunny Rogers et Jordan Wolfson parmi eux – ont offert des suggestions provocantes pour faire face à notre environnement sursaturé de mèmes, de désinformation et mishegas. Convenant à une émission sur l’impact d’Internet sur la culture, le catalogue n’est pas un livre analogique mais plutôt un fichier PDF téléchargeable, confirmant que malgré toute sa destruction créative, le monde en ligne est éphémère.
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