En 1963, Alma Thomas entreprend de bouleverser Henri Matisse. Deux ans auparavant, en 1961, elle assiste à une exposition des gouaches de fin de carrière d’Henri Matisse au Museum of Modern Art de New York. Là, elle a vu L’escargot (1952-1953), dans lequel des carrés de papier coloré coupés-collés sont disposés en forme de spirale, faisant allusion de manière abstraite à un gastéropode sans jamais le montrer clairement.
Thomas s’est mis au travail, recréant efficacement l’emblématique gouache Matisse avec une touche. Sa version, intitulée Watusi (Bord dur), contient également un fouillis de rectangles, de losanges et de carrés. Regardez bien, cependant, et vous vous rendez compte que Thomas a fait pivoter la composition de Matisse de 90 degrés. Le médium a changé, de la gouache à l’acrylique sur toile, et sans doute, le sujet a changé aussi. A en juger par le titre de Thomas, l’œuvre ne fait plus référence à un animal. Maintenant, cela peut rappeler un style de danse populaire dans les années 60 dont le nom vient du peuple Tutsi en Afrique.
Il y a souvent plus qu’il n’y paraît dans l’art de Thomas, comme Watusi (Bord dur) suggère. Elle apparaît aux côtés des œuvres les plus connues de Thomas, ses abstractions lumineuses et colorées, dans une enquête itinérante consacrée à l’artiste. L’exposition est maintenant présentée au Chrysler Museum of Art de Norfolk, en Virginie, qui l’a co-organisée avec le Columbus Museum en Géorgie. (Organisé par Jonathan Frederick Walz et Seth Feman, il est également prévu de se rendre dans cette dernière institution, la Phillips Collection à Washington, DC, et le Frist Art Museum à Nashville au cours de l’année prochaine.) L’exposition offre la preuve que les abstractions de Thomas fournissent de précieux un aperçu de ce que cela signifiait pour elle, en tant que femme noire, d’adopter un mode largement dominé par les hommes blancs. Il expose également des parties inédites de son œuvre, notamment ses marionnettes et ses créations de mode.
Ci-dessous, un aperçu de la vie et de l’art de Thomas.
Musée d’art de Hood
Le but de Thomas avait souvent été d’atteindre la beauté.
Tout au long de sa carrière, Thomas a clairement indiqué qu’elle s’efforçait toujours de créer des images agréables à l’œil. « À travers la couleur, j’ai cherché à me concentrer sur la beauté et le bonheur, plutôt que sur l’inhumanité de l’homme envers l’homme », a-t-elle dit un jour. Ses œuvres des années 60 et 70, réalisées après sa retraite en tant qu’enseignante, présentent souvent des tableaux éblouissants de traits acryliques bleus, rouges, verts et violets. Elle a appelé ces traits « les rayures d’Alma ». En règle générale, il y a des espaces vides entre eux qui permettent à la toile de jeter un coup d’œil. Parfois, ces traits sont disposés en lignes verticales qui les font apparaître comme des feuilles tombantes ou des fleurs suspendues; d’autres fois, ils sont composés de cercles concentriques. Pour obtenir un style aussi remarquable, elle s’est familiarisée avec les théories des couleurs de l’artiste du Bauhaus Johannes Itten.
Ces peintures éblouissantes faisaient souvent allusion au propre jardin de Thomas, qui regorgeait de fleurs. Sa peinture de 1968-1970 Le jardin d’Alma présente des échantillons carrés de bleu profond et de jaune doré qui ressemblent à des tesselles dans une mosaïque. (Au milieu d’une vague de cession à l’ère de Covid, il a été vendu de manière controversée par le Greenville County Museum of Art plus tôt cette année pour 2,8 millions de dollars, générant un nouveau record pour Thomas.) Pour certains, un style aussi agréable semblait en décalage avec le moment où la peinture a été réalisée, un moment où des cas de violence anti-noirs faisaient la une des journaux et suscitaient des protestations à travers le pays. Alors qu’elle créait ses peintures lumineuses dans sa propre maison de Washington, DC, pas dans un studio dédié, mais dans sa cuisine, il y avait pratiquement des protestations à sa porte. Elle avait assisté à la Marche sur Washington pour l’emploi et la liberté en 1963 et en avait peint une image, mais pour la plupart, son travail ne faisait pas grand-chose pour décrire explicitement les tensions de l’époque et la lutte pour les droits civiques.
Thomas, pour sa part, n’aimait pas l’étiquette d’« artiste noir », disant simplement : « Je suis peintre. Je suis un Américain. » Comme le dit la conservatrice Tiffany E. Barber dans le catalogue de l’enquête Thomas en cours : « Elle s’est efforcée de donner à son travail un sens au-delà des contraintes raciales et de genre. Ce faisant, elle a défié la singularité de la race.
Alma W. Thomas Papers, Musée Colomb
L’art a toujours fait partie de la vie de Thomas.
