Carole Jury, artiste d’origine française qui vit et travaille aujourd’hui à Princeton est à la fois photographe et peintre abstrait. Elle combine les deux médiums pour créer ses œuvres dynamiques, utilisant la texture pour tirer à travers la peinture pour révéler des tons et des couleurs subtils en dessous et les uns contre les autres. Nous avons rencontré Carole pour en savoir plus sur son processus de création artistique, ce qu’elle aime dans l’utilisation de l’huile et de la peinture acrylique – et pourquoi Daler-Rowney Georgian Oil est sa référence au matériau!
Merci d’avoir pris le temps de discuter! Premièrement, pouvez-vous vous présenter et comment vous avez commencé votre parcours créatif?
Bien sûr! Merci de me recevoir . Je m’appelle Carole Jury, je suis une artiste – travaillant aussi bien la peinture que la photographie et le design. Quand je suis arrivé aux Etats-Unis depuis l’Europe il y a six ans, rien de ce que j’imaginais à l’époque n’était même proche de moi devenir un artiste professionnel.
Cependant, ce nouveau style de vie a encouragé mon désir et ma liberté de peindre. Au lycée et à l’université, j’ai étudié les arts par des cours optionnels, même si ma carrière en France était orientée vers les ressources humaines et la communication. Pendant plus de quinze ans, j’ai gardé l’art comme passe-temps et pour mon cercle privé. C’est cette expatriation familiale qui m’a donné des ailes pour reconstruire quelque chose de nouveau … Ainsi, j’ai construit mon parcours d’artiste au fil du temps, c’est ce que je suis aujourd’hui: un artiste né en France – un peintre abstrait basé à Princeton, NJ. Je suis complètement engagé au quotidien dans mon art. J’ai aussi toujours été passionné par la photographie et la peinture. Quand j’ai commencé à mettre en place mon art, j’ai voulu rejoindre ces deux médiums au service de ma démarche artistique. C’est ce que j’ai fait! Toutes mes séries sont inspirées d’une photographie et l’histoire a toujours commencé avec le même processus.
Pourriez-vous parler un peu de votre processus créatif et du voyage que vous faites depuis le travail photographique initial et le développer dans votre peinture?
La photographie est la principale source de mon inspiration artistique. Les visuels que je prends le mieux représentent et sont au cœur de chacune de mes toiles. Ils sont les fondements de ma série et je les utilise comme support chaque fois que je me perds dans mon travail. Ces photographies peuvent être récentes ou non. Parfois je parcours mes albums à la recherche d’un cliché que j’aurais perdu. Ils font, le plus souvent, partie de ceux déjà destinés à devenir un tableau à leur naissance.
Je construis ces albums depuis au moins vingt ans, selon les balades, les voyages, les situations ou les émotions. Ils sont toujours là en mémoire et s’épanouissent lorsqu’ils sont exposés. Quand je choisis de les utiliser pour des séries et des peintures spécifiques, c’est comme raviver des sentiments et des émotions perdus.
La photographie a été ma première passion. De la caméra argentique à la numérisation d’images, j’ai continué à jouer avec les lumières, les fondus et les profondeurs. C’est un jeu autodidacte, bien sûr, qui s’est affiné au fil des ans. J’adore cet instrument qui parvient à reproduire, retranscrire, mémoriser ce que mon œil veut continuer à aimer.
Être inspiré par une photographie ne signifie pas «la reproduire» ou «la peindre». C’est un médium inspirant pour lequel je rejoindrai mon interprétation à travers la peinture. L’interprétation se donne une grande liberté, comme si elle était face à l’image sans jamais développer une reproduction tangible et exacte. L’imagination opère un détachement presque naturel et s’attache à l’exploitation de voir deux aspects de la photographie inspirante. Cela peut se traduire par le travail du mouvement, le champ des couleurs, les textures… C’est à travers ce travail de transcription que naissent mes séries. De ce fait, au sein d’une série, plusieurs toiles très différentes émergent.
Ensuite, les œuvres se démarqueront, cela se donne de la fragilité pour obtenir la singularité. Mis côte à côte, ces singularités forment une série. J’aime scruter la photographie inspirante pour qu’elle me transporte au point où elle devient presque enivrante, qu’il m’est parfois impossible de travailler sur une autre série en même temps. C’est comme s’il pénétrait dans mes outils, dans mes huiles. L’image devient une histoire que je raconte avec mes doigts, la matière, les couleurs. Un écrivain prendrait sa plume pour annoter, raconter son émotion, ici je prends mes outils et mes tubes.
Nous devons parler de texture! En quoi la nature de l’huile et de l’acrylique vous permet-elle de capturer chacune de vos marques individuelles?
Construire et penser une texture, c’est comme imaginer en 3D ce que vous essayez de façonner. Je suis sûr que ce processus artistique est courant chez les sculpteurs, par exemple, lorsqu’ils établissent cette connexion avant de se lancer dans leur travail.
Très souvent, j’ai essayé de me forcer à travailler uniquement avec des surfaces lissées pour expérimenter de nouveaux chemins et de nouveaux designs. Mais, très vite les textures et l’envie de faire ressortir ces bouts de matière en dehors de ma peinture sont revenus. Enfin, mes mains dictées par mon esprit, tentent de saisir la moindre « perle » que peindre la toile produite, le moindre « accident » que les couteaux ou spatules ont dessiné. Donner substance à une idée, lui donner de l’épaisseur, la rendre réelle en créant enfin un objet, c’est comme donner naissance, une existence à part entière. Cette frénésie de construction de textures donne à mes œuvres une raison d’être. La peinture à l’huile est la peinture que j’ai choisie car elle a toute la spécificité que je recherchais. Luminosité, souplesse, douceur … sont incorporées dans le même produit. J’aime les nuances de couleur et le mélange entre elles est très facile et agréable. Je peux le sculpter…
La façon dont vous utilisez vos marques pour introduire des couleurs dans votre palette est merveilleuse – la traction d’un bleu pour révéler un rouge chaud en dessous, un blanc austère strié de violet. Comment abordez-vous vos sélections de couleurs dans une œuvre?
