Colin Davidson est un artiste contemporain, vivant et travaillant près de Belfast, en Irlande du Nord. Depuis qu’il a obtenu son diplôme en 1991 de l’Université d’Ulster avec un diplôme de premier ordre, il a structuré sa pratique par thèmes et, depuis 2010, il se concentre sur la peinture de portraits à grande échelle, qui ont remporté une large reconnaissance et de nombreux prix internationaux. Outre de nombreuses commandes, les portraitistes de Colins ont inclus Brad Pitt, Ed Sheeran, Liam Neeson et Seamus Heaney pour n’en citer que quelques-uns. En 2016, Colin a été invité à peindre un portrait officiel de SM la reine Elizabeth II, qui a été dévoilé plus tard cette année-là par la reine à Londres.
Nous avons été ravis de parler à Colin de sa pratique, comment il interagit avec ses modèles et quels sont ses matériaux de prédilection.
Salut Colin, tout d’abord merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler. Vous avez peint des personnages totémiques tout au long de votre carrière tels que Seamus Heaney, Liam Neeson, Brad Pitt et la reine Elizabeth II à quelques-uns seulement. Une chose qui est si évidente avec votre travail est votre capacité à vraiment capturer l’essence de l’individu. Comment pouvez-vous y parvenir?
Je ne suis pas vraiment sûr. Je suppose que c’est ce qui me pousse à essayer de comprendre pourquoi et comment je le fais. Développer. Mais au cœur de tout cela se trouve la recherche. Observer intensément. Et dessiner et peindre ce que je vois. Bien sûr, en tant qu’artiste, je laisse de la place à quelque chose d’autre pour habiter la peinture en cours de route. C’est peut-être ce que vous appelez «l’essence de l’individu», mais je ne suis pas sûr de pouvoir prétendre à cela. Ce serait plus facile pour moi d’appliquer une formule dessus et de la mettre en bouteille pour que je puisse l’utiliser encore et encore, mais si je le faisais, je ne pourrais jamais laisser la pièce avec la peinture permettre à l’esprit du sitter in. Pour que cela se produise, il doit y avoir de l’incertitude. Vulnérabilité.
J’ai lu que vos séances n’impliquent pas réellement la personne assise immobile pendant des heures. Au lieu de cela, vous encouragez le mouvement et l’interaction. Pouvez-vous parler de ce processus avec votre gardienne quelle est l’interaction entre vous et eux?
Chaque séance est différente. C’est comme recommencer, essayer de reprendre confiance perdue. Je suis souvent nerveux. Je suppose que mes portraits sont l’antithèse des portraits classiques. Je ne veux pas geler un instant. Si je le faisais, j’utiliserais uniquement un appareil photo ou un photographe et j’utiliserais ensuite la photo pour faire la peinture. Au lieu de cela, je veux geler une vie. Pour regarder le passé, le présent et l’avenir de ma gardienne. Pour abattre n’importe quelle façade. Pour cela, j’ai besoin que la gardienne bouge, qu’elle s’engage, qu’elle parle, qu’elle mette à nu un élément d’elle-même. Pour me permettre d’apercevoir quelque chose qui n’est pas immédiatement vu. Je fais jusqu’à cinquante dessins rapides au stylo pendant la séance. Cartographie du visage. À la recherche. Parce que je m’intéresse principalement à peindre ce que je vois. La caméra est là comme aide-mémoire.
Votre spectacle Témoignage silencieux au Centre Culturel Irlandais à Paris en 2015 qui comprenait 18 personnes endeuillées ou blessées dans les Troubles. En tant que natif de Belfast, cela a dû être une expérience particulièrement émouvante pour vous personnellement. Pouvez-vous nous parler de votre processus d’exécution de cette incroyable émission et de son impact sur vous en tant qu’individu?
