Chez 1200artists, nous continuons à soutenir la prochaine génération d’artistes à travers divers prix, récompenses et opportunités. Chaque année, 1200artists, en partenariat avec Phoenix Art Space et l’Université de Brighton, parraine un espace de studio gratuit pendant un an pour un étudiant diplômé.
Nous avons rencontré Liberty Cheverall, lauréate du prix 2021, pour savoir comment elle s’en sort et en savoir plus sur son travail et ses projets pour l’avenir.
Salut Liberté ! Tout d’abord, félicitations pour avoir reçu le 1200artists & Phoenix Studio Award ! Qu’avez-vous ressenti lorsque vous avez appris que vous aviez été sélectionné par le jury ?
J’ai été honnêtement choqué et étonné tout à la fois. Au début, j’étais légèrement incrédule, car j’ai postulé sur un coup de tête (ce que je fais encore avec toutes les candidatures) et je n’ai pas vraiment compris que j’avais gagné. Le même matin, j’avais reçu un e-mail d’une de mes tufteuses préférées, qu’elle avait rempli la place pour son stage, et que je n’étais pas choisi, la veille de mon départ. Ensuite, j’ai quitté le travail et j’ai vu que j’avais un million d’appels manqués de ma tutrice universitaire Suzanne, ce qui était déroutant, car à ce moment-là, j’avais quitté l’université pour quelques bonnes semaines. Je l’ai rappelée, à laquelle elle m’a adressé ses félicitations. J’étais au milieu des North Laines, ravi de rire et de pleurer à moitié en même temps. Je suppose que c’est vrai, une fois qu’une porte se ferme, une autre s’ouvre.
Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur votre parcours créatif jusqu’à présent ? Vous avez étudié la sculpture à l’Université de Brighton, parlez-nous de votre séjour là-bas et de l’évolution de votre travail tout au long de votre cursus.
J’ai donc toujours été cette personne ennuyeuse, « le touche-à-tout ». J’aimais la plupart des choses (à part la géographie), ce qui signifiait qu’une fois l’école terminée, je devais choisir sur quoi me concentrer. Je suis allé à la Brit School et j’ai fait des arts visuels et du design, puis j’étais censé aller à l’université pour faire du maquillage d’effets spéciaux. A cette époque, j’avais des circonstances familiales qui faisaient que ce n’était pas le bon moment pour partir de chez moi, alors je suis resté et j’ai suivi un cours de base. C’était la meilleure décision, et j’ai vraiment appris quel genre d’artiste j’étais, et produire autant de travail si rapidement m’a vraiment poussé à travailler très dur sur une seule chose.
Cela m’a fait réaliser mon amour pour la sculpture et la réalisation d’œuvres d’art en trois dimensions. J’ai donc postulé à l’Université de Brighton car c’était l’une des seules universités spécialisées dans la sculpture des beaux-arts. Tout au long de mes études, j’ai souvent fait une fixation sur l’idéologie du foyer et de la domesticité. Ce qui m’a amené à faire des sculptures à partir d’objets et de textiles trouvés, ils étaient souvent bon marché ou gratuits, mais aussi chargés d’histoire conceptuellement.
J’ai utilisé le tapis de la maison de ma mère pour faire du ‘tapis maison’ en deuxième année, puis à cause du confinement, je suis resté à la maison, avec ma mère. C’est là que j’ai récupéré la laine d’un service de livraison de nourriture à domicile. J’étais curieux de connaître le matériau et je l’ai retenu, puis je l’ai utilisé pour créer plus tard Sans titre (2020). Une œuvre d’art composée de laine brute, qui a été cousue à la main dans une couverture et placée sur le dessus d’une figure en position fœtale. Tout pour représenter les luttes étouffantes de la pandémie en 2020.
J’en avais assez des objets trouvés, et je voulais vraiment faire quelque chose de nouveau, quelque chose à partir de zéro. J’ai toujours aimé l’illustration et les couleurs vives, mais aucun de mes travaux n’a jamais représenté cela. J’ai donc repris mes mêmes thèmes mais en réinventant la façon dont je les présentais. J’ai commencé mon premier tapis quand j’ai pu être en studio, auquel j’ai spécifiquement fabriqué un petit cadre qui signifiait que je pouvais le faire de chez moi (au cas où j’en aurais besoin). C’est exactement ce qui s’est passé, un autre confinement, mais au moins maintenant, j’avais une nouvelle forme de fabrication, que je pouvais faire depuis chez moi. J’ai également eu un financement supplémentaire en étant issu d’une famille à faible revenu et c’était ma troisième année. Cela m’a permis d’être expressif à travers mes choix matériels, et de ne pas avoir autant de contraintes financières. Avoir ce soutien financier supplémentaire était une grande partie de la capacité à soutenir ce processus, car il s’agit d’une technique assez coûteuse.
Vous êtes dans le nouveau studio depuis quelques mois maintenant, comment appréciez-vous l’espace et faites-vous partie de la communauté créative de Phoenix Art Space ?
