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Aussi vastes que puissent être les listes de programmes de cours de beaux-arts, ce n’est jamais une mauvaise idée de compléter les exigences de votre classe avec d’autres titres. Besoin de conseils pour constituer votre collection de livres d’histoire de l’art ? Nous avons rassemblé ci-dessous une liste d’incontournables, à la fois grand public et spécialisés, qui couvrent l’histoire de l’art de l’Antiquité classique à nos jours. L’histoire de l’art est une discipline malléable, sujette à des révisions et des réévaluations récurrentes. Mais la compréhension de l’évolution de l’art en dépend, ou du moins en est enrichie. Aiguisez vos études dans ce domaine avec un ou plusieurs de nos choix. (Prix et disponibilité en vigueur au moment de la publication.)
1. Penelope JE Davies, et al., L’histoire de l’art de Janson (9ème édition)
Pendant plus de 60 ans, le butoir d’un livre de Horst Woldemar Janson a servi de texte de référence pour les cours d’histoire de l’art 101 partout dans le monde, promettant un aperçu complet de la peinture, de la sculpture et de l’architecture de l’aube de la civilisation à nos jours. Pour l’essentiel, cela a fonctionné, à l’exception d’une omission titanesque : les femmes artistes. Janson ne croyait pas qu’il y en ait qui méritaient d’être sérieusement pris en considération, un préjugé cohérent avec l’origine du livre de l’ère Mad Men, et celui que l’auteur a maintenu jusqu’à sa mort, en 1982. Cependant, une révision de 2006 a essentiellement écrit Janson à partir de son propre livre. , même si son nom est resté dans le titre. Œuvres citées comme chefs-d’œuvre (comme le tableau de James McNeill Whistler de 1871 Arrangement en Gris et Noir No.1autrement connu sous le nom La mère de Whistler) ont été élidés, tandis que des disciplines auparavant ignorées (photographie et art décoratif) ont été ajoutées, ainsi que, enfin, des artistes femmes. De plus, il a remplacé l’accent mis par Janson sur l’artiste masculin en tant que génie par une lecture plus complète qui prend en compte la race, la classe et le sexe. Cette édition la plus récente, publiée en 2013, étend la couverture de l’art islamique dans son propre chapitre.
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2. Hal Foster, Rosalind Krauss, et al., Art depuis 1900 (3e édition, deux volumes)
Compilé par des contributeurs associés à Octobrele trimestriel critique d’art connu pour son écriture dense et difficile, Art depuis 1900 a été publié en 2005 en tant que correctif aux histoires d’art standard tout en s’adressant à un lectorat plus large. Pourtant, le livre conserve OctobreL’attitude épineuse et le penchant poststructuraliste de , c’est-à-dire qu’il est sceptique quant à l’idée que l’art incarne des expressions individuelles qui transcendent le temps. En conséquence, le livre ne suit pas le développement de ce qu’il appelle le modernisme, l’anti-modernisme et le post-modernisme à travers des artistes ou des mouvements. Il traite plutôt l’art du XXe siècle à une déconstruction textuelle avec de courts essais liés à certains événements culturels ou historiques pour chaque année entre 1900 et 2003, en commençant par la publication de Sigmund Freud Interprétation des rêves et se terminant par la 50e Biennale de Venise. Votre kilométrage peut varier en fonction de l’importance que vous accordez à ces événements en termes d’histoire de l’art, mais Art depuis 1900 illustre la nature non hiérarchique du discours qui prévaut aujourd’hui.
