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Appelez cela comme vous voudrez – art extérieur, art populaire, art visionnaire, art aberrant – mais les artistes associés à ces rubriques qui se chevauchent et parfois contradictoires ont deux choses en commun: ce sont tous des autodidactes visuels – autodidactes, si vous préférez – obligés pour une raison ou une autre pour créer des œuvres aux retombées souvent étonnantes. Ils occupent aussi généralement une place marginale dans la société (métayers, détenus, handicapés développementaux, auto-proclamés enlevés par des extraterrestres, etc.). Mais ce manque d’éducation et de statut marginal sont précisément les raisons pour lesquelles une certaine aura a été conférée à l’art autodidacte en tant que quelque chose non médiatisé par les conventions, une expression directe d’une vision artistique libre de contraintes culturelles. Un bromure trop romantique? Peut-être. Mais comme tous les clichés, il possède un noyau de vérité qui l’emporte sur l’étiquette que vous choisissez d’utiliser pour une catégorie d’art dont les nombreuses manifestations sont explorées dans ces livres. (Prix et disponibilité en vigueur au moment de la publication.)
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1. «Espaces sublimes et mondes visionnaires: environnements construits par des artistes vernaculaires»
Les environnements bâtis constituent sans doute les expressions les plus fantastiques de l’art extérieur car ils transforment l’imagination en un espace dans lequel on peut littéralement pénétrer. C’est en tout cas la prémisse de ce volume de table basse de 2007 richement illustré édité par Leslie Umberger, qui met en lumière le travail de 20 praticiens autodidactes. L’un des plus connus d’entre eux est Simon Rodia, créateur des Watts Towers recouverts de mosaïques à Los Angeles. Le livre comprend également Loy Allen Bowlin, un Mississippien qui a parsemé ses biens – y compris ses prothèses dentaires (!) – avec des strass; David Butler, dont les assemblages en étain martelé s’inspiraient des rêves; Mary Nohl, qui a transformé sa maison de Milwaukee en parc de sculptures pour ses figures monumentales; et Emery Blagdon, un fermier du Nebraska qui a rempli un bâtiment d’une installation rotative d’objets semblables à des lustres qu’il appelait des «machines de guérison» en raison de leurs propriétés prétendument réparatrices. Les œuvres sont tout simplement étonnantes et soutiennent de manière convaincante que lorsqu’il s’agit d’art extérieur, trois dimensions peuvent être meilleures que deux.
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2. «Photo / Brut»
La photographie n’est généralement pas associée à l’art extérieur, une idée fausse selon laquelle Photo / Brut, qui accompagnait l’exposition révolutionnaire du même nom, tente de corriger. A l’image de l’exposition, tirée de la collection de Bruno Decharme, le livre met en scène 40 artistes autodidactes poursuivant des approches non conventionnelles du médium photographique, créant des images transmises depuis le bord. Le photo-collage, le photomontage et le découpage sont quelques-unes des techniques qui distinguent l’œuvre ici, tout comme une sensibilité obsessionnelle mise en évidence, par exemple, par les clichés furtifs de femmes de Miroslav Tichy prises avec un appareil photo et un téléobjectif faits à la main; autoportraits photographiques de Lee Godie, une femme de Chicago souvent sans abri; Les photos de Morton Bartlett de poupées fille étrangement réalistes qu’il a fabriquées lui-même; et les selfies Instagram d’Ichiwo Sugino dans lesquels il se transforme en Andy Warhol, Che Guevara et d’autres noms célèbres en se tordant le visage avec du ruban adhésif. Pris dans son ensemble, Photo / Brut révèle une forme de photographie aussi brute qu’indomptable.
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3. «Art étranger: mondes visionnaires et traumatismes»
Les historiens de l’art ignorent généralement l’idée que des facteurs biographiques ou psychologiques façonnent le travail des artistes. Des questions telles que « Mona Lisa de Da Vinci était-elle vraiment une expression des tendances homosexuelles à travers sa ressemblance avec la drague? » sont immédiatement rejetés comme étant sans fondement, avec des commentaires indiquant que, dans tous les cas, La Gioconda est un chef-d’œuvre quoi qu’il arrive. En revanche, les considérations sur une œuvre d’art extérieur commencent généralement par le traumatisme qui a frappé son créateur, une prise réductrice qui suppose finalement qu’en l’absence d’une sorte de dommage émotionnel ou psychique, il n’y aurait ni Henry Darger ni Martín Ramírez. C’est peut-être le cas, mais Daniel Wojcik s’attaque au problème en permettant que, bien que les artistes étrangers aient été institutionnalisés, ostracisés ou autrement marginalisés, leur travail a tout aussi émergé des cultures plus larges d’où ils sont venus (par exemple, l’héritage mexicain de Ramírez) , et que ces influences doivent être prises en compte lors de l’évaluation de leur travail. Cela est peut-être évident à première vue, mais de plus en plus pertinent à un moment où les artistes étrangers sont de plus en plus reconnus.