Cela a été la meilleure transition entre l’université et la vie professionnelle. Le studio me permet d’avoir une étape dans ma pratique créative, tout en étant capable d’explorer et d’apprendre. Une année pour grandir dans ma pratique artistique mais aussi pour entrer dans la vie professionnelle des adultes. Je dois encore travailler dans le commerce de détail à temps partiel pour avoir un revenu stable, mais cela m’apprend vraiment comment produire de l’art qui peut se vendre et comment le vendre. C’est une autre année pour faire des erreurs et ne pas s’inquiéter autant financièrement.
La chance de voir constamment de nouvelles œuvres d’art dans une galerie juste en bas peut vraiment stimuler la motivation et m’encourager à en faire plus. Le fait d’avoir des personnes aussi authentiques et solidaires travaillant à Phoenix m’a vraiment permis de m’intégrer confortablement. Lentement, j’ai été présenté à mes voisins de studio et cela a été agréable de réseauter et de se connecter avec des artistes locaux.
Vos œuvres se concentrent sur la santé mentale, utilisant des couleurs contrastées vives et joyeuses et des tissus doux tout en véhiculant des pensées négatives troublantes. Comment en êtes-vous arrivé à faire un travail comme celui-ci et qu’aimeriez-vous que le spectateur retienne de votre travail ?
Donc, à l’origine, cela venait d’entendre des sentiments similaires de la part de personnes autour de moi. Le confinement a vraiment affecté de nombreuses personnes, qui n’avaient peut-être pas autant de mal mentalement auparavant. Je voulais créer un espace où les gens pourraient se sentir liés les uns aux autres et savoir qu’ils ne sont pas les seuls à ressentir cela. La plupart des sujets qui sont présentés dans mon travail sont en fait ce que beaucoup de gens traversent. La conversation générale à table que les gens avaient avait changé. Ce verrouillage est quelque chose qu’une énorme population de personnes peut dire avoir vécu, y compris de nombreuses émotions que le verrouillage a suscitées. L’idée de parler de vos sentiments a changé, et ce n’est en aucun cas n’importe où, mais les gens commencent à devenir plus ouverts à avoir des conversations qu’ils n’avaient jamais ressenties comme s’ils étaient capables de le faire. Ce qui bien sûr apporte un révélateur d’émotions. Tout ce que j’ai fait, c’est présenter ce changement à un public. J’aime souvent faire des ateliers qui incluent d’autres personnes et avoir une compréhension plus large de ma recherche. J’aime apprendre comment les autres traitent, ressentent et agissent différemment des autres.
Pouvez-vous nous parler de votre processus, comment créez-vous une œuvre du début à la fin ?
Pour quelqu’un qui sait dessiner, je ne passe pas souvent trop de temps sur les premières esquisses et idées. Je fais des dessins rapides, idiots et jolis pour commencer. Les formes et les couleurs sont toujours simples pour donner un style enfantin. J’avais l’habitude de recréer une version plus précise du doodle dans un dessin numérique et de le projeter sur la toile de jute avant de touffeter. Mais plus je fabriquais de tapis, plus je devenais confiant en me référant aux dessins simples originaux et en les recréant directement sur le matériau. Plus j’étais sûr de me lancer, mieux j’étais et plus j’étais heureux de fabriquer des tapis. En fait, j’ai apprécié les légères différences et imperfections qui accompagnaient le dessin à main levée. Une fois dessiné, je décide ensuite des couleurs en fonction du thème et de ce que je pense qui fonctionnerait esthétiquement.
L’aspect tuftage est essentiellement une coloration industrielle, plutôt qu’un stylo, c’est avec une machine qui tisse la laine dans et hors du matériau. Ensuite, je colle le dos pour que la laine reste en place et je soutiens la pièce avec généralement du feutre ou un simple calicot pour la rendre nette et coudre sur les bords. J’imprime également à la main des étiquettes qui sont également cousues au dos des pièces.
Au-delà de l’université, vous avez déjà eu beaucoup de succès en exposant à la Tate et à la Turner Contemporary, parlez-nous de ces projets.
Ces projets sont venus en s’appliquant à TOUT. Vous ne l’obtenez pas si vous n’essayez pas, alors même si mon syndrome de l’imposteur s’est déclenché, je postule souvent pour des choses en pensant qu’on ne sait jamais. Tout appel ouvert qui est venu par mes e-mails ou si quelqu’un me l’a envoyé, j’ai le plus souvent postulé. La plupart du temps, vous n’êtes pas accepté et parfois vous le faites. Mais vous ne saurez jamais si vous n’y allez pas. Heureusement pour moi, le mien était le Turner Contemporary, la Tate Britain et ce prix avec Phoenix et 1200artists.
Et enfin, quelle est la prochaine pour vous ?
Mon prochain projet est actuellement en production. Quelque chose d’un peu nouveau pour moi mais passionnant. Un petit indice est de chercher les poubelles à Brighton. Je ferai partie du spectacle 1200artists & Phoenix Award Alumni, où j’exposerai de nouvelles œuvres inédites en mars, puis je retournerai à la Brit School pour leur spectacle Alumni mettant en lumière d’anciens étudiants qui travaillent avec des textiles en avril.
Merci Liberté !
Découvrez le travail de Liberty sur libertycheverall.com ou suivez-la sur Instagram @libertycheverall
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