L’artiste paysagiste de l’année Sky Arts de la série 7 a été annoncé ! L’artiste méritant a remporté une commande de 10 000 £ pour la Manchester Art Gallery pour célébrer le canal historique de Rochdale, et 500 £ de fournitures d’art de 1200artists. Nous les avons rencontrés pour en savoir plus sur leur expérience dans l’émission et discuter de leur travail.
AVERTISSEMENT SPOILERS CI-DESSOUS !
ET LE GAGNANT EST… ELISHA ENFIELD !
Salut Élisée ! Toutes nos félicitations pour avoir remporté la série 7 de Sky Arts Landscape Artist of the Year ! Comment vous êtes-vous senti à l’approche de la finale ?
Après la demi-finale, les choses sont allées très vite. J’étais de retour au travail et il ne restait que quelques jours entre le pont du Forth et le voyage vers le bassin de Paddington. Je n’ai pas eu beaucoup de temps pour réfléchir, ce qui est bien parce que j’étais déjà très nerveux ! L’emplacement était une surprise totale, et j’en suis tombé amoureux tout de suite. Bien qu’il se soit vite rendu compte de l’énorme taille du défi qu’il présentait.
La finale a eu lieu à Levens Hall en bordure du Lake District en Cumbrie. Une scène magique avec des arbres topiaires dans un paysage pittoresque. Vous étiez conscient que vous ne vouliez pas rendre la scène trop « jolie » ou digne d’un conte de fées. Comment y êtes-vous parvenu ?
C’est drôle d’entendre certaines des interviews, qui sont essentiellement un courant de conscience, parce que je ne suis pas toujours pleinement conscient des décisions que je prends. J’étais conscient que l’éblouissement du soleil était en contraste net et extrême avec le topiaire sombre, donnant au jardin un côté sinistre, et j’ai choisi de me concentrer sur cela.
Étant donné que vous n’avez que 4 heures pour créer l’œuvre finale, vous avez passé beaucoup de temps – environ une heure environ – à contempler sans mettre de pinceau sur la toile. Vous avez eu les nerfs des juges à bout ! Dans quelle mesure est-il important pour vous de passer ce temps à réfléchir à une œuvre avant de commencer, et quelles décisions prenez-vous à ce stade ?
Ah oui, cette heure infâme ! Pour clarifier, cette heure comprenait également de nombreuses interviews et des vues obstruées, mais il est important pour moi de passer du temps à planifier une peinture en plein air avant de commencer. Contrairement au studio, ou même juste en dehors d’une situation compétitive, vous n’avez pas le luxe d’une seconde chance. À moins que vous ne soyez un peintre beaucoup plus rapide que moi. Prendre le temps de tester votre composition avant de mettre de la peinture sur le tableau peut vous faire gagner de précieuses minutes sur toute la ligne. Je suis attiré par les compositions qui mettent l’accent sur un objet central, donc mes décisions consistent en grande partie à localiser cet objet et à tester différents angles pour trouver le cadrage le plus réussi.
Dans tous vos travaux sur la série, vous utilisez une palette de couleurs très intéressante, limitée et tamisée. Qu’est-ce qui vous attire dans ces tons et quelles couleurs trouverions-nous sur votre palette?
Bien que je fasse beaucoup de planification auparavant, c’est la structure que je planifie. Lorsque je commence à appliquer la peinture, je trouve mon chemin à travers ce que je vois et j’utilise la peinture pour capturer les nuances et la subtilité. En adoptant cette approche, j’aime le sens du mystère qu’elle donne, où les choses peuvent être vues mais aussi imaginées. Les couleurs que l’on trouve généralement sur ma palette incluent Burnt Umber, Ultramarine Blue, Transparent Yellow Oxide et Flake White.
Votre pièce de commande dans la finale était de Paddington Basin. Vous avez produit une scène brumeuse, brumeuse et intemporelle. Vous avez une technique merveilleuse, combinant des coups de pinceau doux, une utilisation presque aquarelle d’huiles avec des couches minces et vous essuyez la couleur pour révéler la lumière en dessous. Pouvez-vous nous parler de votre processus de construction de la peinture de cette manière ?
Paddington Basin a été une belle surprise et m’a ramené à la peinture de paysages urbains il y a 12 ans, en particulier à Hong Kong. À l’époque, je peignais à une échelle beaucoup plus grande, donc c’était un peu un saut, et j’avais besoin de mémoire musculaire, pour peindre à nouveau un paysage urbain à cette taille beaucoup plus petite. J’ai adoré le récit de ce tableau parce que le passé et le présent s’y rejoignaient, et dans mon parcours personnel, le passé et le présent se rejoignaient également. J’ai redécouvert des techniques que j’avais oubliées, comme essuyer la peinture pour capter la lumière réfléchie par le verre.
Je n’ai pas apprêté ce panneau en aluminium, ce qui signifiait que je devais construire les couches d’une manière différente ; en commençant par une couche de peinture principalement opaque et en laissant l’aluminium transparaître dans l’eau et dans les zones du bâtiment Brunel, mais pas pour le ciel comme je le ferais avec du gesso.
