Rencontrez: la suite tant attendue de la série « L’essentiel dans l’histoire … » – maintenant sur le rôle des femmes dans l’art. Frida Kahlo et Mary Cassatt, Natalia Goncharova et Marina Abramovich, Yayoi Kusama et Lin Jingjing – le livre présente des peintures, des sculptures, des installations et des performances d’artistes du monde entier.
Nous avons choisi cinq faits intéressants du livre – sur le chant des femmes et leur lutte pour l’égalité. Nous partageons avec vous.
Femmes majeures de l’histoire de l’art
Lutte pour l’égalité
Selon la mythologie grecque antique, la peinture a été inventée par une jeune fille : elle a dessiné l’ombre de son amant sur le mur avant qu’il ne parte en guerre. Au cours des siècles suivants, certaines femmes ont réussi à être reconnues, mais peu ont été valorisées sur un pied d’égalité avec les hommes.
Autoportrait au chevalet, Sofonisba Anguissola. huile sur toile • 66 × 57 cm, Musée du château de Lancut, Pologne
Sofonisba Anguissola a été l’une des premières artistes à atteindre une renommée mondiale, bien qu’elle ne soit pas issue d’une famille de peintres, qui aidait généralement les femmes à entrer dans le monde de l’art. Plusieurs artistes féminines de Bologne, dont Lavinia Fontana, ont également obtenu le respect et un statut presque égal à celui des hommes. Mais la plupart ont dû créer sous des noms d’emprunt. Quelqu’un n’a même pas obtenu une fraction de reconnaissance: certains ont travaillé dans l’ombre de peintres masculins, d’autres ont été complètement supprimés de l’histoire après leur mort, remplaçant leurs signatures dans les peintures par les signatures d’artistes masculins.
Plautilla Nelli, Judith Leyster, Rahel Ruysch, Natalia Goncharova et Georgia O’Keeffe sont les rares artistes féminines aussi appréciées que leurs homologues masculins.
À la fin du 20e siècle et au début du 21e siècle, de nombreuses femmes se sont tournées vers des matériaux inconnus et ont créé de nouvelles formes d’art, grâce auxquelles leur travail a commencé à être considéré indépendamment du travail des hommes.
La chose principale
Faisant partie d’une quarantaine d’artistes de la Renaissance italienne, Properzia dei Rossi a également été parmi les premières femmes sculpteurs à une époque où la sculpture était considérée comme l’apanage des hommes. De plus, elle est devenue l’une des quatre seules femmes mentionnées dans les « Biographies » de Giorgio Vasari. L’ornement sculpté est la seule œuvre de dei Rossi dont la paternité est confirmée. Ce relief orne la cathédrale de San Petronio à Bologne.
Joseph et la femme de Potiphar. Propercia dei Rossi. D’ACCORD. 1520. Marbre. 54,5 × 59 cm Musée San Petronio, Bologne, Italie
Combattre l’objectivation de la femme
Guerrilla Girls (« Partisans ») s’est annoncée pour la première fois en 1985. Ils protégeaient non seulement les femmes artistes, mais toutes les femmes impliquées dans l’art, y compris celles qui dirigeaient des musées et achetaient de l’art. Parmi eux figurent Lilly Bliss, Mary Quinn Sullivan et Abby Aldrich Rockefeller, qui ont cofondé le Museum of Modern Art de New York en 1929.
Autoportrait comme allégorie de la peinture, Artemisia Gentileschi : huile sur toile • 98,6 × 75,2 cm, Royal Collection, Londres, Royaume-Uni
Les Guerrilla Girls ont fait le buzz avec leur affiche satirique « Les femmes doivent-elles être nues pour entrer au Metropolitan Museum of Art ? » 1989. Cependant, elles ont eu des prédécesseurs : tout au long de l’histoire, de nombreuses femmes artistes ont cherché à détruire l’habitude des hommes d’objectiver les femmes. Artemisia Gentileschi, par exemple, en 1610 a interprété l’histoire baroque bien connue » Suzanne et les Anciens » d’une manière contraire à la version traditionnelle des artistes masculins. Susanna aux yeux de Gentileschi est dépourvue d’idéalisation, elle se sent mal à l’aise sous le regard de deux hommes qui l’ont surprise en train de se baigner. De nombreux autres artistes (dont Elisabetta Sirani, Emily Carr, Leonora Carrington, Barbara Kruger et Jenny Saville) ont créé des visuels puissants qui défient l’idée des femmes en tant qu’objets et aident à redéfinir la sagesse conventionnelle.
