Eleeza, un livre d’art de l’artiste bien connue Eliza Ivanova, qui peint dans le genre du réalisme magique, a été publié au MIF. Eliza crée non seulement des peintures étonnantes, mais a également travaillé dans l’animation – sur Inside Out, Cars 2, Coco’s Secret. Nous partageons la classe de maître d’Eliza, qui s’appelle « Filigree and Butterflies ».
Eleeza
Filigrane et papillons
Dans ce didacticiel, je vais vous montrer comment masquer numériquement les marques de crayon afin que le spectateur doute que la peinture ait été réalisée de manière traditionnelle. De toutes les œuvres de ce livre, celle-ci utilise le plus le traitement numérique. Il montre comment obtenir une variété de résultats en utilisant les mêmes outils. Je suis un partisan de la créativité basée sur la prise de décision intelligente à l’aide d’un ensemble limité d’outils. Un excès de matériaux et d’outils conduit souvent à des résultats médiocres.
1. Début incertain
Je n’ai pas toujours une vision claire de ce que je veux dessiner, mais il y a une impulsion et une ambiance générale que je recherche.
Ici, je veux créer quelque chose d’exquis et de fantastique, en commençant par la tête de la figure. Les premiers traits ne sont pas aussi audacieux et confiants que prévu, donc avant de plonger dans les détails des lignes, je veux me débarrasser du flou douloureux et jouer avec le transfert de volume à l’aide d’ombres.
2. Définir le visage
Dès que je passe à l’ombre, tout se met en place. Je trouve le rythme que je recherche. Je puise l’inspiration et la confiance dans de bonnes références. Si je ne les avais pas, je recommencerais probablement. Je crois fermement que le résultat dépend de l’agrément du départ. Si ça me fait presque mal de peaufiner le dessin dans une certaine direction, je recommence tout ou le révise plus tard, avec un regard neuf. Pour finalement décider, je retourne le dessin et ne vois pas tout à fait les bonnes proportions dans les yeux (à savoir, la taille et l’angle d’inclinaison).
3. Construire une pose
Maintenant, après avoir commencé à travailler avec confiance sur le visage, je continue à dessiner la pose, en ajoutant le torse et les bras. Comme vous le verrez plus tard, je finis par effacer quelques lignes de marquage pour le bien de mon idée. Mais la base, basée sur une connaissance approfondie de l’anatomie, vous permet de prendre une telle décision de conception sans perdre l’intégrité et la plausibilité de la figure.
4. Éléments floraux
L’idée générale de la pièce commence à se dessiner dans ma tête : une figure qui est à la fois un jardin et un refuge pour les papillons. Il est donc temps d’ajouter des éléments floraux avec l’idée et la fondation à l’esprit. Cette partie se fait librement, à la main, et ne fournit pas de plan clair. Je travaille instinctivement, et si une zone commence à sembler trop lourde et détaillée, j’ajoute des embellissements ailleurs pour l’équilibrer.
5. Développement de concepts
Comme je l’ai mentionné, le dessin a commencé avec un sentiment, pas un concept. Je continue à dessiner et l’image s’éclaircit dans ma tête. C’est là que je commence à ajouter des éléments d’intrigue, tels que des papillons en papier (et divers insectes) qui utilisent la figure d’une fille et des fleurs comme jardin. Je veux que les insectes et les fleurs soient stylisés, et que le visage et les mains soient plus réalistes. Tout en esquissant ces éléments décoratifs, je commence à ombrer les bras et à donner plus de définition aux traits du visage.
6. Une étape importante de l’ombrage
Maintenant, je décide d’amener tous les détails à un stade relativement égal avec des hachures – les plumes de papier et un pinceau en silicone m’aident à affiner et à complexifier les ombres très rapidement. J’en profite pour dissiper les doutes sur ce qui doit rester et ce qui doit être supprimé. En conséquence, je me débarrasse de toute la zone située entre l’épaule gauche et l’avant-bras du personnage pour briser la composition. En attendant, j’ajoute du volume et des détails aux fleurs et papillons décoratifs.
7. Début du traitement numérique
Maintenant, je suis satisfait de l’apparence du dessin, donc je l’intègre dans Procreate pour commencer le traitement numérique. Comme d’habitude, je vais travailler sur les différentes zones séparément et donner à chacune son propre look, donc je vais les séparer en verrouillant chacune sur un calque de code couleur séparé. La couche supérieure est mon croquis en mode Multiplier.
8. Gamme de couleurs
Les calques sont prêts à être coloriés et je me mets immédiatement au travail. Tout d’abord, je choisis une palette de couleurs – une combinaison de tons pastel pêche avec du gris. Ce dernier correspond au concept de papillons en papier, et les couleurs pastel en sourdine ne surchargeront pas l’image et ne détourneront pas beaucoup l’attention de la figure. J’introduis du gris dans les ombres des fleurs et du visage. Plus tard dans le processus, j’ajouterai des tons de pêche aux papillons pour lier le tout.