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3. Giorgio Vasari, La vie des artistes
Les biographies de Giorgio Vasari sur les principaux acteurs de la Renaissance italienne ont introduit le concept d’histoire de l’art tel que nous le connaissons. Beaucoup de ses sujets étaient ses proches contemporains (il a vécu de 1511 à 1574), faisant du texte une source principale pour étudier l’époque qui a inauguré la tradition occidentale dans l’art (elle-même liée jusqu’à récemment au genre narratif inventé par Vasari). Initialement publié en 1550, Des vies couvre la période entre parenthèses par Cimabue (1240-1302) et Michel-Ange (1475-1564) et est précédé d’un traité général sur l’architecture, la sculpture et la peinture. Les historiens ultérieurs reprocheraient à Vasari d’être trop concentré sur les artistes de Florence et de Rome, bien que le livre ait été agrandi en 1568 pour inclure des membres de l’école de Venise comme Titien. Mais en même temps Des vies ne regarda pas au-delà de l’Italie, son influence se répandit rapidement en Europe, la première de ses nombreuses traductions apparaissant en République néerlandaise en 1604.
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5. Sa Sainteté Arnason, Histoire de l’art moderne
Sur plus de 650 pages, HH Arnason’s Histoire de l’art moderne semble intimidant, mais depuis son apparition en 1968, il a servi de récit essentiel de l’art du XXe siècle. Le livre commence par Paris au XIXe siècle, lorsque des notions comme l’art pour l’art et des artistes tels que Manet, Monet, Gaugin, Van Gogh, Seurat et Cézanne ont tiré les premiers coups de modernisme. Il se poursuit en racontant les grands mouvements – cubisme, dada, Bauhaus, surréalisme, expressionnisme abstrait, pop art – qui ont marqué les 100 dernières années de la peinture, de la sculpture et de l’architecture. À l’aide d’illustrations généreuses et d’un langage accessible, le livre raconte l’histoire d’une époque révolutionnaire qui a transformé notre réflexion sur le monde et la place de l’art dans celui-ci. Maintenant dans sa septième édition, Histoire de l’art moderne a été mis à jour à plusieurs reprises pour inclure les derniers développements artistiques alors que le 20e siècle cède la place au 21e.
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6. EH Gombrich, L’histoire de l’art
Au début de ce livre (qui figure aussi parmi Art en Amériquesélections de lectures essentielles par l’équipe de ), l’auteur EH Gombrich observe : « L’art n’existe vraiment pas. Il n’y a que des artistes. Cette déclaration donne le ton de ce qui est devenu l’un des tomes les plus populaires de l’histoire de l’art. Abjurant les discussions radicales sur les mouvements ou les concepts, Gombrich se concentre sur les œuvres d’art individuelles et les personnages qui les sous-tendent. À l’exception de quelques détournements vers l’art ancien et tribal, cela signifie invariablement des peintres masculins de l’Occident. Pourtant, Gombrich adopte une position remarquable pour un historien de l’art en soutenant que l’histoire de l’art peut obscurcir, ainsi qu’élucider, l’expérience de l’art en relayant des informations étrangères à l’acte de voir. Reliant des artistes aussi divers que Raphaël et Cézanne à travers le temps, Gombrich insiste sur le fait qu’ils ont tous été confrontés à des défis similaires pour réaliser leur travail et qu’en dernière analyse, les intentions de l’artiste sont tout ce qui compte.
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7. Les éditeurs de Phaidon, Le livre d’art
Intelligent et somptueusement produit, le répertoire de A à Z des artistes de Phaidon à travers l’histoire est le seul accessoire de table basse que vous devriez avoir dans votre bibliothèque. Du Moyen Âge à nos jours, le livre présente 500 artistes, et si certains sont plus connus que d’autres, chacun reçoit le même traitement luxuriant : une reproduction presque pleine page et en couleur d’une œuvre clé imprimée avec une netteté remarquable. attention au détail. Chaque entrée est accompagnée d’un bref texte avec un aperçu de la carrière de l’artiste respectif écrit dans un langage clair et facile à suivre. Partout où vous ouvrez ce volume, vous trouverez des images à couper le souffle, et puisque les artistes sont présentés par ordre alphabétique, vous rencontrerez des juxtapositions inattendues de styles et d’époques à travers chaque page, comme un jumelage du peintre hollandais du XVIIe siècle Hendrick ter Brugghen et du conceptualiste français contemporain Daniel Burien. Pourtant Le livre d’art se penche fortement vers la peinture, il couvre également la sculpture, la photographie, la vidéo et l’art de l’installation.
