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Alors que la première photographie a été créée une décennie plus tôt, 1839 est l’année où la photographie a été rendue pratique par l’introduction du daguerréotype, de l’impression au sel et d’autres technologies. En une dizaine d’années, la photographie était devenue un élément de la vie quotidienne et même une forme d’expression artistique, même si elle s’appuyait sur des appareils photo encombrants pour imiter le vocabulaire de la peinture. Mais au cours de la première moitié du 20e siècle, des appareils photo plus légers et des films plus rapides ont permis de prendre des images très nettes à la volée, créant une nouvelle esthétique liée uniquement à l’appareil photo. Au milieu du siècle, l’idée de la photographie en tant que bel art était suffisamment établie pour justifier son propre domaine d’étude. Depuis lors, toutes sortes de livres sur le sujet ont été publiés, allant des histoires du médium aux méditations personnelles sur le même sujet aux évaluations critiques de l’impact de la photographie sur la société. Notre liste de livres recommandés sur la photographie présente des exemples de chacun, et plus encore. (Prix et disponibilité en vigueur au moment de la publication.)
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1. Susan Sontag, Sur la photographie
Susan Sontag, une intellectuelle publique quand l’être était encore possible, a publié Sur la photographie en 1977. C’était une époque où la vision du monde rationnelle et moderniste née des Lumières commençait à céder la place au postmodernisme – qui, entre autres notions, stipulait que la société ne pouvait plus s’entendre sur une perception partagée de la vérité. Le livre de Sontag, cinq essais parus à l’origine dans le Revue new-yorkaise des livres entre 1973 et 1977, faisait partie du projet de démanteler les garanties idéologiques et phénoménologiques de la modernité, mais au fond, il rejetait la responsabilité de cet état de fait auquel il appartenait sans doute : avec la photographie. Entre autres observations, Sontag décrit le médium comme une forme de « consumérisme esthétique auquel tout le monde est désormais accro », celui qui « confirme que tout est périssable », rendant la réalité « fondamentalement inclassable ». Écrits il y a près de 50 ans, les mots de Sontag sonnent plus vrais aujourd’hui que jamais à une époque de contrefaçons et de médias sociaux.
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2. John Szarkowski, Regarder des photographies : 100 images de la collection du Musée d’art moderne
Aucune institution n’a autant promu la photographie d’art que le Museum of Modern Art, et aucune personne au sein de l’organisation n’a fait plus pour faire avancer cette mission que John Szarkowski, directeur du département de photographie du MoMA entre 1962 et 1991. Szarkowski était légendaire, produisant 160 expositions au cours de son mandat et présenter le travail de Diane Arbus, Lee Friedlander et Garry Winogrand au public. En 1976, il monta « William Eggleston’s Guide », la toute première exposition de photographies en couleur du musée, qui déclencha une tempête de controverse critique. Dans ce « livre d’images » (comme l’appelle l’auteur), Szarkowski fait visiter aux lecteurs les plus grands succès de la collection de photos du MoMA, avec des reproductions d’images individuelles d’un côté de chaque page et les commentaires de Szarkowski à leur sujet de l’autre. Si vous n’avez qu’un seul livre sur la photographie, c’est le livre qu’il vous faut.
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3. Andy Grundberg, Comment la photographie est devenue un art contemporain : dans une révolution artistique de la pop à l’ère numérique
Tout semble passer au second plan par rapport à la peinture de nos jours, mais comme l’observe Andy Grundberg dans ce livre, la photographie était autrefois le principal moteur de l’art contemporain – non pas le genre associé à Henri Cartier Bresson et al., mais une catégorie initialement liée à la documentation. les performances éphémères et les terrassements de l’art conceptuel du début des années 1970. Ironiquement, ces images ont commencé à être traitées comme des objets d’art eux-mêmes, et à la fin de la décennie, des artistes tels que Cindy Sherman et Richard Prince avaient transformé la photographie en une déconstruction conceptualiste du rôle du médium dans les médias de masse. Des artistes allemands (Thomas Ruff, Andreas Gursky) ont emboîté le pas, appliquant l’échelle et l’ambition de la peinture à leurs efforts. Et bien avant tout cela, la photographie a joué un rôle déterminant dans le Pop Art, car Andy Warhol et Robert Rauschenberg ont utilisé des techniques de sérigraphie et de transfert pour incorporer des images photographiques dans leur travail. Grundberg couvre ces développements dans cette histoire de la façon dont l’appareil photo en est venu à supplanter le pinceau, au moins pendant un certain temps.
