Nous avons choisi des faits du livre « Le principal dans l’histoire de l’art russe ». A propos des premiers artistes, « une cabane sur des cuisses de poulet », des enfants en peinture et des foules qui courent.
Contes de fées
Les premières peintures consacrées à de vieilles légendes, chansons et contes de fées sont apparues dans les années 1870 et 80. Viktor Vasnetsov a écrit des toiles à grande échelle sur des sujets épiques et historiques, créant des images monumentales des héros de l’épopée russe – principalement des héros, des chevaliers et des princes.
L’essentiel dans l’histoire de l’art russe
Les membres du cercle d’Abramtsevo ont joué un rôle particulier dans la compréhension artistique de l’art populaire russe. Les artistes se sont rendus dans les villages et ont collecté des objets de l’antiquité russe, ont relancé les techniques artisanales traditionnelles et ont littéralement transformé un conte de fées en réalité: par exemple, à Abramtsevo, une « cabane sur cuisses de poulet » a été construite selon le projet de Viktor Vasnetsov.
Portrait de cérémonie
Les portraits d’apparat sont des peintures de grand format dans lesquelles le modèle est le plus souvent représenté en pleine croissance. En créant un portrait de cérémonie, l’artiste n’a pas cherché à transmettre la similitude visuelle exacte et l’état d’esprit d’une personne. La tâche principale était de montrer le statut social élevé, la noblesse et la grandeur de la personne représentée.
Pour souligner la monumentalité et la grandeur des modèles, les artistes ont utilisé une ligne d’horizon basse – comme si la figure dominait le spectateur, augmentant le sentiment de révérence pour une personne de haut rang.
Porcelaine
En Russie, la fascination pour la porcelaine a commencé sous Pierre Ier – peu de temps après sa visite en Saxe, où la première manufacture de porcelaine de Meissen a ouvert ses portes en 1710. À la demande de Peter, de grandes quantités de porcelaine chinoise et de Meissen ont été importées dans le pays; il est devenu à la mode parmi l’aristocratie d’en décorer l’intérieur de leurs maisons.
Enfants
Lors de la formation du genre du portrait profane au XVIIIe siècle, les premières images d’enfants apparaissent sur des toiles. Conformément aux traditions de l’époque, les artistes ont représenté l’enfant comme un « petit adulte » – dans la tenue et la pose appropriées. Seule une expression enjouée ou incertaine sur son visage faisait allusion au jeune âge du sujet.
L’idée de l’existence de l’enfance en tant que phénomène culturel distinct n’a pris forme qu’au tournant des XIXe et XXe siècles. Depuis lors, les artistes ont activement travaillé à la création d’illustrations pour des livres pour enfants et des productions de théâtre de marionnettes, ainsi qu’à représenter le monde particulier des bébés dans les peintures et les œuvres graphiques.
Éclisse
Lubok – des images folkloriques amusantes utilisées en Russie depuis le 17ème siècle. Les premières feuilles ont été créées par des artistes anonymes non professionnels utilisant des techniques de gravure sur bois ou de sculpture sur bois. La base de l’impression était la couche supérieure de bois de tilleul – liber, d’où le nom de ce type de graphisme de production.
Les imprimés populaires russes mélangent le sérieux et le drôle, l’ordinaire et le fabuleux, le sage et le stupide. On pense que les estampes populaires représentaient secrètement des événements modernes, mais leur signification originale n’est pas toujours claire. L’une des histoires les plus populaires jusqu’au milieu du 19ème siècle est « Comment les souris enterrent un chat ». Ses origines ne sont pas entièrement connues, mais, selon une version, il s’agit d’une parabole populaire qui a été utilisée comme satire de Pierre Ier.
Blende
La tromperie, ou trompe-l’œil (du français trompe-l’œil, illusion d’optique) est un type particulier de nature morte, dont la tâche est d’afficher les qualités matérielles d’un objet aussi précisément que possible. Les déceptions étaient des œuvres humoristiques. En règle générale, ils étaient placés sur un mur sans cadre afin qu’un spectateur sans méfiance essaie de saisir la chose peinte sur l’étagère peinte.
Paysage
La vision « italienne » du paysage était généralement acceptée dans la peinture russe jusqu’au milieu du XIXe siècle. Les artistes ont fait des croquis à partir de la nature, mais les images ont été créées en studio, constituant la composition la plus expressive. L’un des réformateurs du paysage était Fiodor Vasiliev – toujours basé sur des croquis, il peignait des vues non pas idéalisées, mais réalistes. Dans sa dernière œuvre, l’artiste a utilisé un format vertical inhabituel pour un paysage, dirigeant délibérément le regard du spectateur.
Femmes
Les premiers artistes qui ont travaillé dans l’Empire russe ont été invités d’Europe. Par exemple, Dorothea Maria Gzel, épouse de l’artiste de la cour de Pierre Ier, a créé des illustrations botaniques à l’aquarelle.
Les femmes n’étaient pas autorisées à dessiner nues, ce qui signifie qu’elles ne pouvaient pas étudier dans la classe de peinture historique et étaient principalement engagées dans des genres inférieurs – portrait, paysage et nature morte.
Avec le début du XXe siècle, l’avant-garde proclame un renouveau radical de l’art, et en même temps, l’attitude envers la figure du créateur change. En 1895, la princesse Maria Tenisheva a ouvert une école de dessin à Saint-Pétersbourg, qui a admis des étudiants des deux sexes. Beaucoup de ses diplômés sont devenus des artistes célèbres – par exemple, Ivan Bilibin, Mstislav Dobuzhinsky, ainsi que Zinaida Serebryakova.
Nu
Les œuvres du genre nu n’étaient pas répandues dans l’art russe jusqu’au tournant des XIXe et XXe siècles, et même dans les années 1910, elles étaient perçues de manière ambiguë par le public. L’une des œuvres les plus scandaleuses représentant un corps nu est le portrait d’Ida Rubinstein, réalisé par Valentin Serov. Le fait même que le célèbre danseur ait accepté de poser sans vêtements a déjà attiré une attention accrue. Le portrait a été critiqué pour le départ de l’artiste des canons classiques de représentation du corps féminin – la figure du modèle a été comparée à une sauterelle, ils l’ont qualifiée de mince et presque laide.
Circulation
Le motif du mouvement était le thème central du travail des cubo-futuristes russes dans les années 1910. Souvent, les artistes l’ont incarné en décrivant la dynamique d’une ville moderne – tramways pressés, lanternes lumineuses et foules en mouvement. Un autre moyen durable de leur peinture était le feu, détruisant l’ancien et faisant place au nouveau. Olga Rozanova a utilisé ce motif d’une catastrophe purificatrice et a atteint un sens d’un cycle de mouvement à travers des formes fragmentaires, la duplication des figures et des distorsions de perspective.
Couverture : pexels
Basé sur le livre « L’essentiel dans l’histoire de l’art russe »
Les images sont prises d’ici :
1. Wikimedia Commons / Musée d’État russe ;
2. Wikimedia Commons / Galerie nationale Tretiakov ;
3. Wikimedia Commons / Musée d’État russe ;
4. Rusmuseumvrm / Musée d’État russe ;
5. Wikimedia Commons / M. Yu. Lermontov State Museum-Reserve ;
6. Petroart / Musée-Domaine « Musée d’État de la céramique et domaine de Kuskovo du XVIIIe siècle » ;
7. Wikimedia / Galerie nationale Tretiakov ;
8. Wikimedia Commons / Galerie nationale Tretiakov ;
9. Wikimedia Commons / Musée d’État russe ;
10. Wikimedia Commons / Galerie nationale de la République des Komis.