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8. Richard Shone et Jean-Paul Stonard, dir., Les livres qui ont façonné l’histoire de l’art : de Gombrich et Greenberg à Alpers et Krauss
Alors qu’un livre d’histoire de l’art sur les livres d’histoire de l’art est définitivement méta, cette compilation d’essais couvrant les jalons du XXe siècle de la catégorie rappelle à quel point les développements de l’art sont étroitement liés aux changements dans son étude. Rassemblant un large groupe d’universitaires et de conservateurs de premier plan, Les livres qui ont façonné l’histoire de l’art examine 12 tomes qui ont introduit des concepts critiques clés dans le domaine, en commençant par L’art religieux dans la France du XIIIe siècle, écrit par Émile Mâle en 1898. L’une des premières études sur l’art médiéval, le livre de Mâle fut aussi l’un des premiers à utiliser l’iconographie pour dégager le sens des images. Un autre livre, Heinrich Wölfflin Principes de l’histoire de l’artà partir de 1915, a formulé la méthode désormais courante de comparaison des œuvres d’art sur la base du style. Les livres qui ont façonné l’histoire de l’art prend une plongée certes profonde dans son sujet, mais c’est néanmoins un regard fascinant sur la façon dont l’écriture a façonné l’art et vice versa.
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9. Sharon F. Patton, Art afro-américain
L’enquête de 1998 de Sharon F. Patton relie l’art afro-américain à l’expérience noire entre le début du 18e et la fin du 20e siècle. Patton commence par l’esclavage, abordant l’architecture des plantations et les influences africaines informant les logements asservis construits pour eux-mêmes dans les États du sud. Passant aux arts folkloriques et décoratifs du XIXe siècle, Patton considère l’impact de grands événements – tels que la guerre civile, la reconstruction et la grande migration – sur l’art créé par les Afro-Américains. Enfin, l’auteur explore comment l’esthétique afro-américaine a été formée au XXe siècle par des mouvements comme le New Negro des années 1920, le nationalisme noir des années 1960 et 1970 et la politique identitaire des années 1990.
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10. Charles Townsend Harrison et Paul Wood, éd., Art en théorie 1900–2000(2e édition)
Comme le titre l’indique, ce livre examine la dépendance unique de l’art du XXe siècle à la théorie. Dans la période antérieure à ce qu’on appelle l’art moderne, les débats esthétiques portaient principalement sur la technique ; à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, par exemple, l’Académie française a été secouée par des disputes entre deux groupes – les Poussinistes, du nom du néoclassique du XVIIe siècle Nicolas Poussin, et les Rubénistes, du nom de l’ancien contemporain de Poussin, Peter Paul Rubens – sur ce qui était plus important pour la peinture, la ligne ou la couleur. Le modernisme, cependant, a formulé toute une philosophie pour transformer radicalement l’art, propulsant le mouvement, comme l’écrivent Charles Harrison et Paul Wood, des « marges de l’avis public au centre de l’économie culturelle ». Harrison et Wood capturent incisivement cette révolution du post-impressionnisme au postmodernisme.
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11. Whitney Chadwick, Femmes, art et société(6e édition)
Pendant des siècles, les historiens de l’art ont négligé les artistes féminines, et les quelques-unes qui ont réussi à être reconnues l’ont fait uniquement parce qu’on supposait qu’elles avaient en quelque sorte surmonté les limites de leur sexe. Selon cette croyance, les femmes ne pouvaient pas devenir artistes par leurs propres mérites car leur sexe les empêchait de le faire. Ce biais a commencé à s’estomper au cours des dernières décennies du siècle dernier alors que les réalisations des femmes artistes devenaient trop visibles pour être ignorées, surtout dans l’art contemporain. Des noms oubliés du passé étaient réévalués, et cette étude de 1996 met en lumière de nombreux artistes de ce type depuis le Moyen Âge. Plus important encore, le livre éclaire leurs luttes contre la misogynie de leurs époques respectives et comment ils ont persisté, néanmoins, à poursuivre leur travail.
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