L’artiste Sinta Tantra est connue pour ses œuvres d’art publiques colorées à grande échelle et ses peintures géométriques. Vivant et travaillant entre ses deux studios à Londres et à Bali, les œuvres de Tantra occupent de multiples dimensions et échelles. Sa toile passe confortablement d’un pont traversant l’horizon urbain à un cadre en lin tendu produit dans le cadre intime de son atelier – chaque œuvre est un modèle abstrait de ses aspirations utopiques. Nous avons été ravis de parler à Sinta qui nous a fait part de son incroyable pratique, de l’inspiration derrière son travail et de ce qu’il faut attendre d’elle en 2022.
Bonjour Sinta, merci beaucoup de nous avoir parlé. Tout d’abord, j’aimerais commencer par parler des débuts de votre carrière artistique. Y a-t-il eu un moment éclairant qui vous a donné envie d’être artiste ?
Salut Ronane ! Merci de m’avoir invité à participer à l’interview. Je ne pense pas avoir eu un moment particulièrement éclairant; c’était plutôt une série de ‘tapes dans le dos’ que je me suis donnée. Je n’ai jamais pensé que je serais un artiste; J’ai toujours pensé que je serais plus une personne dans les coulisses comme un producteur ou un conservateur. Construire la confiance en soi était, et est toujours, un défi de toute une vie.
Vous êtes reconnu internationalement pour vos œuvres d’art publiques, où vous explorez les intersections de l’art, du design et de l’architecture. Comment pensez-vous que notre perception de l’art peut changer lorsqu’il est présenté dans un environnement urbain ?
À l’école d’art, j’ai été inspiré par les idéaux du Bauhaus, l’art ancré dans le quotidien. Comment la peinture peut-elle se superposer à l’architecture ? J’aime la façon dont le changement d’échelle permet au spectateur de s’immerger dans la couleur, la forme et la composition et de faire partie de la peinture elle-même ainsi que du tissu et de l’énergie de la ville.
Je crois que votre première commission, ‘Isokon Rêves’ qui est situé juste au coin de notre siège social à Camden. Pourriez-vous nous dire à quoi ressemblait cette expérience en obtenant votre première commande ?
Je me souviens d’avoir été à la fois excité et pétrifié par son ampleur. C’était la première fois que j’utilisais des programmes informatiques tels que sketch up et adobe pour créer et mettre à l’échelle un design. Cette expérience m’a appris à avoir du courage et à adopter les nouvelles technologies et l’apprentissage. C’était aussi la première fois que je peignais une murale dans un cadre très public avec des passants commentant s’ils l’aimaient ou la détestaient !
Aussi, sur cette note, comment abordez-vous le travail de commission ? Avez-vous un cadre que vous appliquez à tous, ou s’agit-il plutôt d’une approche au cas par cas?
La première étape consiste à comprendre l’espace architectural et la manière dont les corps entrent et sortent. Dans mon studio, je crée des modèles physiques et des rendus tridimensionnels ; recueillir des photos, des échantillons de peinture et des échantillons de matériaux. J’imprime mes créations sur papier, puis je les insère dans ma maquette architecturale. Il y a un peu de va-et-vient entre le numérique et le physique, un processus que j’apprécie énormément.
Je vous ai récemment entendu dire dans une exposition que vous essayez d’intégrer le concept de temps dans un espace de galerie. Pouvez-vous nous en dire plus et comment faites-vous pour y parvenir ?
Lorsque je développe une œuvre d’art publique, qu’il s’agisse d’une peinture murale ou d’une sculpture, j’ai besoin d’étudier la lumière naturelle, où le soleil se couche et où le soleil se lève. De même, lorsque j’expose dans une galerie, je veux que les gens se sentent connectés au monde extérieur et même à l’univers en général. Je le fais en créant des installations de vinyle sur les fenêtres, souvent dans des tons de rose, baignant la galerie et mes peintures d’une lueur rose qui change tout au long de la journée – apportant le concept de l’extérieur à l’intérieur.
Les deux dernières années ont été évidemment très surréalistes pour nous tous à bien des égards. Nous avons parlé à pas mal d’artistes/créatifs au cours de cette période qui ont partagé leur expérience d’un point de vue créatif, certains ont trouvé que cela diminuait leur créativité, d’autres, cela les stimulait. Comment s’est passée cette période pour vous et votre production artistique ?
Je ne dirais pas que la pandémie m’a rendu plus ou moins créatif. Au contraire, cela m’a aidé à me concentrer sur l’établissement d’une routine – un sens des soins personnels pour équilibrer les moments les plus difficiles ou les blocages créatifs que l’on peut rencontrer en studio. J’ai commencé à prendre le yoga plus au sérieux, en m’assurant de mieux manger – j’ai même conçu et produit un livre de cuisine avec ma galerie londonienne (Kristin Hjellegjerde). Ce fut un tel plaisir de réfléchir à la façon dont la nourriture et la créativité nous ont tous connectés.
Enfin, qu’y a-t-il de prévu pour 2022 ?
Ce sera un été chargé avec deux expositions personnelles en Norvège et à Jakarta. J’ai également déménagé dans un nouveau studio à Kentish Town, au nord de Londres. C’est une belle ancienne usine sidérurgique partagée avec six autres artistes. Je suis toujours en train de m’installer mais j’attends avec impatience le temps chaud pour organiser d’autres apéritifs/dîners dans la cour commune avec sa glycine grimpante, qui fleurira pleinement dans les prochains mois.
Vous vous sentez inspiré ?
Découvrez le travail incroyable de Sinta sur son site Web et assurez-vous de la suivre sur Instagram.