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4. «Corps: Art Brut / La Collection»
L’art étranger serait-il devenu aussi connu qu’il ne l’a été sans Jean Dubuffet (1901–1985)? C’est difficile à savoir, mais il ne fait aucun doute que le peintre et sculpteur français d’après-guerre a lancé le bal en défendant des artistes «éloignés des milieux artistiques traditionnels». Art Brut est le nom que Dubuffet lui a donné, et son intérêt provient de ce qu’il considère comme la descente de l’avant-garde vers la conformité académique. Pour Dubuffet, l’Art Brut représentait une rupture avec tout cela, même s’il n’avait pas remarqué l’ironie de fonder un musée – la Collection de l’Art Brut à Lausanne, en Suisse – consacré au genre. Ce volume est le troisième d’une série examinant ses fonds (construits autour de la cache personnelle d’objets de Dubuffet) par sujet, en l’occurrence la figure humaine. Les exemples vont des femelles voluptueuses d’Aloïse Corbaz aux déconstructions cosmiques de Guo Fengyi. Comme les autres livres de la série, Corps est une excellente entrée dans la nature sui generis de l’art extérieur.
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5. «Les eaux souterraines: un siècle d’art par des artistes autodidactes et étrangers»
Vous cherchez un livre sur les artistes autodidactes qui soit à la fois un texte de référence profondément source et un ajout élégant à votre table basse? Ne cherchez pas plus loin que Eaux souterraines, qui offre une étude complète de type Outsider Art 101 sur la transformation du genre d’une curiosité mineure à un domaine d’étude sérieux au cours du 20e siècle. L’auteur Charles Russell admet qu’aucune étiquette ne peut contenir adéquatement le large spectre d’expression que l’on trouve dans le travail des artistes autodidactes, bien qu’il insiste sur le fait que naïf – un terme qui dément la sophistication de leurs pratiques respectives – n’en fait pas partie. Russell note comment l’appréciation des artistes étrangers a évolué différemment en Europe et aux États-Unis, le premier se concentrant sur l’art des individus institutionnalisés et le second s’inspirant des traditions folkloriques du XIXe siècle. Des planches en couleur accompagnent l’écriture de l’auteur, faisant Eaux souterraines un régal pour les yeux comme pour l’esprit.
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6. «Marquer l’heure: l’art à l’ère de l’incarcération de masse»
Les institutions sont depuis longtemps un terreau fertile pour les artistes autodidactes, et en effet, Art Brut a été inventé pour signifier le travail d’individus comme Adolf Wölfli, qui avait été interné dans un asile psychiatrique pour avoir agressé des enfants. Les prisons conventionnelles ont également encouragé les artistes autodidactes, mais aujourd’hui, avec l’incarcération de masse affectant de manière disproportionnée les personnes de couleur, leur travail est devenu lié à l’histoire du racisme. Selon l’auteur Nicole R. Fleetwood, ces artistes-détenus sont contraints de fonctionner sous une «esthétique carcérale» définie par la contrainte de la censure administrative, des fournitures artistiques limitées et des programmes artistiques de réadaptation entravés résultant de coupes budgétaires racialisées. Comme le note Fleetwood, l’art créé par les détenus était autrefois encouragé par les autorités comme une sorte de thérapie (comme c’était le cas pour Wölfli), mais la dynamique raciale de l’incarcération de masse a détaché la pratique de sa fonction réparatrice, la refondant comme un acte de résistance contre injustice institutionnalisée.
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7. «Souls Grown Deep: African American Vernacular Art», Volumes 1 et 2
Cet ensemble en deux volumes offre un regard faisant autorité sur l’évolution de l’art vernaculaire afro-américain dans le Sud profond au cours du 20e siècle. Cela commence par mettre les artistes autodidactes, folk, étrangers et visionnaires de la région à égalité avec les musiciens noirs qui ont profondément remodelé la culture américaine à travers le blues, le jazz, le gospel, la soul et le rock ‘n’ roll. Comme cette musique, l’art afro-américain remonte finalement aux compétences traditionnelles d’Afrique qui ont survécu au passage du Milieu, y compris le tissage, la sculpture sur bois et le travail du métal – des objets artisanaux pratiques qui ont finalement été rejoints par des médiums d’expression pure tels que la peinture, la sculpture, les œuvres sur papier. et les environnements extérieurs. En conséquence, une catégorie entièrement nouvelle de l’art américain a émergé et, en temps voulu, elle a attiré l’attention de collectionneurs, de galeristes et d’institutions comme le Museum of Modern Art – déclenchant un marché qui, dans de nombreux cas, a fusionné avec celui de l’art contemporain. Des âmes plus profondes raconte l’histoire en détail, revisitant un chapitre remarquable à la fois de l’art et de l’histoire des États-Unis.
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