La chose principale
Pendant des siècles, l’art a été jugé selon des normes masculines. Entendre que l’œuvre était « faite comme un homme » signifiait recevoir un compliment. Les femmes qui cherchaient à se retrouver dans la créativité étaient qualifiées de non féminines (ce qui était considéré comme une insulte). Malgré cela, Sofonisba Anguissola est devenue célèbre et tout son travail a nié l’idée de représenter une femme comme un objet.
Portrait d’une dame. Sofonisba Anguissola. Vers 1540-1626. Papier, pastel. 18,4 × 12,4 cm Rijksmuseum, Amsterdam, Pays-Bas
Chanter une femme
Dans une tentative de corriger des siècles d’injustice dans la façon dont les hommes dépeignaient les femmes, de nombreuses artistes féminines ont chanté l’image féminine. Les exemples sont
« Autoportrait au chevalet » de Sofonisba Anguissola et « Timoclée poussant son violeur dans le puits » d’Elisabetta Sirani.
Timoclea poussant son violeur dans le puits, Elisabetta Sirani : huile sur toile • 227 × 177 cm, Musée Capodimonte, Naples, Italie
Au fil du temps, de plus en plus d’artistes féminines se sont représentées ouvertement et d’autres membres de leur sexe à partir de positions de pouvoir, brisant la perception stéréotypée des femmes en tant qu’objets ou femmes au foyer. Des exemples frappants sont « Love Potion » d’Evelyn de Morgan et « The Artist’s Mother and Sister » de Berthe Morisot. Dans la seconde moitié du XXe siècle, des artistes telles que Laura Knight, Ana Mendieta, Cindy Sherman et Judy Chicago ont exploré ce que signifie être une femme dans un monde gouverné par des hommes de manières variées et souvent inattendues. Les exemples incluent Nude Self-Portrait de Laura Knight, Mendieta’s Untitled (Self-Portrait with Blood), Chicago’s Dinner Party et Cindy Sherman’s Film Frame No. 21, Untitled. Malgré des différences importantes, chaque œuvre dépeint une femme sans vergogne et avec franchise.
La chose principale
Toutes les façons d’honorer une femme ne sont pas agressives et audacieuses. Le tableau « Nurse » de Marguerite Gerard représente une femme allaitant un enfant. La poitrine nue est représentée sans aucune trace de sentimentalité ou d’obscénité. Gérard capture simplement des observations et, comme dans le cas de ses autres toiles, travaille dans le cadre de thèmes pertinents pour ses contemporains.
Infirmière. Marguerite Gérard. D’ACCORD. 1802. Huile sur bois. 59,7 × 48,6 cm Collection privée
Le point de vue des femmes
L’art est subjectif. Qu’un artiste masculin pense à sa fille, sa femme, sa mère, sa maîtresse, sa petite amie ou sa déesse lorsqu’il peint une femme, la peinture sera naturellement imprégnée d’une vision subjective. Naturellement, de nombreuses artistes féminines ont cherché à remédier à cela en représentant des femmes – elles-mêmes ou d’autres – d’un point de vue féminin.
