Comme « An Exposed Nervous System », le Whitney Show d’Ilana Savdie capture la peur collective

Si vous souhaitez vous connecter sur un barrage de nouvelles désobligeantes et un sentiment général de tumulte, ne cherchez pas plus loin que les peintures et les œuvres sur papier de l’exposition « Radical Contradictions » d’Ilana Savdie au Whitney Museum of American Art à New York. Ayant grandi entre Barranquilla, en Colombie et Miami, en Floride, les tableaux électrisants de Savdie reprennent le moment présent, tout en continuant à mettre en lumière les thèmes du carnaval et du grotesque. Alors que les États-Unis ont vu le renversement de Roe v. Wade et de la législation anti-LGBTQIA +, les travaux reprennent la dynamique du pouvoir, oscillant quelque part entre un rêve fantastique et un paysage infernal. Ici, Savdie explique comment les œuvres se sont réunies, y compris sa pratique en studio et son inspiration environnementale.

Comment avez-vous procédé pour choisir les œuvres de l’exposition ?

À l’origine, j’ai commencé avec l’idée de créer quelques nouvelles œuvres et principalement d’avoir des pièces en prêt, car l’exposition est une enquête continue sur des thèmes avec lesquels j’ai travaillé. Mais j’ai commencé à réaliser qu’il y avait une légère variation et que quelque chose de nouveau se produisait. J’ai décidé de le laisser couler et j’ai fini par faire toutes les nouvelles œuvres pour le spectacle en quelques mois.

Les nouvelles œuvres continuent d’approfondir les manières dont les structures de pouvoir peuvent être résistées, transgressées et démantelées. Nous avons ressenti collectivement un mouvement rapide et solidaire qui a imprégné ce travail. J’ai conceptualisé ce spectacle tel que je le faisais en réponse aux vibrations de notre psychisme collectif.

En quoi voyez-vous ces nouvelles œuvres comme différentes des précédentes ?

Ils traitent toujours des thèmes de la radicalisation à travers les pouvoirs transformateurs de la performance, mais cette sorte de résistance à la lisibilité est devenue un peu plus forte. Il y a une force plus concentrée constamment en jeu qui ressemble à une réponse à une menace immédiate. Il y a une réponse corporelle plus urgente à la façon dont les formes bougent dans cette œuvre.

Comment avez-vous conçu ce spectacle ?

Je commence généralement par des croquis approximatifs. Parfois, ils se concentrent davantage sur la forme et d’autres fois, ils sont plus concentrés sur un moment de tension spécifique. Certains sont plus figuratifs, tandis que d’autres sont plus d’une forme générale. À partir de là, j’ai tendance à les transformer en œuvres sur papier.

C’est là que les choses commencent à devenir plus intéressantes alors que je réfléchis à la création de marques et à des moments où les formes se rejoignent et se dissolvent dans la suivante. Il y a une sorte de chorégraphie que je retrouve dans ces œuvres. Ils sont généralement monochromes et je n’ai pas tendance à les finir. Une fois que j’ai pris des décisions générales qui, je pense, me mèneront à la peinture, je transforme ces œuvres en croquis numériques où je dois ensuite réfléchir à la couleur.

Dans ces croquis numériques, je colle dans mes images de référence. Je conceptualise le travail en faisant intervenir des images du monde, comme un plan de ce que seront les peintures. Les œuvres sur papier et les peintures sont terminées séparément. Les peintures consistent généralement davantage à répondre à la matérialité du support, bien que je fasse généralement correspondre les couleurs sur un écran, ce qui peut créer une sorte de planéité dans les peintures. L’utilisation d’un ensemble d’outils différents m’a aidé à inventer mon propre monde. Il y a beaucoup plus de décisions basées sur le processus dans les peintures que dans les œuvres sur papier.

C’est intéressant d’avoir une meilleure idée de votre processus car même si les peintures ont cette planéité, elles sont aussi assez tactiles.

