Qui était Piet Mondrian et pourquoi était-il important?

Dans son dernier atelier, sur la 59e rue Est à New York, le peintre hollandais Piet Mondrian a recouvert chaque mur de papiers peints découpés en rectangles nets. Mondrian était devenu célèbre au début du 20e siècle pour ce style signature: les trois couleurs primaires encadrées par d’épaisses bandes de noir. Mais dans cette pièce, les couleurs avaient été libérées de leurs cadres, créant une mosaïque de rythmes palpitants, évoquant son jazz bien-aimé et le réseau électrique de la ville.

«Nous devons détruire la forme particulière» était le mantra de Mondrian tout au long de sa vie, et il l’a appliqué tout au long de sa carrière, brisant même les formes qui l’avaient rendu célèbre. Ses deux derniers morceaux –Broadway Boogie Woogie (1943) et Boogie de la victoire Woogie (1942-1944) – a tenté de faire exactement cela, réduisant New York à son essence. Et avec Boogie de la victoire Woogie, laissé inachevé au moment de sa mort en 1944, Mondrian poussa encore plus loin la destruction de ses conventions, transformant la toile pour qu’elle devienne un diamant au lieu d’un carré. Il a conçu le tableau en prévision du triomphe allié, qu’il n’a jamais vécu pour célébrer.

Après sa mort, des amis ont ouvert le studio de Mondrian pour que le public puisse lui rendre hommage. Le photographe Fernard Fonssagrives a écrit plus tard à propos de sa visite que c’était comme «si je pouvais regarder les pensées perdues de l’homme qui venait de mourir. Un homme obsédé par une vision qui était entièrement la sienne. J’ai pris mes photos en silence. Le seul bruit provenait de la circulation sur Madison Avenue, mais cela ne faisait qu’accentuer l’intimité et la solitude dans le studio, avec la vie à l’extérieur qui se précipitait.

Tout abandonner pour l’art

Au début, l’art de Mondrian pris dans son ensemble peut dégager une certaine rigidité ou froideur – une formalité obsessionnelle, basée sur les mathématiques, reproduite à l’infini. Mais les toiles du célèbre moderniste sont en fait dépouillées de leur forme la plus pure, pour se rapprocher de leurs esprits, éclairées par son éducation.

L’artiste est né Pieter Cornelis Mondriaan à Ameersfoort, près d’Amsterdam, dans une famille d’artistes. Même encore, il a dit un jour qu’aucun membre de sa famille immédiate n’avait été «prêt à tout abandonner pour l’art», comme il l’était. Son père était instituteur et dessinateur talentueux; son oncle Frits Mondrian est un peintre professionnel.

Quand il est devenu clair que le jeune Pieter avait l’intention de devenir également un artiste professionnel, son père a essayé de le dissuader. Il a finalement demandé à son fils d’acquérir au moins les qualifications pour enseigner, ce que Mondrian a fait en 1892 à Amsterdam. Mondrian a décrit le début de sa vingtaine comme une «lutte acharnée», travaillant comme enseignant pour se payer «juste assez d’argent pour pouvoir faire ce que je voulais faire».

Ses premières œuvres sont enracinées dans l’impressionnisme d’Amsterdam, un mouvement de la fin du XIXe siècle inspiré du style français et mettant l’accent sur les images pastorales. Les arbres, les moulins à vent, les rivières et les champs étaient des sujets fréquents, bien qu’il ait eu du mal à les distinguer des œuvres contemporaines de style naturaliste, une réaction contre l’impressionnisme. Il s’est tourné vers des artistes postimpressionnistes comme Georges Seurat et Vincent van Gogh comme une voie à suivre.

Sa peinture de 1907 Le nuage rouge était une percée. Dans le style du fauvisme, il est férocement coloré, représentant un ciel bleu multicolore lumineux accentué par une touche d’orange rougeâtre au centre de la toile. Le rouge pourrait représenterait son premier pas vers l’abstraction pure, bien que ses coups de pinceau soient beaucoup plus lâches que ceux de son style mature.

Limité par la figuration

À cette époque, Mondrian continuera à créer des œuvres expressives qui évoquent des artistes comme Edvard Munch. Lorsqu’il a créé une image d’un chrysanthème blanc flétri sur un fond noir, il l’a considérée comme un échec.

Il écrivit plus tard à un ami à propos de la pièce: «Et quant à ce que vous dites sur l’apparence d’une fleur: vous êtes surpris que je veuille disséquer la beauté délicate et la transformer en lignes verticales et horizontales. J’admets très volontiers votre émerveillement, mais je n’ai pas l’intention de dépeindre la délicate beauté.