En regardant en arrière, il n’y avait rien dans l’Accord du Vendredi Saint de 1998 pour les victimes et les survivants – pour ceux qui ont subi des pertes – et au fil du temps, j’ai réalisé que les membres de cette section massive de notre communauté payaient le prix de la paix de tous. Quand j’ai commencé à peindre ma tête en 2010, j’ai réalisé que j’avais peut-être trouvé la méthode pour explorer ces sentiments et ces points de vue en tant qu’artiste. Regarder, non pas le passé, mais le présent. Et comment le passé affecte les êtres humains maintenant. Ainsi, en collaboration avec WAVE à Belfast et l’Ulster Museum, j’ai peint 18 portraits de personnes qui ont subi des pertes pendant le conflit ici. Je ne regardais pas la perte protestante ou la perte catholique, mais la perte humaine, et l’impact durable aujourd’hui. Les cicatrices. L’incapacité de passer à autre chose. Rencontrer ces personnes a changé ma vie et m’a mis en évidence la puissance de l’interaction entre le spectateur et l’œuvre. C’est là que la magie opère. Je résistais à la tentation de tout préciser, et cela permet à son tour à l’œuvre de poser des questions au spectateur. L’art ne devrait jamais fournir et répondre en lui-même. Je doute de tout art qui prétend offrir une réponse à quoi que ce soit. Nous avons visité l’exposition et nous avons fini par être invité à la montrer au siège des Nations Unies à New York en 2018. Pouvoir diffuser ces histoires de pertes inédites dans le monde était assez humble.
Nous avons parlé à plusieurs artistes au cours des 5 derniers mois de la façon dont le verrouillage a affecté leur production créative. Certains ont trouvé cela assez productif, certains ont trouvé le moment idéal pour réfléchir à l’ensemble de leur pratique et d’autres ont dit que leur créativité en était diminuée. Vous avez produit une série de tutoriels de peinture en ligne incroyables au cours de la période de verrouillage explorant le mélange de couleurs, les palettes de paysages et de paysages urbains et le mélange de gris. Mais dans l’ensemble, comment cette période d’isolement a-t-elle affecté votre propre pratique?
Ces petits tutoriels ont eu lieu parce que, pendant le verrouillage, j’ai reçu de nombreux messages privés d’abonnés qui m’informaient de la théorie des couleurs et du mélange. Alors j’ai mis le premier ensemble pour eux, et c’est gentil s’il a grandi à partir de là. Je voulais aussi renforcer ce sentiment et cette attitude que nous étions «tous dans le même bateau». Je voulais offrir un répit de la manière la plus modeste possible. Et aide. Pendant le verrouillage, je me suis retrouvé à partager mon temps entre le studio et le jardin. En studio, en plus de développer mon travail figuratif, j’ai commencé à travailler l’argile.
Si nous devions fouiller dans votre studio, quels matériaux serions-nous susceptibles de trouver et pourquoi sont-ils importants pour votre pratique?
Premièrement, j’apprends encore. J’essaye toujours quelque chose de nouveau. Différents pinceaux, couteaux, médiums. Mais une constante est ma palette de peintures à l’huile Michael Harding. La peinture à l’huile en elle-même n’est pas une chose qui respire, mais les peintures de Michael m’offrent le meilleur espoir de pouvoir insuffler de la vie à mon travail. J’adore aussi les crayons de couleur Derwent Drawing. Je fais tous mes dessins en les utilisant.
Pourriez-vous nous parler un peu de vos habitudes de studio et de studio, comment trouvez-vous un état de flow ou une zone de confort pour pouvoir produire votre travail?
La discipline est la clé. C’est tout ce que je vais dire. Je n’attends jamais l’inspiration ou la muse. Je peins dans l’espoir que l’inspiration viendra. Parfois, j’ai de la chance et c’est le cas.
À l’heure actuelle, où nous sommes inondés de distractions, il est peut-être plus difficile que jamais de s’éteindre et de se concentrer uniquement sur votre production créative. Auriez-vous des conseils pour quelqu’un qui a du mal à trouver ce flux créatif?
Peindre. Faites ce que vous faites. Ne traînez pas et attendez. Utilisez ce qui vient le plus naturellement. Cela peut vous sembler ordinaire, mais cela peut être éclairant pour les autres.
Enfin, que vous réserve le reste de 2020 Colin?
Est-ce que l’un de nous le sait?!
Bon point, nous ne le faisons absolument pas. Colin, merci beaucoup d’avoir pris le temps de votre emploi du temps chargé pour nous donner un aperçu si merveilleux de votre pratique.
Vous pouvez consulter le travail de Colin sur son site Web et lui donner un suivi sur son Instagram également.