Entrevue avec l’artiste : Erin Lawlor

Erin Lawlor en studio par Rosie Osborne

Bonjour Erin, merci beaucoup d’avoir pris le temps de nous parler. Tout d’abord, pourriez-vous nous dire un peu comment vous êtes devenu artiste et y a-t-il eu un moment particulier dans votre vie où vous avez simplement su que c’était ce que vous deviez faire ?

En grandissant, l’impulsion créative était toujours là – dessin et peinture, mais aussi écriture ; depuis l’enfance, j’étais un lecteur très constant et assez académique – je pense que je m’attendais à devenir écrivain. Je suis parti quelques mois en France dès la sortie de l’école et j’y suis finalement resté pendant mes études universitaires, puis pendant les vingt-six années suivantes. J’étais passé d’études purement littéraires à l’histoire de l’art, ce qui m’a conduit à une fascination croissante pour la matière de la peinture, la peinture à l’huile en particulier. Au cours de mon année de maîtrise, le désir de peindre avait dépassé tout désir d’écrire sur la peinture des autres. Et j’étais alors embourbé entre deux langues autrement… La peinture m’a semblé à la fois une forme d’expression plus universelle, mais aussi une forme d’explicitation moins gênante que l’écrit. Et puis il y a le plaisir sensuel pur impliqué dans le médium lui-même. C’était un acte de foi, dans le sens où je n’étais pas du tout sûr de trouver un jour ma voix de peintre, et j’ai toujours trouvé le mot artiste inconfortable – mais c’est certainement à cette époque que j’ai reconnu le potentiel continu de la peinture en tant que médium (ce qui semble évident maintenant, mais l’était moins à la fin des années 80 et au début des années 90 !) et a commencé à sentir clairement qu’il y avait là quelque chose avec lequel je pourrais lutter pour le reste de ma vie sans arriver à la fin de.

Tempête d’été, 2021

Votre travail a une merveilleuse nature fluide, il est immédiatement reconnaissable comme le vôtre, en particulier à travers vos coups de pinceau incroyablement gestuels. Pouvez-vous nous expliquer comment vous abordez une toile vierge et comment vous avez développé ce style unique ?

Pendant les dix premières années, je peignais principalement des portraits, à petite échelle et épais; peinture à l’huile pure et pure dans toute sa gloopie – en se référant à l’école de Londres en partie, mais aussi à Paris d’après-guerre. Toutes les œuvres qui m’attiraient le plus partageaient une qualité de vivacité à propos de la peinture et le sentiment d’être sur le point – l’alchimie de la peinture devenant autre chose, et pourtant toujours consciente d’elle-même, la méta-peinture. Titien tardif, Soutine, de Kooning, Auerbach. Le visage, ou la tête, en tant que sujet, était à la fois une obsession existentielle assez névrotique, mais aussi une façon d’apprendre mon médium – c’est à la fois élémentaire et un volume très complexe. Il m’a fallu quelques années pour me sentir prêt à abandonner l’explicite ouvertement, à accepter que ce qui me fascinait le plus était cet espace liminal entre, et le coup de pinceau lui-même. Une fois que j’ai osé lâcher la figure centrale, j’ai commencé à utiliser des pinceaux de plus en plus gros et de la peinture plus liquide; à un certain moment le passage à l’horizontalité est devenu une nécessité technique et j’ai commencé tout naturellement à travailler toute la primatravaillant dans et avec la fluidité dont tu parles.

Gimblette, 2021

L’utilisation de la quantité de solvant que je fais a l’avantage supplémentaire de m’obliger à une fenêtre de travail relativement courte, une façon de contrecarrer ma tendance naturelle au remaniement obsessionnel.

De nos jours, il n’y a pas de toile vierge en soi, ou seulement très brièvement – travailler avec de la peinture aussi liquide que moi, et passer à travers les couches, travailler humide sur humide, nécessite un fond pictural stable. Il y a donc plusieurs couches de peinture qui se déposent avant le début des travaux proprement dits, qui ne nécessitent que les décisions les plus sommaires, et apaisent toute angoisse de toile vierge !

Sur cette note, votre utilisation de la couleur est l’un des aspects les plus fascinants de votre travail, il est tellement expressif et évocateur à bien des égards. Avez-vous une palette de couleurs sélectionnées sur laquelle vous travaillez ou est-ce plutôt au cas par cas ?

Il y a une palette assez complète qui est toujours là potentiellement – j’installe ma série de pots avant de commencer, donc la peinture est mélangée et prête à l’emploi. Sur la toile, techniquement j’ai tendance à commencer par bloquer dans des zones avec du jaune et de l’orange, des cadmiums et des marrons, les tons les plus chauds, avant une deuxième couche de couleurs plus froides.

Au-delà de cela, il s’agit bien de travailler les couleurs ensemble sur la toile, à la fois par juxtaposition mais aussi en travaillant à travers les couches. C’est de nos jours un processus hautement instinctif, né de décennies d’essais et d’erreurs – dans les premières années, je trouvais constamment que je travaillais trop et que je mélangeais trop, et que je me retrouvais avec un gâchis irrémédiablement gris ou brun. C’est une ligne fine, travailler toute la prima et partout tout en soulevant la couleur et la forme de la masse.

Quant à la palette globale d’un tableau, elle se fait généralement au cas par cas, mais aussi parfois par séries courtes, notamment pour les plus petites œuvres.

D’où tirez-vous votre inspiration pour être un artiste aussi prolifique ?

