Le nord-ouest de l’Arkansas n’est pas le premier endroit auquel on pourrait penser pour organiser la première grande exposition d’œuvres de l’artiste mexicain Diego Rivera en deux décennies.
Pourtant, le Crystal Bridges Museum of American Art est particulièrement adapté pour L’Amérique de Diego Rivera. C’est un musée dédié à l’art américain (malheureusement, les gens oublient souvent que les États-Unis et le Mexique font tous deux partie de l’Amérique du Nord) et Bentonville, où se trouve le musée, est l’une des villes les plus dynamiques des États-Unis et la région environnante connaît une croissance rapide. communauté hispanique grandissante. Malheureusement, l’exposition ne fait que faire allusion à la politique de Rivera, qui défendait la classe ouvrière et rêvait d’un monde plus équitable, une occasion manquée dans une société si axée sur la diversité et l’inclusion.
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Avec plus de 130 œuvres, dont des peintures de chevalet, des pastels, des aquarelles, des illustrations pour des magazines imprimés et bien sûr les peintures murales sur lesquelles l’héritage de Rivera est construit, le spectacle a le poids d’une rétrospective complète, mais ce n’est certainement pas ce qu’il est. Ici, Rivera est présentée complètement formée. Les œuvres, comme le titre l’indique, ont toutes été réalisées au Mexique ou aux États-Unis entre les années 1920 et le début des années 1940.
« Il y a eu deux grandes rétrospectives de Diego Rivera, une à Detroit dans les années 80 et une à Cleveland dans les années 90 », a déclaré James Oles, le conservateur de l’exposition. 1200artists.com. « Je ne voulais pas répéter ces modèles, alors j’ai choisi de me concentrer sur la période entre 1921, quand il revient au Mexique après ce long séjour en Europe et peint sa première peinture murale, jusqu’au début de la guerre froide, quand Rivera l’impact et l’influence aux États-Unis en particulier commencent à décliner en raison de l’évolution du climat politique.
42 3/16 x 35 3/16 po. Université de Californie, École de médecine de San Francisco Bureau du doyen de l’hôpital général et centre de traumatologie Zuckerberg de San Francisco. © 2022 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Mexico, DF / Artists Rights Society (ARS), New York.
En raison de la nature spécifique de l’exposition, ceux qui ne connaissent pas le travail de Rivera gagneraient beaucoup à lire les étiquettes, qui donnent un contexte sans doute nécessaire sur la vie de Rivera avant les années couvertes par l’exposition.. Sans aucun doute, le spectacle est ancré par les peintures murales de Rivera. C’est une chose délicate de montrer des peintures murales ailleurs que sur les murs où elles ont été peintes, mais Oles a trouvé un moyen de contourner cet obstacle : les projections.
Les projections sont une idée nouvelle, offrant aux visiteurs une vue grandeur nature des choses les plus captivantes de Rivera à plus d’un titre. C’est parce qu’il ne s’agit pas seulement d’images fixes projetées, mais de courts métrages accompagnés d’un son. C’est si simple, si intelligent. Mais, comme le savent la plupart des types créatifs, ce sont souvent les choses simples qui sont les plus difficiles à faire correctement.
« J’ai en quelque sorte chronométré pour que si vous pénétriez dans la pièce, vous ne voyiez rien. Mais si vous étiez un peu patient, quelqu’un apparaîtrait soudainement ou une action se produirait », a déclaré Oles. « L’une des grandes choses qu’un conservateur de musée veut, c’est que les gens s’arrêtent et regardent, au lieu de simplement passer devant, en regardant l’étiquette et en passant à l’œuvre d’art suivante. Mais, avec ces vidéos, les gens s’arrêtent et regardent… les enfants entrent, s’assoient par terre et regardent le film. Il n’y a pas d’histoire, pas d’intrigue. Mais que quelqu’un puisse profiter de tout regarder pendant trois ou quatre minutes, c’est une énorme réussite.
Malheureusement, les projections manquent légèrement leur cible, enlevant malheureusement la grandeur des peintures murales de Rivera. Pour donner vie à ces courts métrages, montrer l’échelle et injecter de la narration, Oles a embauché des acteurs qui apparaissent au hasard à chaque boucle. Un duo de préadolescents est assis devant l’un d’eux, sciant leurs instruments sur une scène autrement vide. Au cours d’une autre, des femmes chics et des serveurs en smoking montent et descendent un escalier tandis qu’en arrière-plan flotte la clameur d’une soirée sur le thème des années folles. Mais il est clair que nous ne sommes pas à la fête. Et les gens passent si rarement qu’on a l’impression qu’il n’y a pas du tout de fête, ni de concert. C’est une mise en scène légèrement distrayante qui détourne le regard des peintures murales.
48 3/4 x 60 1/2 po. Ponts d’art. © 2022 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Mexico, DF / Artists Rights Society (ARS), New York.
