Carrie Yamaoka ne veut pas que son art défiant les catégories devienne une autre « opportunité de selfie »

Carrie Yamaoka ne sait toujours pas exactement comment décrire son art défiant les catégories. Près de trois décennies après le début de sa carrière, l’artiste américano-japonaise, qui a reçu une bourse Guggenheim en 2019, a continué à produire des œuvres qui brouillent les frontières entre sculpture, photographie et peinture.

« Je ne suis pas intéressée par la perfection de la surface parfaitement brillante et polie », a-t-elle déclaré. 1200artists.com dans un récent appel Zoom de Paris, où elle installe une exposition d’œuvres du collectif d’art queer féroce chatte qui ouvre ce mois-ci au Palais de Tokyo. « Je m’intéresse plus à cette dynamique entre l’objet et le spectateur et à ce que le spectateur fait de l’objet à travers sa rencontre avec lui. L’erreur et le défaut et les traces et les résidus d’erreurs sont peut-être des choses qui m’intéressent.

Depuis 1995, Yamaoka utilise des matériaux comme le mylar réfléchissant, le vinyle, la résine et le bois pour créer des œuvres abstraites contemplatives et réfléchissantes qui jouent intentionnellement avec la lumière et l’ombre. Son intérêt de longue date pour ces matériaux et procédés — ainsi que les réactions chimiques qui se déroulent au fil du temps et son rejet de la perfection — sont au centre de son exposition actuelle à la galerie Commonwealth and Council à Los Angeles, Les objets dans le miroir sont plus proches qu’ils ne le paraissent, qui est visible jusqu’en février. Plusieurs œuvres seront également présentées à la foire d’art Frieze Los Angeles cette semaine.

Le titre de l’émission vient de la phrase que l’on retrouve sur les rétroviseurs des voitures et des camions. Yamaoka a déclaré qu’elle était fascinée par la façon dont le « casse-tête » contredit la perception du spectateur et la manière dont il confère une agence à ceux qui interagissent avec son travail.

« Ils font l’image », a-t-elle déclaré. « Je ne fais que mettre en place la situation pour qu’ils créent constamment une image qui change constamment, qui est toujours éphémère, à laquelle ils ne peuvent jamais vraiment s’accrocher. »

Yamaoka a créé plus de la moitié des œuvres de l’exposition en repensant et en retravaillant des pièces antérieures qui se trouvaient dans une zone « purgatoire » de son studio, qu’elle traite comme un laboratoire. Souvent, elle transformera une pièce par la destruction, la reconfiguration ou d’autres méthodes.

« Maintenant, cela ne correspond plus à mon protocole ou à ma pratique, car soit j’ai l’impression que c’est trop vide, soit que c’est un peu trop vierge », a-t-elle déclaré dans l’article le plus ancien. « Maintenant, j’accueille les accidents, les erreurs et les défauts bien plus chaleureusement qu’il y a, disons, vingt ans, quand je voulais que tout cela soit vidé et à peine présent dans mon travail. »

Kibum Kim, copropriétaire de la galerie, a déclaré que l’approche vivante et continue de Yamaoka de son travail précédent, dont certains dataient du début des années 2000, était particulièrement convaincante.

« Le fait que l’artiste elle-même soit revenue et ait retravaillé certaines de ces pièces ressemblait à une façon poignante de marquer le temps de quelque chose qu’elle faisait depuis près de trois décennies », a-t-il déclaré. 1200artists.com.

Une des pièces retravaillées, 68 par 32 (dépouillé), utilise du mylar fragmenté pour déformer l’expérience visuelle du spectateur. Yamaoka a déclaré qu’elle avait délibérément choisi de contrecarrer le désir du spectateur d’être reflété. « Rien que vous voyez ne représente où vous êtes et qui vous êtes », a-t-elle déclaré.

La manière dont le travail de Yamaoka est interactif, réfléchi et en constante évolution est très différente des spectacles invitant à l’autoportrait associés à des artistes comme Jeff Koons et Anish Kapoor. Que Yamaoka ait commencé à faire ces œuvres en 1995, alors que la communauté queer était encore aux prises avec les pertes dues à l’épidémie de sida, n’est pas une coïncidence, a déclaré Kim.

« Elle veut créer des œuvres d’art qui rejettent par nature la création d’images, les mots ou le langage », a-t-il expliqué. « Le fait qu’ils soient en quelque sorte en constante évolution, nous reflétant ce qui se passe maintenant, il y a là aussi un avantage politique très fort. »

En fait, Yamaoka considère les photographies de son travail comme « une sorte d’échec » car elles ne capturent qu’un moment particulier dans un site particulier sous un angle particulier.

Quand Yamaoka a appris qu’une partie de la sienne était exposée dans le cadre de l’exposition collective du MoMA PS1 en 2015 Grand New York était l’œuvre la plus photographiée de l’exposition, elle était légèrement horrifiée. Cela a également provoqué un changement dans son travail.

« Je veux rendre les choses un peu plus compliquées pour le spectateur, plutôt que de simplement présenter une opportunité de selfie », a déclaré Yamaoka. « C’est un équilibre difficile, en fait, pour y parvenir. J’ai l’impression que mon travail est résolument impliqué dans la matérialité et la présence et les préoccupations formelles réelles qui ont à voir avec le processus et les choses concrètes dans le monde.

En plus de son travail au Commonwealth and Council et Frieze LA, Yamaoka a également actuellement une exposition personnelle à la Ezra and Cecile Zilkha Gallery de l’Université Wesleyan, Voir c’est oublier et se souvenir et oublier encoreà l’affiche jusqu’au 5 mars. Elle participe également à Exposéune exposition à venir sur ce que l’épidémie de sida a fait aux artistes au Palais de Tokyo à Paris (17 février – 14 mai) à travers un nouveau chapitre du projet bras avide aeon: Nancy Brooks Brody/ Joy Episalla/ Zoe Leonard/ Carrie Yamaoka: chatte féroce amplifiée.

Il y a beaucoup d’endroits où se trouver à la fois, mais Yamaoka a déclaré qu’elle avait décidé il y a six mois de dire oui plus souvent et de voir ce qui se passerait. À ce stade de sa carrière, Yamaoka estime qu’elle a suffisamment d’expérience et de confiance en sa capacité à continuer à découvrir de nouvelles choses, même sous une pression supplémentaire.

« En fin de compte, ce que j’aime dans le studio, c’est d’être surpris. »