Artemisia Gentileschi, qui a peint des femmes fortes et indépendantes, dans le tableau «Esther devant Artaxerxès», a doté son héroïne non seulement de beauté, mais aussi d’intelligence. En 1903, Käthe Kollwitz écrit La Révolte, dans laquelle un révolutionnaire furieux dirige une armée de paysans. Le couloir Vasari à Florence est orné de deux autoportraits d’Elisabeth Chaplin. Sur l’un d’eux – « Autoportrait avec un parapluie vert » – l’artiste s’est présentée comme une jeune de 17 ans de manière objective. Sans flatterie ni narration inutile, elle a transmis les couleurs et les formes qu’elle a vues.
Trois filles. Amrita Sher-gil : huile sur toile • 92,8 × 66,5 cm National Gallery of Modern Art, New Delhi, Inde
Amrita Sher-Gil dans la toile « Three Girls » a combiné un style coloré particulier avec la psychologie, véhiculant un sentiment de pensées cachées tourmentant les héroïnes. Le plan d’objectivité de Jenny Saville va plus loin et montre le corps féminin comme une carte de contour. Devant le visage du spectateur se trouve un corps qui délibérément ne correspond pas à l’image idéalisée traditionnelle.
La chose principale
Bien que dans les pays chrétiens le sujet de la Vierge à l’Enfant soit populaire parmi les artistes masculins, il faut supposer que les artistes sont capables de comprendre le thème plus profondément en raison de leur propre expérience ou de leur instinct naturel. La mère et l’enfant est l’un des rares thèmes que les artistes pouvaient utiliser dans leur travail à l’époque où Mary Cassatt a peint ce tableau.
Mère et l’enfant. Marie Cassette. vers 1905. Toile, huile. 92,1 × 73,7 cm, National Gallery of Art, Washington, États-Unis
Art abstrait
Malgré la croyance populaire selon laquelle Wassily Kandinsky était le pionnier de la peinture abstraite, il est maintenant généralement admis que Hilma af Klint a peint de cette manière dès 1906, cinq ans avant Kandinsky.
Acclamé comme portraitiste et paysagiste, Clint a travaillé comme dessinatrice dans un institut vétérinaire et a également créé des illustrations botaniques détaillées. Comme Kandinsky et Piet Mondrian, elle a été capturée par la Théosophie, le mouvement spirituel et philosophique fondé par Helena Blavatsky ; c’est d’ailleurs le premier mouvement religieux en Europe qui ne porte pas atteinte aux femmes. Après Clint, de nombreuses artistes féminines ont commencé à présenter une variété d’art abstrait, de la peinture et de la sculpture aux installations et aux projets conceptuels. Parmi les représentants du style figurent les expressionnistes abstraits Lee Krasner, Agnes Martin et Helen Frankenthaler, ainsi que l’artiste op art Bridget Riley.
The Family of Man, Barbara Hepworth : bronze • différentes hauteurs, le plus grand 276,9 cm Snape Maltings Art Complex, Suffolk, Royaume-Uni
Utilisant uniquement la peinture au début de son parcours créatif, Yayoi Kusama a commencé à expérimenter des œuvres abstraites dans différentes techniques avec des motifs répétitifs. Louise Nevelson a créé des sculptures de rue et de nouvelles pour son époque des structures murales monochromes monumentales en bois. Eva Hesse a travaillé dans la peinture abstraite, la sculpture et les installations, tandis que Barbara Hepworth s’est spécialisée dans les sculptures biomorphiques qui émergent avec précision de l’espace environnant.
La chose principale
Hilma af Klint avait 17 ans lorsqu’elle est arrivée à sa première séance. En 1905, elle déclare avoir entendu une voix lui dire : « Tu es ici pour proclamer une nouvelle philosophie de vie, et tu feras toi-même partie d’un nouveau royaume. Vos efforts porteront leurs fruits. » Entre novembre 1906 et mars 1907, elle peint une série de petites peintures abstraites intitulée Primitive Chaos.
Les dix plus grands, n° 7, maturité, groupe IV. Hilma de Klint. 1 907. Papier sur toile, détrempe. 315 × 235 cm Fondation Hilma af Klint, Stockholm, Suède
D’après le livre « Les principales femmes de l’histoire de l’art »
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