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4. Beaumont Newhall, L’histoire de la photographie : de 1839 à nos jours
En ce qui concerne l’étude de la photographie, Beaumont Newhall (1908-1993) a pratiquement écrit le livre sur le sujet. Newhall a organisé la première grande exposition photographique du Museum of Modern Art en 1937 et est devenu le premier directeur de son département de photographie en 1940 ; plus tard, il a dirigé la George Eastman House à Rochester, New York. Ce volume est la cinquième édition de sa longue histoire du médium, qui passe en revue les individus et les innovations techniques qui l’ont façonné. Newhall commence par des pionniers tels que Joseph Nicéphore Niépce, Louis Daguerre ou Henry Fox Talbot, puis évoque quelque 300 œuvres des plus grands photographes des XIXe et XXe siècles, expliquant comment la photographie a évolué grâce à des appareils toujours plus légers et plus rapides. Newhall est décédé à la naissance d’Internet, il n’a donc pas été en mesure de couvrir l’impact du téléphone avec appareil photo et des médias sociaux sur la photographie. Pourtant, son opus magnum complet et magnifiquement illustré reste un livre de référence incontournable.
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5. David Campany, Art et photographie
En examinant l’intersection de la photographie et de l’art contemporain, David Campany couvre un territoire similaire à celui d’Andy Grundberg, bien qu’il remonte l’histoire plus loin dans le temps. Il note comment la photographie a été à la fois rejetée et redoutée par les gardiens de la culture dès le début : rejetée, car avec quel sérieux peut-on prendre un médium qui capture si facilement la réalité ? Et redouté, parce que la caméra pouvait faire exactement cela avec une fidélité qui surpassait celle des artistes les plus capables. Plus tard, alors que la photographie est devenue l’outil de diffusion de l’art à travers des livres et des cartes postales, Walter Benjamin a écrit que la « reproduction mécanique » a privé les œuvres d’art de leur aura. Le propos de Benjamin s’est avéré quelque peu discutable au fil du temps, et en tout cas, l’abstraction a libéré l’art de sa fonction mimétique, permettant à la photographie de devenir un genre esthétique incontesté. Finalement, la tension entre les deux s’est résolue en un dialogue avec des développements tels que le photoréalisme et l’art d’appropriation. Campany raconte en douceur toutes ces tendances dans cet ajout essentiel à toute photothèque.
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6. Vilém Flusser, Vers une philosophie de la photographie
Les photographies sont produites par des appareils photo, évidemment, la qualité des premiers dépendant de la qualité des seconds. Les résultats d’un Leica sont différents de ceux d’un Brownie, bien que la plupart des gens ne regardent une photo que pour ce qu’elle est : une image unique. Mais selon Vilém Flusser (1920-1991), ces mécanismes soulignent le fait que la photographie n’est pas un artefact autonome, mais plutôt une partie d’une chaîne de causalité allant de l’appareil photo à l’usine pour aboutir à la sphère industrielle plus large. dans lequel opère l’usine. Pour Flusser, donc, ce contexte primordial remplace le caractère d’une caméra, qui est elle-même une pièce avec des technologies « robotisant tous les aspects de nos vies, de ses actes les plus publics à ses pensées, sentiments et désirs les plus intimes ». Écrivant en 1983, Flusser se limitait à discuter de la photographie analogique, mais ses sentiments sonnent encore plus vrai maintenant à l’ère des téléphones-appareils photo liés aux médias sociaux.
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7. Steven Edwards, Photographie : une très courte introduction
Bien que le titre du livre de Steven Edwards suggère un bref mode d’emploi pour les photographes débutants, il s’agit en fait d’une introduction philosophique sur la nature de la photographie elle-même. Edwards s’interroge sur ce que signifie une photographie et quelle est sa pertinence pour la société. Il se demande aussi ce qu’est une photographie est, en tous cas. Edwards observe que puisque la société moderne est véritablement imprégnée d’images photographiques, il est nécessaire de comprendre l’histoire du médium et les différentes fonctions qui en découlent – qui, selon le livre, commencent par deux grandes catégories : la documentation et l’expression artistique. Le premier est vraisemblablement objectif, tandis que le second est subjectif, mais notre propre perspective individuelle d’une photo oscille entre les deux, selon l’endroit où nous trouvons l’image – sur un Enquêteur national couverture, disons, ou dans une galerie. Alors peut-être que c’est un livre pratique après tout : un guide sur le rôle que joue la photographie dans le monde et les façons dont nous pouvons lui donner un sens.
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