9. Il n’est jamais trop tôt pour ajouter quelque chose de fantaisie
J’alterne souvent entre travailler à grands traits et m’immerger dans les détails. Cette impulsion n’est basée sur rien de particulier – juste mes préférences personnelles et mon désir de changer de type d’activité. Cela me donne aussi une idée du chemin parcouru. Ensuite, pour séparer les fleurs du reste de l’image, j’ai converti leurs lignes en un dégradé de bronze qui semble avoir été recouvert de papier d’aluminium, ce qui contraste avec l’éclairage tamisé du reste de l’image.
10. Ajouts décoratifs
Je veux ajouter un motif à la robe qui se compose de filigranes symétriques vintage qui n’étaient pas dans le dessin au crayon original. Pour ce faire, j’utilise la fonction de mise en miroir de Procreate et crée un ornement qui sera utilisé dans toute l’image. Bien que cette étape ne soit pas particulièrement intéressante d’un point de vue visuel, elle montre l’idée de créer un hybride de dessin graphique et numérique, et la frontière entre les deux est floue. En conséquence, ce sont les détails apparemment insignifiants qui sont importants.
11. Dessiner un ornement
L’ornement est créé, et je le copie et le colle plusieurs fois dans l’image d’origine, puis place les formes dans le sens où elles seront situées sur le produit.
lii. Je retourne la rangée du milieu pour changer un peu le motif. À ce stade, je ne coupe pas l’excédent qui dépasse les volants des manches, car je vais les déformer et imiter les plis de la robe. A ce stade je suis plus
J’adore la façon dont le processus de pensée s’éloigne du dessin vers diverses formes d’art, dans ce cas, pour créer des motifs et décorer des tissus. De plus, je peux introduire un certain scénario qui n’est pas si évident dans l’image, mais qui ajoute une couche supplémentaire de profondeur.
12. Déformer le motif
Cette étape est similaire au processus de sculpture avec l’ajout de texture à la surface. Je garde chaque élément du motif en filigrane sur un calque séparé pour une déformation plus précise. À l’aide de l’outil de chaîne dans Procreate, je façonne chaque filigrane pour suivre au plus près les plis et les courbes du tissu. À ce stade, certains des bords du motif sont encore hors du contour, mais s’ils sont arrondis sur les côtés et à l’arrière du bras, cela n’a pas d’importance. J’utilise la même technique tout au long de la robe.
13. Créer une broderie de soie
Lorsque le motif prend forme, en répétant les plis, je fusionne tous les calques en filigrane et duplique le calque global. Ensuite, j’ai réglé la luminosité de la couche supérieure au maximum pour qu’elle apparaisse d’un gris clair clair, presque blanc. À l’aide d’un pinceau rond doux comme gomme, je commence à enlever la couche supérieure partout où il y a de l’ombre, exposant la couleur gris foncé de la couche inférieure. Pour les plis nets, j’utilise une brosse à gomme dure. Maintenant, j’efface également les lignes supplémentaires à l’extérieur de la forme du volant. Les dégradés de gris doux créent un bel effet, semblable à l’éclat de la broderie de soie.
14. Proportions du visage
À ce stade, en comparant le visage peint au dessin original, je remarque que les proportions semblent différentes : le visage est trop petit par rapport à la tête. Cela se produit parfois lorsque vous passez d’une surface relativement plate avec un ombrage léger à un ombrage plus intense qui crée plus de volume. À l’aide de l’outil de sélection à main levée, je sépare soigneusement tous les calques du visage, y compris le dessin au crayon, et les regroupe. Je déforme ensuite très soigneusement les calques groupés pour obtenir les bonnes proportions sans trop de distorsion pouvant entraîner un flou. Avant de passer à l’étape finale, je règle la couche inférieure du motif en filigrane sur Multiplier afin qu’elle se marie mieux avec la palette de couleurs pêche de la robe, mais je ne change pas la teinte gris clair.
15. Touches finales
Cette étape est presque toujours associée à l’évaluation. Comme à l’étape précédente, j’ajoute les détails de texture de la décoration au-dessus de l’image entière et sur des calques séparés. Je peux activer et désactiver les calques pour voir si des détails supplémentaires sont nécessaires, s’ils surchargent la composition.
Enfin, j’ajoute des textures de surface pour mélanger le tout, en appliquant une sorte de plâtre numérique sur le dessin. La clé pour transformer une coloration pixel par pixel parfaite en une surface d’aspect naturel est le changement de texture.
Basé sur l’artbook d’Eleeza