Au début d’une nouvelle série inspirée principalement d’une certaine photographie, ou même de toute autre chose, j’essaye d’expérimenter les nombreuses couleurs et nuances visibles à l’œil nu. Je trouverai ensuite de nouvelles couleurs dans celles-ci lorsque différents médiums seront ajoutés… trouver de nouvelles nuances de ces couleurs pour ajouter de la profondeur… C’est un processus très personnel, celui de chaque artiste lui appartient, et cela va plus loin que ce que l’œil peut voir.
D’une certaine manière, tout se résume à mon esprit et à mon œil artistique, me dire et m’aider à trouver les bonnes combinaisons et couleurs. Essayer de l’expliquer et ne pas être capable de vraiment montrer à quel point c’est plus profond que de simples couleurs. Tout cela fait partie de mon esprit subconscient qui me guide et fait beaucoup d’expérimentation.
J’ai besoin de travailler avec les couleurs et d’en savoir plus sur la façon dont elles interagissent et s’entraident pour se démarquer. C’est un long processus, trouver le bon équilibre et aussi pouvoir faire de chacune des couleurs la «star du spectacle», en quelque sorte.
.
Qu’aimez-vous dans les matériaux Daler-Rowney?
Comme tous les artistes, j’ai testé de nombreux types de peintures à l’acrylique et à l’huile de différentes marques. L’huile géorgienne de Daler-Rowney est la peinture qui me donne la meilleure réponse à mes attentes artistiques. C’est celui qui donne vraiment vie et sens à mon mouvement et à mon art. Aucun autre que j’ai essayé ne m’a jamais donné la même profondeur et la même capacité à m’exprimer aussi bien que l’huile géorgienne.
La première qualité est la texture qui n’est ni si liquide ni si solide. Le second est la nature des pigments qui sont très puissants et le troisième est la qualité dans le temps.
Et si je vais fouiller dans votre studio, quels autres matériaux suis-je susceptible de trouver?
Comme vous le savez peut-être, j’adore la finition simple et élégante de l’huile mais j’aime aussi jouer avec d’autres textures et les introduire dans mes pièces. J’ai essayé de travailler avec de nombreux textiles et textures différents et je me suis maintenant familiarisé avec plusieurs.
Certains de mes favoris étant les plus simples, trouvés dans les endroits les plus évidents. Ma palette de Goldfinger est complètement magnifique lorsque j’apporte une touche métallique à ma peinture. Cela donne une signification nouvelle et plus profonde à l’huile elle-même. J’ai également inclus beaucoup de textiles dans mes peintures, en pétrissant les tissus avec la peinture et en les mélangeant avec les autres textures. C’est comme créer une relation entre les deux médiums. Une histoire d’amour éternelle qui donne vie à la peinture et à la couleur.
Dans l’une de mes pièces les plus récentes, j’ai également décidé d’essayer d’utiliser de vieux tubes de peinture et j’ai trouvé un moyen de les intégrer dans l’art. J’ai commencé ce projet avec les moyens de pouvoir réutiliser et donner une seconde vie aux tubes de peinture, qui autrement seraient gaspillés. Dans certains cas ou dans certaines séries, si je souhaite renforcer la luminosité en utilisant un vernis. Cela peut donner plus de réflexion aux couleurs et ajouter plus d’espace pour que les lumières jouent avec mon art. Cela peut même donner à l’ombre plus d’espace pour épaissir mes peintures et les laisser respirer aussi.
Merci pour tout! Une dernière question, quand nous sommes tous capables de sortir et de repartir – quelle est la prochaine étape à l’horizon?
De nombreux événements sont reportés ou annulés lors de l’épidémie de coronavirus et il a été difficile de planifier une exposition depuis le début de l’isolement. Du 11 au 14 septembre, mon travail sera exposé au Sm’Art Fair à Aix-en-Provence, France par Trevisan International Art, une commissaire d’art représentée par Paola Trevisan basée en Italie.
Durant cette période de pandémie, j’ai profité de ce temps pour préparer ma prochaine exposition intitulée «Itinerance # 3» par «Femmes Artistes de France aux USA». J’ai fondé ce groupe d’artistes il y a un an et nous avons déjà exposé à Paris, en France, à New Hope (PA) et à New York. Trois artistes françaises talentueuses – Gaeëlle Hintzy-Marcel (sculpteur), Marine Futin (dessinatrice), Rachel B (photographe-mix media) font partie de ce groupe. Travailler avec eux sur la scénographie est très intéressant et toujours un grand défi car notre art est différent avec très complémentaire. Chacun de nous apporte sa propre singularité ce qui nous enrichit. Nous avons programmé notre prochaine exposition en octobre à Chelsea (NYC) et nous espérons qu’elle pourra être réalisée. Doigts croisés!
J’organise également un «Solo Show» à Lyon (France) en décembre. Lyon est ma ville natale et les gens sont impatients de pouvoir visiter mon art et de mon côté je suis très enthousiaste de montrer mon travail en personne à des personnes qui m’ont soutenu depuis le début.
Vous vous sentez inspiré?
Voir plus de travail de Carole
Achetez en ligne tout ce dont vous aurez besoin. N’oubliez pas de hashtag #1200artists sur les réseaux sociaux pour nous montrer vos créations.