Dan Graham, artiste conceptuel qui a plié le temps et l’espace, décède à 79 ans

Dan Graham, un artiste inclassable dont les sculptures, les performances et les pièces conceptuelles ont joué sur la perception que les spectateurs ont d’eux-mêmes, des personnes qui les entourent et de leur environnement, est décédé à 79 ans. Ses quatre galeries – Lisson Gallery, Marian Goodman Gallery, 303 Gallery, et Regen Projects – a déclaré dans un communiqué qu’il est décédé ce week-end à New York. Une cause de décès n’a pas été annoncée.

« Son influence au cours du dernier demi-siècle en tant qu’écrivain, photographe, architecte, sculpteur, cinéaste et artiste de performance est largement ressentie dans le monde de l’art contemporain », indique le communiqué.

Longtemps lié en tant qu’artiste pionnier dans le développement du minimalisme, du post-minimalisme et du conceptualisme, ainsi que de la vidéo en tant que médium artistique, au cours des années 1960 et 1970, Graham n’a revendiqué aucune implication dans aucun mouvement. Au lieu de cela, il se considérait avant tout comme un architecte ou un écrivain. Dans une histoire orale du Musée d’art moderne de 2011, il a déclaré : « Ma passion n’a jamais été l’art. Ça a toujours été l’architecture, le tourisme, le rock and roll et l’écriture rock and roll.

Sa production était vaste et variée. Il comprenait des sculptures de verre monumentales et des textes à petite échelle, des performances délicates sur la surveillance et des vidéos d’une netteté remarquable sur le rock ‘n’ roll.

Malgré le désaveu de Graham de son statut d’artiste, il a été influent pour des générations d’artistes qui ont tiré des idées de ses textes, photographies, vidéos et sculptures autoréférentiels. Lorsque Graham a fait l’objet de sa toute première rétrospective américaine en 2009, la conservatrice du Whitney Museum, Chrissie Iles, a déclaré au New York Times que Graham pourrait être lié à des artistes comme Rirkrit Tiravanija, Tony Oursler et Wade Guyton, qui ont tous 15 ans ou plus son cadet. Mais, Fois le critique Randy Kennedy a écrit: «Leur travail ne ressemble et ne ressemble presque pas au sien, ou à celui d’un autre, un témoignage remarquable de la façon dont la fascination de M. Graham pour la perception et les conventions de l’art et de la culture de masse sont devenues une partie du contemporain. paysage artistique.

Certaines des œuvres les plus mémorables de Graham sont ses plus lo-fi de la première partie de sa carrière. Au milieu des années 60, après avoir brièvement essayé et échoué d’être un marchand d’art, Graham est retourné dans le New Jersey, où il avait grandi. Sur le chemin du retour en train, il a remarqué un certain nombre de maisons sur le chemin. Ces structures sont devenues la base de sa première pièce importante, Maisons pour l’Amérique (1966-1967), une série de photographies d’aspect amateur de maisons de lotissement. La pièce existait en tant que caractéristique dans l’influent Arts magazine, qui avait prévu de le publier à côté des œuvres de Walker Evans. Mais contrairement à Evans, dont Graham ne connaissait pas le travail à l’époque, Graham n’était pas un photographe professionnel et ses clichés n’étaient en aucun cas polis.

De nombreuses autres œuvres conceptuelles de Graham ont fait preuve d’une sensibilité impassible similaire et ont également été publiées par des magazines, qu’il a comparés aux pods du film de science-fiction de 1956. Invasion des voleurs de corpsfaisant référence à la manière apparemment innocente dont les publications apparaissent dans les espaces domestiques et les infectent. Détumescence (1966), publié sous forme de page dans un magazine, consistait uniquement en un texte d’un professionnel de la santé expliquant ce qui arrive au pénis d’un homme après l’orgasme. Schéma (1966), qui était également destiné à être imprimé dans les médias de masse, était composé d’un texte détaillant la typographie, les spécifications, etc. de sa publication respective.

Plus que de simples provocations sournoises, ces œuvres marquaient également une tentative de perturber la transmission unidirectionnelle de l’information par les médias. (Il a souvent cité Jean-Luc Godard, le cinéaste français de la Nouvelle Vague dont les œuvres des années 1960 ont fonctionné dans une capacité similaire, comme une influence majeure à cet égard.) Ces pièces ont également aligné Graham sur le Conceptualisme, un mouvement dont les ancêtres ont également souvent travaillé en utilisant des méta-textes qui proposaient que l’art n’existait pas seulement visuellement – il prenait également la forme d’idées. Graham, qui avait tendance à contredire tout ce que les conservateurs, les historiens et les critiques suggéraient à propos de lui et de son travail, a cependant catégoriquement nié toute affiliation avec le conceptualisme. Il a qualifié le mouvement de « conneries académiques » dans une interview en 2008 avec le musicien Kim Gordon.

Dan Graham est né à Urbana, Illinois, le 31 mars 1942 et a grandi à Winfield, New Jersey. (Il était Bélier et s’assurait souvent de le mentionner dans les interviews.) Sa mère était une psychologue de l’éducation dont le domaine de travail a suscité très tôt un intérêt pour la compréhension humaine de l’espace. Graham n’a jamais reçu d’éducation formelle après le lycée, bien qu’il ait eu tendance à agir comme une éponge, absorbant les théories de Claude Lévi-Strauss, Margaret Mead, Jean-Paul Sartre, Walter Benjamin, et plus encore dans ses premières années. Il avait d’abord voulu devenir écrivain.