Le processus est très continu et je trouve que chaque peinture ou série de peintures mène assez organiquement à la suivante. Il y a aussi tellement d’autres choses qui s’insinuent dans le studio qui alimentent visuellement ou psychologiquement : du temps qu’il fait dehors à ce que j’ai regardé autrement. Il y a des compagnons constants (toujours le Titien tardif) au plus accessoire et contemporain; pas seulement des beaux-arts, mais des dessins animés, du design, des tissus… Je n’ai réalisé que récemment à quel point les expériences jumelées des papiers peints Wild Things et William Morris de Sendak avaient sur moi quand j’étais enfant, ou encore l’expérience de couleur immersive séminale qu’était la chambre bleue vibrante avec les arbres rouges du jardin de Ravel dans l’exposition « Hockney peint la scène » à la Hayward Gallery que j’ai vue adolescente. Un voyage à Rome il y a quelques années déboucha sur une série d’œuvres où la palette et le drame du Caravage s’étaient glissés, sans doute inévitablement. Je cherche constamment et je vois beaucoup de travail d’autres personnes ; c’est la marque des meilleures expositions pour me donner cette réponse instinctive de vouloir entrer directement dans l’atelier et peindre. Le spectacle actuel de Francis Bacon au RA en est un bon exemple ; c’était un coloriste tellement extraordinaire.

Cela peut aussi être tout à fait contraire – au cours de la dernière année environ, dans les moments intermittents du studio entre la pandémie et les problèmes de santé personnels, une palette plus lumineuse et une touche plus légère sont apparues. Je me suis souvenu de quelque chose que Nick Willing avait dit à propos de la thèse de son père concernant la peste et les mouvements baroque et rococo – il semblait plus important que jamais en ces temps sombres de rechercher la lumière et une certaine espièglerie. L’exposition qui en résulte, actuellement en place à New York, est, je l’espère, une exposition qui parle beaucoup de la vie, de la recherche de la joie dans l’obscurité.

Ma façon de travailler, la façon dont mon langage visuel a évolué, me semble très ouverte, et potentiellement encore riche, tant en termes de format que d’ambiance et d’inspiration.

Photo gracieuseté de Kelly Lawlor

Quels sont vos matériaux de prédilection et pourquoi sont-ils importants pour votre pratique ?

De bons tendeurs pour débuter – je peins sur des toiles déjà tendues, et en travaillant à l’horizontale, il est important d’avoir la tension nécessaire.

La peinture à l’huile, bien sûr – en diluant la peinture comme je le fais, il faut qu’elle soit de très bonne qualité, avec une bonne charge de pigments. Michael Harding et Langridge, ou encore la gamme professionnelle de Jackson, sont les favoris. J’utilise une variété de brosses, les plus larges que j’utilise le plus souvent ces jours-ci sont les brosses à papier peint de Leyland, mais aussi les brosses à long manche de la Maison Marin en France (leur propre marque, qui peut aller jusqu’à 100 cm de large, même si je trouve personnellement quoi que ce soit au-delà de 50 cm assez lourd). Solvant bien sûr. Et des pots de maçon, pour s’adapter aux pinceaux.

De bonnes feuilles de protection sont essentielles, sinon je finirais sur une patinoire en un rien de temps, sans parler du désordre.

En parlant de votre studio, nous sommes obsédés par les habitudes de studio des artistes et par la façon dont ils trouvent leur propre flux créatif. Pouvez-vous nous parler de votre décor de studio et si vous avez des habitudes/routines pour trouver cet état de flux ?

J’ai la chance ces jours-ci d’avoir un studio de bonne taille et autonome grâce aux studios Space dans l’ancienne usine d’arachides de Fish Island, avec de grandes fenêtres et une lumière du nord. Lorsque je suis revenu à Londres il y a huit ans, ce n’était pas facile de trouver un studio, et pendant quelques années, j’ai sous-loué et déménagé – je suis très conscient de la chance que j’ai maintenant d’avoir un studio qui convient ma façon de travailler techniquement, mais où il y a aussi une atmosphère si propice au travail – la lumière est extraordinaire, et il y a pour moi un sentiment de plaisir et de gratitude rien que d’entrer dans cet espace tous les jours. Quand mes enfants étaient petits, j’ai dû peindre à la maison pendant un certain temps, ce qui était difficile à bien des égards. À bien des égards, le simple fait d’entrer dans cet espace séparé fait partie de la transition vers le flux créatif, c’est une activité qui est à la fois intrinsèquement liée à la vie, et pourtant qui nécessite un temps et un espace à part.

Photos avec l’aimable autorisation de Kelly Lawlor

Ma façon de travailler, avec la préparation des pots et des couleurs, et des pinceaux, permet également une transition naturelle dans l’espace et les gestes de la peinture, et un apaisement de l’esprit – ces premières couches se déposent sans trop de réflexion. Généralement au-delà, la fascination pour ce qui se passe sur la toile prend assez vite le dessus – l’interaction entre les couleurs, le jeu des volumes et de l’espace ; mais aussi le pur plaisir de la peinture qui me fascine toujours depuis toutes ces années.

Merci beaucoup de nous avoir parlé aujourd’hui, enfin pouvez-vous nous dire ce que nous pouvons attendre de vous en 2022 ?

J’ai un show up en ce moment à New York, à la Miles McEnery Gallery, ma deuxième exposition personnelle avec eux, qui dure jusqu’au 12^e Mars. Et j’exposerai en mai à Arte Fiera Bologna en Italie avec la galerie Luca Tomassi. Je suis aussi actuellement en discussion avec la Vigo Gallery à Londres, en vue d’une exposition personnelle plus tard cette année, donc c’est ce vers quoi je travaille potentiellement en studio en ce moment.

Vous vous sentez inspiré ?

Vous pouvez voir plus de travaux d’Erin sur son site Web et assurez-vous de la suivre également sur Instagram.