La première fresque projetée que vous rencontrez (celle avec le duo de cordes) est Création (1923). Commandée par José Vasconcelos, le premier secrétariat de l’éducation publique après la révolution, c’était la première peinture murale importante de Rivera. Fortement biblique, la fresque s’inspire esthétiquement plus du temps de Rivera en Europe que des peintures murales ultérieures, mais son style unique est pleinement présent. Des mains et des membres épais, presque caricaturaux, qui projettent en quelque sorte une dignité solennelle et, en son centre, un homme qui représente le « mestizaje », ce mélange de cultures autochtones et européennes qui rend le Mexique unique.
Là où les peintures murales projetées sont belles et légèrement maladroites, les croquis préparatoires et les éphémères tout au long de l’exposition sont élégants, subtils et aussi puissants que les œuvres finies. Ils donnent un aperçu de l’esprit de Rivera, de ses processus et révèlent que Rivera n’était pas seulement un peintre singulier, mais aussi un dessinateur, illustrateur et conteur exceptionnel. Les études à la craie et au fusain pour Création sont un séminaire d’études supérieures en anatomie et la version craie sur papier de Le vendeur de maïs, qui pend juste à côté de la version huile et toile valent à elles seules le voyage dans le sud.
L’exposition est organisée en galeries thématiques, qui mettent les objets, les scènes et les subtilités culturelles qui font travailler l’imagination de Rivera dans des portions agréables et digestes. Une salle dédiée aux photos de mères et de filles montre non seulement la douceur de Rivera mais aussi, si vous y prêtez attention, son espoir révolutionnaire dans une génération qui à l’époque comptait encore sur ses doigts et se tressait les cheveux. Un autre se concentre sur les coutumes rurales et la culture idyllique de Tehuantepec, une municipalité située dans l’État d’Oaxaca, au sud du Mexique. Rivera a visité la région pour la première fois en 1922, peu de temps après avoir rejoint le Parti communiste mexicain et, comme beaucoup avant et après, a romancé les coutumes et traditions pastotales de la région, qui correspondaient à l’objectif communiste d’un système économique qui conduirait à une société équitable qui encore embrassé la diversité culturelle.
Tout au long du spectacle, en particulier dans les peintures murales, se trouve la version idéalisée du communisme de Rivera. Aussi étrange que cela puisse paraître maintenant, dans les années 1930, lorsque l’économie américaine était paralysée par la Grande Dépression, l’idée que le capitalisme en tant que système économique était en voie de disparition était communément admise et que le communisme semblait être une alternative viable. Tout au long de l’exposition, les étiquettes font allusion aux idéaux communistes de Rivera avec des mots comme « ouvriers » et « classe ouvrière », mais il n’est pas beaucoup fait mention de ses tendances politiques jusqu’à la galerie consacrée au « prolétariat ».
Cela semble une autre occasion légèrement manquée dans la mesure où l’explication de ce que signifiait le communisme à l’époque (par opposition à ce que cela signifie dans une société d’après-guerre froide) ressemble à une réflexion après coup, ou pire, à quelque chose qui a été intentionnellement évité. Oles a expliqué, cependant, qu’à part les peintures murales, peu de travaux de Rivera avaient des thèmes ou des images ouvertement politiques, en grande partie parce qu’il a survécu grâce aux commandes de riches mécènes qui étaient (halètement !) plus intéressés par « des images tranquilles et idéalisées de la vie traditionnelle. au Mexique » puis imagerie radicale de gauche. Et, bien sûr, comme Rivera, les musées comptent souvent sur le caprice de mécènes généreux et Oles a souligné qu ‘«il n’y a tout simplement pas beaucoup d’images que l’on peut emprunter avec cela [radical] thème. »
(Incidemment, une autre raison pour laquelle Crystal Bridges est si parfait pour cette exposition Rivera est que le musée est une institution privée fondée par Alice Walton de la famille Walmart, exactement le genre de mécènes sur lesquels Rivera s’est appuyé tout au long de sa vie.)
Pourtant, la salle du prolétariat met en lumière les illustrations de Rivera pour des magazines comme Fortune et rappelle aux téléspectateurs qu’à l’époque, les communistes et les capitalistes étaient unis contre les menaces fascistes comme l’Allemagne nazie et l’Espagne de Franco. Et, il serait négligent de laisser de côté les études et les dessins animés réalisés en préparation de la peinture murale Homme à la croisée des chemins, une fresque commandée par les Rockefeller en 1932 pour le hall du bâtiment RCA du Rockefeller Center. L’œuvre a été haranguée par les médias comme de la « propagande anticapitaliste » avant d’être achevée, ce qui a finalement conduit à sa destruction.
À son époque, Rivera était considéré comme l’égal des géants de l’art moderne comme Picasso et Modigliani, une réputation qui s’est injustement affaiblie. Une exposition de cette ampleur et de cette profondeur est bien méritée et encouragera, espérons-le, non seulement un intérêt pour le travail de Rivera, mais aussi pour ses idéaux révolutionnaires, sa conscience de classe et son empathie culturelle.