En tant que gagnant de la commande de 10 000 £ de la Manchester Art Gallery pour célébrer le 20e anniversaire de la restauration du canal historique de Rochdale, vous avez été mis au défi de capturer la beauté et la régénération de la voie navigable et l’histoire de son lien avec la révolution industrielle. C’est pas mal de pression pour un tableau ! Vous avez rencontré beaucoup de personnes locales et entendu leurs histoires, vu tant de beaux endroits et réalisé d’incroyables croquis et peintures préparatoires. Quels matériaux utilisez-vous pour vos croquis préparatoires ?
Mon go-to est un carnet de croquis et un Sharpie, j’ai toujours aimé dessiner à l’encre car il faut s’engager dans ses notes et cela les rend plus décisifs. Parfois, je veux explorer la couleur et le ton plus en profondeur. Au fil du temps, j’ai découvert des matériaux qui portent les tons discrets que j’aime utiliser, tels que les crayons Derwent Graphitint et les marqueurs Spectrum Noir Illustrator que j’ai utilisés dans le spectacle.
Avec autant d’options, comment avez-vous décidé de votre image finale pour la commande, et que représente le feu dans la pièce pour vous ?
Lors du voyage de recherche, j’ai appris qu’historiquement, il n’y a jamais eu assez d’eau sur le canal; à la fois pour boire et cuisiner, et pour continuer le voyage. J’avais pris pour acquis qu’il s’agissait d’un produit fiable sur le canal, et il est resté avec moi. Aujourd’hui, la rareté de l’eau menace l’avenir de notre planète. Pour moi, c’était un parallèle frappant et constituait une partie centrale de mon processus de réflexion.
Au fur et à mesure que j’entendais parler des histoires de ceux qui vivaient le long du canal, témoignage de leur courage et de leur force face aux changements dans les transports, aux changements dans les communautés et parfois aux catastrophes, il est devenu clair qu’ils devaient être représentés. Pourtant, la qualité de la lumière et la beauté du paysage entourant le réservoir de Chelburn sont à couper le souffle, et maintenant, le monde industriel a été récupéré comme quelque chose de beau ; restauré et préservé pour le plaisir de tous.
La vue sur Littleborough a été inspirée en partie par les archives de l’incendie du tunnel Summit, héritage des changements apportés par la révolution industrielle. De ce point de vue, j’ai pu capturer de multiples développements dans les transports, le réservoir d’où provient le canal, la communauté vivant et travaillant le long du canal, et le canal lui-même, traversant les Pennines ; sa grande innovation. Ceci est une petite tranche d’histoire, mon hommage à ce monument vieux de 200 ans et une célébration du paysage puissant, magnifique et unique du canal de Rochdale.
Vous êtes inspiré par des films aux récits sombres et vos œuvres donnent souvent l’impression qu’il y a de la lumière qui traverse le tableau, un peu comme de la lumière émanant d’un écran. Parlez-nous de certaines de vos autres œuvres en dehors de l’exposition.
Mon travail récent a été inspiré par Walpurgisnacht, une fête allemande traditionnelle que j’ai découverte alors que je vivais à Berlin pendant le confinement. C’est la nuit où les sorcières étaient réputées se rencontrer sur la montagne du Brocken et est encore célébrée dans certaines parties de l’Allemagne en brûlant des effigies de sorcières sur des feux de joie. J’étais fasciné par son histoire divisée; de la célébration païenne à la canonisation des saints chrétiens, et à travers l’hystérie des sorcières, à Hexenbrennan – la brûlure des sorcières. Je trouve que juste vivre dans le monde avec un esprit ouvert et un cœur ouvert, la prochaine chose intéressante et inspirante est juste au coin de la rue.
Et enfin, quelle est la prochaine pour vous ?
Beaucoup de gens ont été en contact avec des idées intéressantes et passionnantes. Je n’ai pas l’habitude d’être sollicitée, alors j’ai besoin de temps pour tout comprendre ! Mais je travaille à une exposition, tout en poursuivant mon travail de commande. J’ai hâte de voir ce que l’avenir nous réserve.
Merci Élisée ! Nous avons hâte de voir ce que vous créerez ensuite !
Voir plus de travaux d’Elisha sur elishaenfield.co.uk
Vous vous sentez inspiré?
Pourriez-vous être le prochain artiste paysagiste Sky Arts de l’année ? Les candidatures pour Sky Arts Landscape Artist of the Year Series 8 se clôturent le 14 avril 2022. Pour plus d’informations et pour postuler, visitez skyartsartistoftheyear.tv/landscape. Lisez notre entretien avec les gagnants et les wildcards de Sky Arts Landscape Artist of the Year Series 7 pour obtenir des conseils avant de postuler.
Crédits image : Photographie © Sky Arts, peintures © Storyvault. Images 8 & 9 © Elisha Enfield.