Je suis vraiment intéressé par le fait que plusieurs choses qui ne sont pas censées coexister ensemble dans les œuvres. Les conditions d’éclairage variées, par exemple, découlent de mes recherches sur la photographie microscopique d’organismes tels que les parasites. Lorsque je colle tous ces éléments disparates dans les esquisses numériques, ces différents ensembles de conditions sont intégrés à l’œuvre.

Oui, vous puisez dans une gamme de sources environnementales. Comment cela a-t-il influencé votre travail ?

Cette réponse est toujours changeante car elle est tellement subjective pour chaque pièce et à tout moment donné. Mais beaucoup d’œuvres abordent vraiment la façon dont nous affrontons les monstruosités de l’être humain. Ce qui m’intéresse, c’est d’induire un sentiment d’étrangeté dans ce travail et cette théâtralité en ce qui concerne le carnavalesque. Les œuvres traitent de cette libération des pulsions et de cette inversion des normes sociales, où la distorsion et le grotesque existent comme formes de dérision. Je viens de Baranquilla, en Colombie, qui abrite l’un des plus grands carnavals du monde. J’ai grandi entouré par le carnaval et, bien que chacun ait des thèmes qui se chevauchent, ceux d’Amérique latine sont venus répondre à la colonisation. Cela a amené un tout autre type de conversation au carnaval autour de la mort, de l’horreur et de la résistance. Ce sont également des aspects imminents et inspirants dans mon travail.

Il y a une qualité dans les œuvres qui est à la fois séduisante et écoeurante – ces palettes de couleurs flamboyantes et ces moments de tension et de libération qui sont en jeu.

La couleur est devenue pour moi un moyen intéressant d’inciter un spectateur à regarder quelque chose qu’il ne recherche peut-être pas tout à fait ou qu’il ne s’attend pas à regarder. Il se situe dans l’espace de l’étrange où quelque chose est à la fois familier et inconnu et n’a jamais tout à fait résolu. Il y a une agence et un pouvoir dans la capacité de fournir un sentiment de désir et de nostalgie qui ne peut jamais être résolu. Ces sentiments sont induits à la fois par tant d’excès et de manque. Cela conduit à beaucoup de décisions formelles dans les peintures.

Comment voyez-vous cela par rapport au moment présent ?

Nous sommes à un moment — et nous avons été à ce moment — où nous savons qu’il y a une menace sous-jacente. Il y a un plan en jeu par des gens avec des intentions qui ne sont pas bienveillantes. Il y a eu tellement d’attaques contre des groupes de personnes marginalisés qui forment une sorte d’étranglement. Tous les signes pointent vers une menace imminente qui n’est plus imminente parce qu’elle est là. Il a enroulé ses tentacules autour de nous. Il y a eu des attaques contre à peu près tous les groupes qui pourraient potentiellement se rassembler pour étendre le potentiel de ce pays et du peuple, ce qui constitue une menace pour ceux qui occupent des postes de pouvoir.

Nous vivons à une époque de terreur et d’anxiété collectives quant à la direction que prennent les choses politiquement, écologiquement, socio-économiquement, et il y a de l’épuisement dans la psyché collective. Nous luttons tous pour trouver un espace de vulnérabilité dans notre rage. J’ai canalisé cela dans la peinture. En studio, je suis un système nerveux exposé et ça ressort dans ce travail. Mais nous vivons tous une sorte d’épuisement similaire. Et j’espère que je pourrai connecter le mien au vôtre à travers le travail.

Il y a une sorte d’enchevêtrement et une incapacité à résoudre un seul formulaire du début à la fin. Chaque pièce est toujours en quelque sorte dans un état de devenir, dans un état de flux, dans un état de croissance et de changement de forme qui témoigne d’une manière très tumultueuse d’exister.

« Radical Contradictions » est visible au Whitney Museum jusqu’au 29 octobre 2023.