La figuration, aussi expressive soit-elle, était limitée. Le cubisme battait son plein à Paris à son arrivée en 1911. Une fois sur place, il changea de nom (en supprimant le deuxième ‘a’ de son patronyme), devint un habitué des clubs de danse de la ville (il avait déjà gagné le surnom de «Dancing Madonna ”Aux Pays-Bas), et est tombé en contact avec les cubistes.

«De tous les abstractionistes, je pensais que seuls les cubistes avaient découvert la bonne voie», a écrit un jour Mondrian. Il a absorbé le travail de Georges Braque, Fernand Léger et Pablo Picasso, et son imagerie s’est fragmentée. Il a commencé une nouvelle série dans laquelle les arbres sont représentés comme des formes géométriques imbriquées.

C’était une période productive pour lui, mais finalement il a conclu que l’expérience de Paris manquait d’imagination. Le cubisme était trop naturaliste, indifférent aux «conséquences logistiques de ses propres découvertes».

Le style

En 1914, il retourne en Hollande, ignorant que la guerre se profile à l’horizon. Les Pays-Bas sont restés neutres tout au long de la Première Guerre mondiale, entraînant une période d’isolement culturel.

Pendant la guerre, Mondrian est resté à la colonie d’artistes de Laren avec Bart van der Leck et van Doesburg, ce dernier dont Mondrian co-fonderait De Stijl (Le style), une revue consacrée à la théorie artistique qu’il a surnommée le néoplasticisme et qui allait engendrer son propre mouvement artistique.

Dans son manifeste «Néo-plasticisme dans l’art pictural», Mondrian définit le néoplasticisme comme trouvant «son expression dans l’abstraction de la forme et de la couleur, c’est-à-dire dans la ligne droite et la couleur primaire clairement définie».

Dans une lettre à son collègue artiste et critique hollandais HP Bremmer, Mondrian a précisé: «La nature (ou, ce que je vois) m’inspire, me met, comme tout peintre, dans un état émotionnel de sorte qu’une envie de faire quelque chose se manifeste. , mais je veux me rapprocher le plus possible de la vérité et tout en faire abstraction. »

C’est à cette époque qu’il a commencé à développer ce qui allait devenir son style de signature. Ses premières expériences post-cubistes consistaient à croiser des lignes verticales et horizontales en blanc, noir, rouge et bleu, mais il les trouva «agités». Il est passé à des toiles portant un seul rectangle noir flanqué de rectangles de couleurs primaires, mais ceux-ci étaient «trop statiques». À un moment donné, il a essayé uniquement le noir et blanc, mais a estimé que les deux couleurs opposées ne pouvaient à elles seules transmettre la vitalité de la nature.

Mondrian retourna à Paris en 1918, où il resta jusqu’en 1938, peaufinant constamment ses grilles pour atteindre cet objectif de recherche de la vérité. Selon certains témoignages, il a peint sans interruption jusqu’à ce que ses mains se boursouflent et saignent. Bientôt, son atelier de la rue du Départ 26 est devenu une destination pour des artistes comme Marcel Duchamp, Jean Arp et Diego Rivera, et des collectionneurs comme Peggy Guggenheim.

Mondrian a rapidement commencé à remplir ses toiles principalement blanches avec des barres noires tendues, ce qui soulignait la profondeur des minuscules touches de couleurs primaires qui parsemaient les toiles. Au fil du temps, les lignes s’amincissent et se prolongent jusqu’aux bords de ses toiles, avec une disposition clairsemée. Les lignes entièrement noires ont cédé la place à des lignes en jaune, rouge et bleu, se chevauchant et créant encore plus de profondeur – et des illusions d’optique qui conduiraient d’autres artistes à créer l’Op Art et ses descendants dans les années à venir.

En 1938, Mondrian a été contraint de quitter Paris après que les nazis aient qualifié son travail de «dégénéré»; les Pays-Bas seraient bientôt envahis par les nazis. Après un bref passage à Londres, où il a survécu de peu au Blitz, il a navigué vers New York, où Guggenheim lui a présenté les principaux artistes de la ville, dont la plupart étaient déjà ses admirateurs.

Les expériences artistiques de Mondrian se terminent sur une note éclairante, quoique frustrante. Les lignes noires austères apparaissent pour la dernière fois Composition n ° 10 (1939-1942), abandonné au profit de rectangles attenants ponctués de grandes touches de couleur et de crème. Les fils qu’il avait eu du mal à réconcilier dans ses peintures apparemment réglés, il envisageait encore d’autres expériences. Avant sa mort, Mondrian a écrit: «Le vrai Boogie Woogie que je vois comme une intention similaire à la mienne: destruction de la construction mélodique (aspect naturel) par des oppositions continues de moyens purs.