En 1964, Graham fonde la John Daniels Gallery à New York. Cette galerie n’était pas bien connue à l’époque, mais elle détient un statut légendaire dans les histoires de l’époque car c’est là que Sol LeWitt a eu sa première exposition et où un certain nombre de minimalistes qui ont ensuite acquis une plus grande renommée ont exposé très tôt. Mais Graham n’a fait aucune vente et la galerie a fermé ses portes un an après son ouverture.

Après ses textes conceptuels, Graham s’est diversifié vers des œuvres qui ont pris des formes plus expansives. Alors que ces œuvres prenaient souvent la forme de performances, de vidéos et d’installations, le public était souvent son médium. « Je voulais que les spectateurs soient impliqués », a-t-il déclaré dans son histoire orale du MoMA.

Ces œuvres de la fin des années 60 et du début des années 70 donnaient au temps et à l’espace une apparence malléable et étrange. La vidéo, à l’époque une technologie relativement nouvelle, était quelque chose à laquelle Graham voulait avoir accès, et il a donc commencé à enseigner au Nova Scotia College of Art, qui était alors un point chaud pour les artistes travaillant dans ce médium. Là, il a produit Rouler (1970), une double projection sur le mode des œuvres défiant les genres de Bruce Nauman. Une image montre l’artiste dévalant une colline tenant un appareil photo, tandis que l’autre présente des images de l’appareil photo qu’il tenait. D’autres œuvres ont utilisé des flux retardés et des effets spatiaux pour perturber le flux linéaire du temps, ce que Graham a affirmé que le minimalisme n’avait pas réussi à faire.

Au milieu des années 70, Graham utilisait de manière proéminente les miroirs, qu’il utilisait pour refléter le public dans les performances et pour déformer l’environnement des spectateurs dans les sculptures. Graham a attribué diverses significations à ses miroirs au fil des ans., le reliant à Sartre L’être et le néant (1943) et l’architecture d’entreprise des années 70. Dans Performance/Public/Miroir (1972), Graham a fait asseoir son public devant un miroir et leur a décrit les mouvements de ses téléspectateurs. Puis il se tourna vers son propre reflet et raconta comment son propre corps fonctionnait dans l’espace. « D’abord, une personne dans le public se voit ‘objectivement’ (‘subjectivement’) perçue par elle-même, ensuite elle s’entend décrite ‘objectivement’ (‘subjectivement’) en termes de perception de l’interprète », écrit-il.

Les œuvres pour lesquelles Graham est le plus connu, ses pavillons de verre, ressemblent à des espaces architecturaux clairs qui offrent au public des vues inhabituelles sur les espaces qui les entourent. Ceux-ci sont fabriqués avec du verre miroir bidirectionnel, qui « reflètent[s] le ciel », a déclaré Graham dans une interview en 2014 avec Espace artistique. « Mais ensuite, cela devient également de la surveillance – vous pouvez voir à l’extérieur, mais vous ne pouvez pas voir à l’intérieur. » L’un conçu comme un « parc urbain » a été construit sur le toit de la Dia Art Foundation en 1991, et y est resté jusqu’à la fermeture de l’espace en 2004 ; une sculpture tout en courbes liée aux pavillons est apparue au sommet du Metropolitan Museum of Art en 2014. Beaucoup d’autres ont surgi dans des zones qui ne sont pas tout à fait considérées comme des espaces d’art, près du cercle polaire arctique en Norvège, par exemple.

Alors que dans le monde de l’art, Graham est connu pour des œuvres comme les pavillons, il a également développé un culte au-delà pour une œuvre en particulier : Rock ma religion (1984), un montage de 55 minutes qui relie le rock ‘n’ roll à toute une lignée de musique religieuse qui commence avec les Shakers. Kim Gordon et Thurston Moore ont fourni la bande originale de la vidéo, qui est, en quelque sorte, Graham rendant hommage à la musique rock qui l’a influencé.

La riche carrière de Graham a été largement reconnue par diverses institutions à travers le monde. Il est apparu dans quatre éditions de Documenta, trois éditions de la Biennale de Venise (sans compter une inclusion dans la Biennale d’architecture de Venise, une rareté pour les artistes visuels), trois éditions de la Biennale de Whitney et deux éditions de Skulptur Projekte Münster en Allemagne. Sa rétrospective américaine de 2009, « Beyond », a été présentée au Whitney Museum de New York, au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et au Walker Art Center de Minneapolis.

Graham, qui était longtemps basé à New York, a affirmé dans un 2009 Art en Amérique interview qu’il avait du mal à faire reconnaître son travail dans la ville. Cela n’avait pas empêché une légion d’artistes contemporains de se rendre dans son appartement à 450 dollars par mois du Lower East Side pour entendre parler de lui. Il était connu pour enchanter les visiteurs avec des méditations concises sur le sérieux de la scène artistique des années 70 et les dernières comédies jouées dans des multiplexes près de lui. Il semblait souvent prendre autant de plaisir à lire les écrits de Guy Debord qu’à regarder une comédie grossière avec Seth Rogen.

« Tout art devrait être pour le plaisir », a-t-il déclaré lors d’une projection de son travail en 2015.