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Chaque artiste a sa propre boîte à outils pour faire de l’art. Pour beaucoup, ce kit comprend des livres sur lesquels ils reviennent, non seulement pour des informations pratiques, mais aussi pour une compréhension du processus artistique dans un contexte théorique et philosophique plus large. C’est là que notre liste entre en jeu. Nous avons rassemblé une sélection de neuf livres, des ouvrages de théorie critique aux autobiographies, qui apparaissent sur les étagères de nombreux artistes et que, s’ils ne sont pas déjà là, vous voudrez peut-être ajouter aux vôtres . (Prix et disponibilité exacts au moment de la publication.)
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1. John Berger, Façons de voir
Dans ce livre révolutionnaire de 1972, le critique britannique, artiste et intellectuel public John Berger combine la théorie de l’école de Francfort avec un langage accessible pour démystifier les notions communément répandues sur l’art. Le projet de Berger a commencé comme une série télévisée de la BBC du même nom, à la fois sous forme imprimée et télévisée, Façons de voir emploie des termes profanes pour offrir une critique matérialiste qui encadre l’art (en particulier la peinture) dans le contexte socio-économique plus large qui conditionne notre réception. Berger note comment l’art a été changé par sa large diffusion par la reproduction (une notion empruntée à Walter Benjamin) et évoque la manière dont le regard masculin a façonné – et a été façonné par – l’histoire de l’art. Il explique également comment le marché a remplacé l’église comme moyen de valoriser une vénération religieuse pour l’art. À travers tout cela, il revient à ce point de vue le plus subjectif: l’œil du spectateur.
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2. Robert Farris Thompson, Flash de l’esprit
Une étude historique de 1983 par l’historien de l’art Robert Farris Thompson, Flash de l’esprit explore comment les traditions culturelles apportées de l’Afrique aux Amériques pendant le passage du Milieu ont façonné et imprègnent encore l’expression artistique de la diaspora africaine dans le Nouveau Monde. En se concentrant sur cinq civilisations d’Afrique de l’Ouest – Yoruba, Kongo, Ejagham, Mande et Cross River – Thompson retrace leur influence sur les arts noirs dans l’hémisphère occidental. Dans son introduction, Thompson écrit: «J’espère, en ouvrant certaines de ces pistes de recherche, que l’identification et l’explication de certaines de ces grandes lignes, intellectuellement perçues et sensuellement appréciées, fourniront une mesure de l’accomplissement des civilisations africaines en transition vers l’Occident, pour le leur, est l’un des grands styles de migration de l’histoire de la planète.
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3. Wassily Kandinsky, Concernant le spirituel dans l’art
On peut soutenir qu’aucun livre n’a fait plus pour façonner le cours de l’art moderne que cet ur-texte de Wassily Kandinsky, une figure fondamentale de la transition de la peinture de la représentation à l’abstraction au cours des premières années du XXe siècle. Au centre de la réflexion de Kandinsky (qu’il expose dans la première moitié du livre, sous le titre «À propos de l’esthétique générale») se trouve un appel à une «révolution spirituelle» qui libérera l’art lui-même de la tradition occidentale de représentation de la réalité extérieure en le dépouillant de tout sauf la subjectivité de l’artiste individuel. Dans ce nouveau modèle d’effort artistique, les artistes travailleraient davantage comme des musiciens, abandonnant la mimésis pour un langage non objectif de forme, de composition et de couleur (présenté dans la seconde moitié du livre, «About Painting»). Publié en 1911, le traité de Kandinsky continue d’informer l’art abstrait à ce jour.
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4. Walter Benjamin, «L’œuvre d’art à l’ère de la reproduction mécanique»
L’un des tracts critiques les plus influents des 90 dernières années, l’essai de Walter Benjamin «L’œuvre d’art à l’ère de la reproduction mécanique» (1935) est surtout connu pour avoir introduit le concept d ‘«aura», un terme désignant l’air de présence transcendantale et légitimité culturelle conférée aux objets d’art. Selon Benjamin, l’aura tire son pouvoir de l’unicité perçue et de la durabilité historique d’un objet, qui ont toutes deux été minées à l’ère moderne par l’omniprésence des reproductions d’art dans l’imprimé, la photographie et le cinéma. Benjamin poursuit en disant que puisque l’aura équivaut à une forme de culte, ses qualités peuvent être mises au service d’une «esthétisation de la politique» à travers le spectacle de masse et le culte de la personnalité – les théâtres du nazisme étant l’exemple évident à l’époque de Benjamin. Bien que l’accent mis par Benjamin sur la reproduction mécanique puisse sembler étrange aujourd’hui, son point plus large reste d’une pertinence déprimante à l’ère de Trump et des médias sociaux. L’essai est présenté dans Achat: l’œuvre d’art à l’ère de sa reproductibilité technologique 18,90 $ (nouveau) sur Amazon
5. Roland Barthes, Caméra Lucida
Si ce mince volume du critique et sémioticien Roland Barthes est considéré comme un traité canonique sur la photographie, il ne s’agit pas vraiment de la photographie en soi, du moins pas dans le sens d’un examen de l’histoire de la photographie ou de son statut contesté en tant que genre artistique. Il ne s’agit pas non plus, à proprement parler, de la déconstruction rigoureuse que l’on pourrait attendre d’un personnage fondateur de la formulation de la théorie postmoderne. Plus que tout, Caméra Lucida, publié en 1980, est une rumination profondément subjective, presque lugubre, sur le rapport entre la photographie et la mémoire, occasionnée par la mort de la mère de Barthes. Barthes postule que l’effet de l’image photographique dépend de deux qualités qu’il définit comme studium, ou le contenu de la photo, et plus important encore, le punctum, un détail proustien dans l’image qui crée une connexion ineffable entre le spectateur et le sujet à travers le temps et l’espace. Pour Barthes, une photographie non seulement enregistre la vie, mais la reporte après la mort.
