Subvertissant les tropes traditionnels du regard masculin, l’artiste Miranda Forrester dépeint la femme queer avec une intimité révélatrice. En commençant par des peintures sexuellement explicites, elle explique comment son approche s’est développée en une enquête plus délicate sur le désir queer. Participant à des séances de thérapie par l’art de la vie à «Our Naked Truths» à Londres, l’artiste se connecte à une communauté diversifiée pour célébrer la beauté universelle à travers l’artisanat et la conversation. Sur ses toiles, les multiples perspectives de ces rencontres se confondent: les partages honnêtes des modèles, la perception que Miranda les a de sa propre identité et le caractère décontracté du décor. Explorant le refuge des environnements domestiques pour les personnes LGBTIQA +, ses peintures capturent des moments insulaires entourés de confort à travers des gestes de détente, des plantes affalées et un espace séduisant. Nous avons parlé à Miranda de son processus de peinture, de l’histoire de la représentation féminine à travers l’histoire de l’art et de la façon dont le mouvement Black Lives Matter a affecté le monde de l’art contemporain.
Salut Miranda, merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler aujourd’hui. Tout d’abord, pouvez-vous nous parler un peu de votre parcours en tant qu’artiste?
J’ai obtenu mon diplôme de l’Université de Brighton en 2019 et, après avoir obtenu mon diplôme, j’ai reçu le prix 1200artists Phoenix Studio, me offrant un espace de studio financé pendant un an. Depuis, je travaille dans mon studio à Londres et j’expose à l’international, dans des galeries telles que la Saatchi Gallery, The Mall Galleries et Christie’s Education.
Dans votre pratique, votre utilisation de l’étirement du plastique sur des civières et de la peinture sur des surfaces lisses hautement apprêtées est très unique. Pouvez-vous nous parler un peu de votre processus de création, comment vous abordez une œuvre?
Je me fais des dessins de la vie, puis je sélectionne les dessins qui fonctionneraient le mieux sur du plastique ou sur la toile. Le plastique a une surface assez unique en ce sens que les coups de pinceau sont accentués et que des ombres sont créées derrière l’œuvre, ce qui me permet d’expérimenter la superposition. Je suis également capable de faire des peintures sur plastique plus rapidement car les peintures sur toile nécessitent beaucoup de préparation, donc je les utilise davantage lorsque j’expérimente et essaie de nouvelles idées.
Une chose que je remarque lorsque je regarde votre travail, c’est que les personnages que vous représentez ont un élément d’anonymat à leur sujet, également avec juste l’utilisation de leurs initiales dans les titres. Pouvez-vous nous expliquer pourquoi c’est une caractéristique importante de votre travail?
Oui, c’est pour plusieurs raisons. Je veux vraiment que le spectateur ait le sentiment que les personnages pourraient être eux, qu’ils pourraient entrer dans la peinture et s’identifier vraiment à ce corps. Je ne vois pas non plus les peintures comme des portraits d’une personne en particulier, mais plutôt comme une représentation d’une communauté qui peut être racontée. De plus, je voulais protéger les gens qui s’assoient pour moi, parfois ils sont nouveaux dans la vie en modelant ou en participant en raison de leur relation personnelle avec moi / de notre confiance mutuelle, donc il semble juste de respecter leur anonymat – nous savons seulement de quelle peinture appartient qui.
Une grande partie de votre travail s’articule autour de l’invisibilité de la femme de la couleur dans l’histoire de l’art. Comment pensez-vous que l’industrie de l’art change cela pour qu’elle soit mieux représentée?
Je pense qu’historiquement, les femmes noires et les femmes d’artistes de couleur n’ont pas vraiment été considérées comme des «grands artistes», leur travail est resté méconnu, en particulier lorsque l’œuvre explore l’identité noire. Le racisme systémique et institutionnel a fait en sorte que ces voix n’aient pas de plate-forme. C’est formidable de voir une représentation plus diversifiée des artistes ces dernières années dans les grands prix et galeries, tels que le Turner Prize et la Tate, notamment cette année. Je pense que la race et la représentation sont quelque chose que toutes les galeries et institutions devraient penser et comprendre. En outre, les institutions et les collections publiques et privées peuvent commencer à acquérir délibérément davantage d’œuvres d’artistes noirs.
Récemment, Black Lives Matter a pris le non. 1 place dans une liste annuelle de puissance qui tente de classer les acteurs du monde de l’art contemporain. Comment pensez-vous que cela a eu ou aura un impact sur le monde de l’art en termes de meilleure représentation des artistes noirs?
Je pense qu’en fin de compte, cela a eu un impact positif sur le monde de l’art jusqu’à présent, je sais pour moi personnellement et pour beaucoup de mes pairs, l’intérêt pour notre travail a augmenté depuis les manifestations de Black Lives Matter l’année dernière. Il est difficile de distinguer s’il s’agit d’un changement significatif qui soutiendra ou deviendra une sorte de «tendance» qui passera. Le temps nous le dira! Mais j’espère que cela a ouvert les yeux des gens sur l’ampleur incroyable du travail réalisé par les artistes noirs aujourd’hui et augmenté la visibilité de ces artistes.
Si nous devions nous promener dans votre studio, quels matériaux trouverions-nous et pourquoi sont-ils essentiels à votre pratique?
Mes peintures à l’huile – J’utilise des peintures à l’huile Michael Harding et je ne serais rien sans mon ocre jaune! J’utilise certains médiums avec ma peinture, tels que Winsor et Newton Stand Oil et Liquin. De plus, mon ensemble de coupe-lino et mes linos à coupe douce que j’utilise récemment pour faire des impressions.
Sur ce point, pas après avoir obtenu votre diplôme de l’Université de Brighton, vous avez obtenu une résidence en studio à Phoenix Art Space que vous avez récemment achevée. Pouvez-vous nous parler de cette expérience?
Ce fut vraiment une expérience incroyable pour moi. J’ai obtenu un studio gratuit pendant un an, à Brighton, un très bel espace dans lequel je me sentais vraiment chez moi. C’était inestimable pour moi, que je pouvais continuer à travailler sans la pression de payer pour un studio, que je savais que j’avais accès à cet espace 24 heures sur 24, 7 jours sur 7 et pour une période de temps déterminée. Tout le monde à Phoenix était génial et bien que j’aie manqué certains des projets et événements habituels comme les studios ouverts, il m’a été encore plus clair de tirer le meilleur parti de l’espace et de ne pas le prendre pour acquis!
Enfin, après l’étrange année 2020, avez-vous des projets à venir cette année que nous pouvons surveiller?
J’ai travaillé sur une commande pour soho house que j’ai hâte de révéler plus de détails sur cette année. Je travaille sur une commande pour un hôtel à Toronto qui arrive cette année, ainsi que sur mon exposition actuellement à la galerie Studi0 à St Moritz, en Suisse, montrant des peintures à grande échelle.
Merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler Miranda.
Vous pouvez consulter le merveilleux portefeuille de travaux de Miranda sur son site Web et assurez-vous de la suivre également sur Instagram.