Beaucoup ont souvent supposé que Thomas était devenue une artiste principalement dans les dernières étapes de sa carrière, après avoir pris sa retraite en tant que professeur d’art au lycée en 1960 après un mandat de 35 ans. Bien qu’elle ait produit ses œuvres les plus célèbres dans les années qui ont suivi sa sortie de la Shaw Junior High School, jusqu’à sa mort en 1978, Thomas a toujours travaillé pour devenir une artiste à temps plein. Comme Seth Freman, l’un des conservateurs de l’enquête, l’écrit dans le catalogue : « À chaque coup de pinceau sur la toile, Thomas enracinait son art dans l’ordre physique des choses, et elle tenait ensemble la matière quotidienne et artistique jusqu’à la toute fin. «
Alma Woodsey Thomas est née à Columbus, en Géorgie, en 1891. Sa famille était la rare famille noire vivant dans le quartier bourgeois de Rose Hill. À 15 ans, au milieu de la menace persistante du racisme, Thomas et sa famille ont déménagé à Washington, DC, où elle a pu suivre des cours d’art pour la première fois. Elle a comparé ces cours à un sanctuaire, affirmant qu’ils étaient « juste là où j’appartenais ». Elle a ensuite fréquenté l’Université Howard, où elle a été convaincue par l’artiste James V. Herring, le professeur qui a fondé le département d’art de l’institution, de changer sa majeure de l’économie domestique à l’art. Elle a été la première femme à obtenir un diplôme en art de Howard. Plus tard, dans les années 50, elle a suivi des cours d’études supérieures en art à l’American University.
Howard a continué à occuper un rôle central dans la vie de Thomas jusqu’à la fin. En 1966, l’école a organisé une rétrospective de Thomas, approfondissant son admiration de la communauté dynamique de l’université légendaire. Et quand elle est décédée, son service commémoratif a eu lieu à Howard. « Howard University est restée toujours et pour toujours au centre de son univers », écrit la chercheuse Rebecca VanDiver.
Musée national de l’air et de l’espace Smithsonian
Il y a eu une poussée récente pour reconnaître les contributions de Thomas à l’histoire de l’art.
« À 77 ans, elle est arrivée au Whitney », lisait le New York Times titre pour un profil 1972 de Thomas. L’occasion était joyeuse : Thomas avait une exposition personnelle au Whitney Museum de New York, la première femme noire à le faire. (Cependant, tout le monde n’était pas content – la Whitney a été accusée par des groupes d’activistes comme la Black Emergency Cultural Coalition selon laquelle elle symbolisait quelques artistes noirs sélectionnés pour masquer un manque de progrès dans les coulisses.) « Qui aurait jamais rêvé que quelqu’un comme moi j’arriverais au Whitney à New York ? dit Thomas.
Thomas est souvent considéré comme une redécouverte, bien qu’il soit difficile de dire qu’elle s’en soit jamais complètement éloignée. Elle est apparue dans le collage de la regrettée artiste Mary Beth Edelson Quelques femmes artistes vivantes (1972), une image de la Dernière Cène dans laquelle des femmes artistes remplacent Jésus et ses apôtres, et elle était apparue dans l’enquête phare de David C. Driskell au Los Angeles County Museum of Art « Two Centuries of Black American Art ». Elle a été considérée comme une héroïne par des générations d’artistes.
Pourtant, il ne fait aucun doute que le travail de Thomas a eu plus de visibilité à l’échelle nationale maintenant que jamais auparavant. En 2015, les Obama ont accroché un tableau de Thomas, Résurrection (1966) dans la salle à manger de la Maison Blanche. (Acquis cette année-là, il s’agit de la première œuvre d’art d’une femme afro-américaine à entrer dans la collection de la Maison Blanche.) En 2016, Skidmore College et le Studio Museum de Harlem ont organisé une enquête Thomas acclamée. En 2019, lorsque le Musée d’art moderne a réorganisé sa collection, un tableau de Thomas était niché parmi certaines des œuvres les plus célèbres de Matisse.
Musée d’art américain Smithsonian
La plus grande œuvre de Thomas est peut-être une abstraction de 13 pieds de long.
Bien que les œuvres de Thomas soient toujours frappantes, même à une échelle modeste, l’artiste a eu envie de rêver plus grand. Souvent considérée comme membre de la Washington Color School, Thomas aspirait à travailler comme son collègue Sam Gilliam, dont les toiles tachées dominent le spectateur et prennent souvent des qualités sculpturales. Dans ses dernières années, sa santé l’en empêchait. « Je voudrais faire [my] des toiles plus grandes, comme celle de Sam Gilliam », a-t-elle dit un jour, « mais mon arthrite est si grave que je ne peux pas monter sur mon échelle. »
Cela n’allait pas l’empêcher d’essayer, cependant. En 1976, elle réalise son œuvre la plus ambitieuse, une peinture de 13 pieds de long intitulée Azaleas rouges chantant et dansant la musique rock and roll. (Il appartient maintenant au Smithsonian American Art Museum, qui détient les plus grandes collections de peintures de Thomas de toutes les institutions au monde.) Fabriqué avec des matériaux achetés pour elle par Gilliam, une artiste de plusieurs générations sa cadette, cette peinture est composée de trois toiles, chacune bordée de formes rouge orangé. Les formes colorées sont disposées en motifs dentelés et arqués, ce qui les fait sembler bouger sous nos yeux.
Quand il a fait ses débuts en 1976 à la Martha Jackson Gallery de New York, les critiques ont été terrassées. Thomas elle-même l’était aussi. « Voyez-vous ce tableau ? » elle a dit une fois de Azalées rouges. «Regardez-le bouger. C’est de l’énergie et c’est moi qui l’ai mise là. . . . Je transforme l’énergie avec mes vieux membres.
Correction, 23/07/21, 19h45 : Une version précédente de cet article a mal indiqué le nom du co-organisateur de l’émission. C’est le Columbus Museum en Géorgie, pas le Columbus Museum of Art en Ohio. De plus, une citation de Stanley Whitney attribuée à tort à Thomas a été supprimée de cet article.