Pendant près de 30 ans, jusqu’à la semaine dernière, les tribunaux se sont débattus avec la question de savoir quand les artistes peuvent emprunter à des œuvres antérieures en se concentrant en grande partie sur la question de savoir si la nouvelle œuvre était « transformatrice » : si elle modifiait la première avec « une nouvelle expression, sens ou message » (selon les termes d’une décision de la Cour suprême de 1994). Dans des affaires à succès après des affaires à succès impliquant des artistes majeurs tels que Jeff Koons et Richard Prince, les tribunaux inférieurs ont posé cette question à plusieurs reprises, même s’ils ont souvent obtenu des résultats disparates.
Mais dans une décision majeure la semaine dernière impliquant Andy Warhol, la Cour suprême a repoussé ce pilier de la loi sur le droit d’auteur au second plan. Au lieu de cela, la Cour a détourné l’attention de la contribution artistique de la nouvelle œuvre et s’est plutôt concentrée sur les préoccupations commerciales. Ce faisant, la décision Warhol de la Cour limitera considérablement la quantité d’emprunts et de constructions sur des œuvres antérieures dans lesquelles les artistes peuvent s’engager.
L’affaire concernait 16 œuvres qu’Andy Warhol avait créées à partir d’une photographie protégée par le droit d’auteur prise en 1981 par la célèbre photographe de rock and roll Lynn Goldsmith du musicien Prince. Alors que Goldsmith avait contesté le droit de Warhol de créer ces œuvres et, par implication, les droits des musées et des collectionneurs de les exposer ou de les vendre, la Cour suprême a tranché l’affaire sur une question beaucoup plus étroite.
À la mort de Prince en 2016, la Fondation Warhol (maintenant à la place de l’artiste) avait autorisé l’une des sérigraphies de Warhol pour la couverture d’un magazine spécial Condé Nast commémorant le musicien. N’exprimant explicitement aucune opinion sur la question de savoir si Warhol avait été autorisé à créer les œuvres en premier lieu, la Cour a statué 7-2 que cette licence spécifique de l’image était peu susceptible d’être un « usage loyal » en vertu de la loi sur le droit d’auteur.
Ce n’est pas nécessairement un résultat problématique, étant donné que Goldsmith avait également un marché de licences. Pourtant, malgré la tentative de la Cour de se limiter à la question étroite de la licence au lieu de décider si la création par Warhol des toiles originales était autorisée, le raisonnement de la décision a des implications beaucoup plus larges et plus troublantes.
Pour savoir ce qui est en jeu, il est important de comprendre la lourde doctrine de « l’utilisation équitable », qui établit un équilibre entre les droits des créateurs de contrôler leurs œuvres et les droits du public et des autres créateurs d’y accéder et de s’en servir.
Via un document de la Cour d’appel
Ce que l’on perd parfois dans cette discussion, c’est que le but de la loi sur le droit d’auteur (peut-être de manière surprenante) est de profiter au public – le bénéfice pour un artiste individuel n’est qu’accessoire. La théorie sous-jacente à la loi est que si nous voulons une culture riche et dynamique, nous devons accorder aux artistes le droit d’auteur sur leur travail pour s’assurer qu’ils ont des incitations économiques à créer. Mais selon la même logique, l’utilisation équitable reconnaît qu’une culture vitale nécessite également de laisser la place à d’autres artistes pour copier et transformer des œuvres protégées par le droit d’auteur, même si le créateur original de ces œuvres s’y oppose. Sinon, selon les termes de la Cour suprême, la loi sur le droit d’auteur « étoufferait la créativité même » qu’elle est censée favoriser. Ainsi, pour gagner une revendication d’utilisation équitable, un nouveau créateur doit montrer que son utilisation de l’œuvre protégée par le droit d’auteur de quelqu’un d’autre fait avancer les objectifs du droit d’auteur lui-même : promouvoir la créativité.
Malheureusement, la décision Warhol a pris ce domaine du droit déjà complexe et l’a rendu encore plus compliqué. Les tribunaux inférieurs et les juristes se battront pendant des années sur ses applications. Mais une chose est claire : il est désormais beaucoup plus risqué pour un artiste d’emprunter à des travaux antérieurs.
Non seulement la Cour a-t-elle minimisé l’importance de savoir si une nouvelle œuvre est transformatrice, si elle « ajoute quelque chose de nouveau et d’important » (pour reprendre les mots de la Cour suprême dans une affaire précédente). La Cour a également peint une image bizarre de Warhol en tant qu’artiste sans importance. Les juges de la Cour suprême savent sûrement que Warhol a changé le cours de l’histoire de l’art. Mais le Warhol qui émerge dans l’opinion majoritaire est un portraitiste apprivoisé dont le travail n’est tout simplement pas si différent des photographies sur lesquelles il est basé.
Getty Images
Dans la formulation des juges, Warhol est un « style », un artiste dont les « modifications modestes » de la photographie sous-jacente ont fait ressortir un sens qui lui était déjà inhérent, dont le travail dépeint Prince « quelque peu différemment » de l’image de Goldsmith. La juge Elena Kagan, dans une dissidence cinglante, a accusé la majorité d’avoir réduit Warhol à un filtre Instagram.
Nulle part dans l’opinion majoritaire ne reconnaîtriez-vous Warhol comme un artiste autrefois radical, celui que de Kooning a approché en état d’ébriété lors d’un cocktail pour dire : « Tu es un tueur d’art, tu es un tueur de beauté. Nulle part on ne voit le Warhol que le philosophe Arthur Danto a appelé « la chose la plus proche du génie philosophique que l’histoire de l’art ait produite.” Ce Warhol est le paradigme d’un artiste qui apporte un nouveau « sens et message » à l’œuvre qu’il copie, le genre même d’artiste que l’accent désormais diminué sur l’utilisation transformatrice était censé protéger.
Bien sûr, cette décision ne concerne pas seulement Warhol. D’ailleurs, il ne s’agit pas seulement d’autres artistes pop, ou d’artistes d’appropriation.
Tout artiste qui travaille avec des images existantes devrait maintenant reconsidérer sa pratique. Engagez un avocat, essayez peut-être de négocier une licence et soyez prêt à passer à autre chose si vous êtes refusé ou si vous ne pouvez pas payer les frais. L’itinéraire le plus sûr et le moins cher – une considération particulièrement pertinente pour les jeunes artistes et ceux qui ne sont pas riches et célèbres – consiste simplement à éviter de faire référence à des œuvres existantes. C’est peut-être la bonne direction pour l’art; peut-être que copier et s’appuyer sur des travaux antérieurs devrait être découragé. Mais étant donné la centralité de l’allusion, de l’émulation et de la copie dans l’histoire de l’art, il est difficile d’imaginer que ce soit une bonne chose. C’est particulièrement le cas dans la culture numérique contemporaine, où, comme je l’ai dit, la copie a pris une urgence encore plus grande dans la créativité. Mais qu’on le veuille ou non, ce ne sont pas des questions que les artistes, les critiques et le public de l’art doivent trancher. La Cour suprême vient de changer l’avenir de l’art.