Ania Hobson est une artiste portraitiste basée dans le Suffolk dont le travail est exposé dans le monde entier. Elle est diplômée en beaux-arts et a également étudié à la Princes Drawing School et à la Florence Academy of Art. En 2018, elle a remporté le BP Young Portrait Artist of the Year et ne cesse de se renforcer grâce à sa reconnaissance internationale. Lisez la suite pour en savoir plus sur sa pratique!
Salut Ania, merci beaucoup d’avoir pris un peu de votre emploi du temps chargé pour discuter avec nous. Tout d’abord, qu’est-ce qui vous a poussé à devenir artiste ?
Ce qui m’a inspiré à devenir artiste, c’est que dès mon plus jeune âge, les gens semblaient aimer mon travail et m’ont demandé de faire des peintures pour eux assez tôt – ce qui m’a amené à penser que c’était quelque chose que je pouvais aller plus loin. Être peintre a toujours été considéré comme quelque chose qui n’allait jamais être facile ou financièrement stable. J’ai trouvé ces défis enrichissants, ce fut un voyage énorme avec beaucoup de hauts et de bas, mais cela fait partie de votre carrière et se développe dans votre travail.
Lorsque nous regardons votre travail, une chose qui ressort vraiment est qu’il a une esthétique si unique, chaque pièce est immédiatement identifiable comme une Ania Hobson. Vous avez la capacité de créer un style qui contient des éléments traditionnels et contemporains. Pourriez-vous nous en parler et comment vous avez développé votre style distinctif ?
Mon style semble s’être développé naturellement à travers des recherches et de nombreuses visites de galeries au fil des ans. Je n’ai jamais voulu être considéré comme un peintre traditionnel, mais si vous allez travailler avec des portraits et des œuvres figuratives, vous vous retrouverez inévitablement à regarder les maîtres anciens, par exemple, j’ai été massivement inspiré par Paula Rego, Alice Neel, Toulouse Lautrec et Otto Dix. Mon style s’est développé au fil du temps et les changements n’ont jamais été un processus forcé mais je pense avoir trouvé mon style après une période de ‘painters block’. J’ai pris du recul et pris un mois de congé de la peinture, et à la place j’ai regardé des documentaires d’artistes et visité des expositions pour me donner du temps pour me réadapter et laisser ma tête respirer et une fois de retour à la peinture, j’ai senti que j’avais trouvé mon style qui correspondait à ma main très confortablement.
Une autre caractéristique largement distinctive de votre travail est la manière spécifique dont vous dépeignez l’émotion. Pas de sourires, ni froncements de sourcils, vos peintures sont relativement dépourvues d’émotion. Pourriez-vous nous parler de cela et de votre relation avec les sujets que vous utilisez ?
Peindre un sourire ne laisse vraiment pas grand-chose à l’imagination, c’est une émotion que nous pouvons tous lire. Ne pas sourire peut signifier beaucoup de choses, ce qui amène toujours les gens à dire des choses comme « à quoi pensez-vous ? » cela ne signifie pas nécessairement que vous êtes triste ou en colère, cela peut être n’importe quoi, c’est plus interne et secret et cela donne aux spectateurs une idée de votre peinture et de la façon dont ils aimeraient y lire. Peut-être que cela fait aussi plus d’histoire?
C’est une belle façon d’impliquer les téléspectateurs dans votre travail et de les laisser en faire partie. Je peins toujours les personnes les plus proches de moi, être à l’aise avec ses muses est vraiment important et cela crée plus de fluidité dans votre travail car il y a moins de pression.
Quels matériaux utilisez-vous et pourquoi sont-ils importants pour votre pratique ?
J’étire mes propres toiles et pré-fabrique toutes mes carnations en tubes. Je travaille assez vite et je trouve que cela prend beaucoup de temps de s’asseoir et de mélanger toutes les couleurs avant de commencer à travailler sur la toile, donc je préfère les avoir déjà faites. Lorsque je peins, j’aime utiliser des pinceaux à poils de porc car je travaille avec de la peinture épaisse et ils se prêtent vraiment à conserver la texture et les marques de pinceau. J’ai du mal à garder mes pinceaux propres, mais je préfère les utiliser de cette façon car avec le temps, ils deviennent un peu plus durs et je trouve que cela ajoute à la marque.
Comment avez-vous vécu vos expériences à la Princes Drawing School et à la Florence Academy of Art ?
Mon expérience a été très bonne dans les deux écoles. J’ai suivi les cours de courte durée car l’enseignement de la technique est plus intensif. C’est fatiguant, mais à la fin, je savais quelles couleurs utiliser pour créer des tons de peau et expérimenter les tons froids et chauds du visage. Être à Florence a été la meilleure expérience car vous êtes plongé dans une belle ville avec pas toutes les peintures de la Renaissance et une belle architecture. J’utilise encore ces techniques aujourd’hui et je suis vraiment reconnaissant d’avoir suivi ces excellents cours.
Votre studio dans le Suffolk ressemble à un merveilleux centre créatif. Pouvez-vous nous en parler et pourquoi c’est important pour vous ?
J’apprécie vraiment mon studio, j’ai l’habitude de travailler à domicile mais je pense qu’il est important d’avoir un espace qui vous est propre et loin de toute distraction. Il a un très haut plafond et un sol carrelé en damier avec beaucoup de lumière traversant le toit et les fenêtres. Vous devez être impatient d’aller travailler et cela me met définitivement dans le bon état d’esprit pour peindre.
Parlez-nous un peu de vos habitudes de studio du tout, comment trouvez-vous un état qui vous permette de produire votre travail ?
J’aime me sentir détendu quand je peins, se sentir sous pression ou tendu peut vraiment affecter mon travail et même commencer à se voir dans la peinture. Parfois, j’écoute de la musique ou même des podcasts. Une fois en studio, je me sens généralement détendu car c’est mon propre espace avec toutes mes idées qui flottent et tout ce que j’ai créé m’entoure. C’est votre propre monde dans cet espace et celui qui est sous votre propre contrôle.
De nos jours où nous sommes inondés de distractions, il est peut-être plus difficile que jamais de se déconnecter et de se concentrer uniquement sur votre production créative. Auriez-vous des conseils pour quelqu’un qui a du mal à trouver cet état de flux ?
Il est difficile de se tenir à l’écart des distractions, mais je trouve qu’avoir quelques idées que vous voulez vraiment diffuser me suffit, j’ai besoin d’être excité par ce que je produis et naturellement cela me gardera concentré. Ma peinture est mon métier, je suis à plein temps donc je dois me former et me créer des délais. Prendre un jour de congé est toujours important, cela me permet de réfléchir à mon travail et cela me donne hâte de retourner au studio.
Vous vous sentez inspiré ?
Vous pouvez voir plus de travail d’Ania sur son site Web et assurez-vous de la suivre sur Instagram.