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6. Edmund de Waal, Le lièvre aux yeux ambrés
Le céramiste Edmund de Waal s’est décrit comme un «potier qui écrit», et en effet, l’écriture en Le lièvre aux yeux ambrés (2010) est aussi bon que possible. Le livre marie l’histoire de sa famille avec celle d’un groupe d’objets de collection en sa possession, une cache de 264 japonais netsuke—sculptures miniatures en bois et ivoire qui font traditionnellement partie d’un costume d’homme japonais. Le netsuke a été initialement acquis par l’ancêtre de de Waal Charles Ephrussi, membre d’un clan bancaire juif autrichien et mécène des impressionnistes, dont l’intérêt pour le netsuke était cohérent avec l’engouement du japonisme qui balayait Paris à l’époque. Quand Hitler a annexé l’Autriche en 1938, les nazis ont confisqué tous les biens de la famille Ephrussi – à l’exception du netsuke, qui avait été caché par un domestique. Le moment venu, ils se dirigèrent vers de Waal et devinrent le sujet de cette magnifique méditation sur la fragilité et la persistance de l’art et des liens familiaux.
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7. Stuart Hall, éditeur, Représentation: représentations culturelles et pratiques signifiantes
Une ressource inestimable dans le domaine des études sur les médias, cette vaste collection d’essais, éditée par le théoricien de la culture Stuart Hall (qui ajoute sa propre écriture au mélange), plonge dans la mécanique de la représentation – telle qu’elle se manifeste par des symboles, des signes et le plus important, la langue – et son rôle essentiel en tant que ciment de la culture. Hall note qu’à sa racine, chaque culture dépend d’un «sens partagé» pour fonctionner; à cet égard, la culture n’est pas tant un «ensemble de choses – romans et peintures ou programmes télévisés et bandes dessinées» – que c’est un processus. . . concernés par la production et l’échange de significations. » Les contributeurs abordent une gamme de sujets, du rôle de la photographie dans la diffusion de l’imagerie à la manière dont des méthodes aussi diverses que les publicités et les expositions muséales façonnent nos attitudes vis-à-vis de la race, du sexe et de l’identité.
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8. Andy Warhol, La philosophie d’Andy Warhol (de A à B et inversement)
En 1975, année de publication du livre, le New York Times appelé La philosophie d’Andy Warhol (de A à B et inversement) une «vision apocalyptique de la vacance». Ce n’était pas nécessairement une critique. Une pure distillation de la sensibilité de l’artiste sous forme écrite, en partie autobiographie et en partie prosélytisation pour vivre la vie sans ressentir, Warhol’s Philosophie semble bouillonner d’ironie swiftienne, même si vous pouvez dire qu’il le pense vraiment. Moins ambiguë est sa vision égalitaire, évidente dans cette interprétation de Coca-Cola: «Vous pouvez regarder la télévision et voir Coca-Cola, et vous savez que le président boit du Coca, Liz Taylor boit du Coca, et pensez simplement, vous pouvez boire du Coca , trop. » Warhol a toujours insisté sur le fait que son art n’avait «rien derrière», et bien que ce volume ne parle de rien, il réaffirme à quel point ses idées se sont répandues. Après tout, si vous voulez voir la philosophie de Warhol en action, regardez autour de vous.
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9. Susan Sontag, Contre l’interprétation et autres essais
Avec la pièce titulaire de cette collection d’essais de 1966, Susan Sontag a créé un tollé en contestant l’écriture critique au milieu du siècle, suscitant des arguments publics et des contre-arguments dans une discipline autrement obscure. Et tandis que Sontag se concentrait principalement sur la critique cinématographique, ses objections étaient censées s’appliquer au domaine dans son ensemble. Ils se résumaient à la question de l’interprétation – la tendance à donner un sens à l’art. Elle considérait cette approche comme évoquant la tradition mimétique de l’art figuratif, qui avait été écartée bien avant son écriture. Pour mettre les choses au diapason du modernisme, a proposé Sontag, la critique devrait se concentrer sur la forme plutôt que sur le contenu. De plus, elle désapprouvait de projeter des lectures marxistes ou freudiennes sur des œuvres d’art, une approche qu’elle considérait tout aussi mauvaise que celle d’essayer d’y trouver une leçon de morale. Alors que certains lecteurs peuvent trouver les vues de Sontag trop restrictives (voire archaïques, compte tenu du temps écoulé depuis que le modernisme n’a pas mordu la poussière), «Against Understanding» reste un classique de son genre.
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