L’artiste Kelly Kruse utilise son travail pour explorer la douloureuse et belle expérience de l’éphémère, du désir et de la souffrance humaine. Elle a développé une pratique de dévotion visuelle en réponse à sa lutte contre la dépression, à travers laquelle elle lutte avec la beauté, l’histoire et la théologie. Kelly décrit son travail comme une illumination contemporaine. Comme les moines médiévaux qui ont perfectionné l’art des manuscrits enluminés, elle cherche à éveiller chez le spectateur un sentiment de contemplation spirituelle. Sa première exposition à l’idée de l’illumination est venue lorsqu’elle a étudié la musique médiévale et de la Renaissance en Italie. Sa formation en musique classique et en opéra la place dans une position unique pour explorer les intersections entre les écritures, la poésie, les œuvres musicales et les arts visuels.
Elle a exposé son travail dans des galeries et des institutions à travers le pays et son travail est présenté dans des collections du monde entier. En plus de sa pratique de la peinture, Kelly est une musicienne classique active et tient un studio privé en tant que membre de l’Association nationale des professeurs de chant.
Déclaration de l’artiste
Depuis le début de ma pratique artistique, j’ai utilisé mon travail pour réfléchir sur le désir et la souffrance. Mon travail a commencé comme une réponse à ma lutte contre la dépression. Que nous souffrions implique que nous existons dans un état de fragilité. Si nous n’étions pas vulnérables, nous ne pourrions pas souffrir. Inspiré des manuscrits enluminés, j’ai choisi la feuille d’or comme partie intégrante de ma pratique d’atelier depuis le début. En plus d’être un hommage aux illuminateurs du passé, la fragilité du matériau m’attire presque autant que sa délicatesse et sa luminescence. La feuille est irrévocablement changée au fur et à mesure que des couches d’encre sont posées dessus – parfois abîmées, parfois transformées. La présence d’obscurité et de lumière dans toutes mes œuvres est vitale pour ma pratique. Je ne peux m’empêcher de penser à la façon dont Dieu, tel que décrit dans Exode 33:20, sur le visage duquel personne ne peut regarder sans mourir, s’est voilé dans une chair fragile pour conquérir dans la Gloire. Et il l’a fait à travers la souffrance, en étant changé, et il nous invite à vivre la même chose. La physicalité du processus d’incorporation de la feuille d’or dans chaque œuvre est une sorte de méditation prolongée sur la fragilité, la beauté, la transformation et la gloire.
Je suis attirée par la non-représentation parce que je crois que les réalités spirituelles invisibles du monde sont aussi réelles que les choses que nous pouvons voir et toucher. En éliminant les objets que je peux catégoriser, l’invisible se voit conférer une sorte de présence visuelle. Je suis convaincu que la réalité spirituelle constitue un monde riche, vital pour notre plénitude humaine, j’éclaire pour imaginer les profondeurs sans mesure de la création, pour y pénétrer et pour y inviter les autres. Faire de l’art non figuratif me permet de m’engager dans l’émerveillement des matériaux eux-mêmes, de découvrir ce qu’ils peuvent faire et la façon dont ils prennent de la place sur une surface particulière. Le processus me permet de dessiner des liens et de donner un sens à la marque, à la texture et à la couleur.
Je suis tombé sur l’encre acrylique FW au début de ma pratique, fasciné par le déluge de travail sur des supports humides. J’aime le défi et la lutte de chaque tableau. Il y a certainement une danse, avec une certaine imprévisibilité et une soumission aux forces de gravité sur une piscine de support humide, la façon dont le pigment se déplace lorsque vous ajustez le rapport eau ou support à l’encre, et la façon dont la peinture se transforme avant vos yeux alors que le liquide s’évapore et que le pigment reste. Il y a un push-pull, un caprice et une attente pour que quelque chose soit révélé.
J’ai tendance à travailler pour un lieu et un groupe de spectateurs spécifiques, souvent avec une fonction liturgique. Mon processus commence par une étincelle lors de l’étude des Écritures, de la théologie ou de la poésie. Je crée des corpus d’œuvres unifiés par un seul thème ou sujet. Mon premier corps de travail était une illumination des textes bibliques et de la structure musicale du Requiem Ein Deutsches de Johannes Brahms. Dans un autre projet, j’ai lutté avec chacun des dix-neuf saints sonnets de John Donne par illumination, et quand il a été terminé, j’avais mémorisé tous les sonnets et suis tombé amoureux du travail de Donne. En 2016, j’ai terminé une commission de seize panels explorant une double nature d’obscurité et de lumière dans huit émotions humaines à travers les Psaumes. J’ai créé un ensemble d’œuvres pour l’exposition au monastère Saint-Paul et plus tard à la basilique Sainte-Marie (Minneapolis) qui a illuminé chacune des dix-sept lignes du Magnificat de Marie. En 2017, j’ai créé une exposition similaire aux stations de la croix où j’ai exploré de larges catégories de souffrance humaine à travers la souffrance spécifique de Jésus dans sa Passion. Dans ce projet, j’ai également été influencé visuellement par les philosophies japonaises du Kintsugi et du Wabi-Sabi, et j’ai infligé à de nombreuses toiles ce qui a été fait au corps du Christ, puis j’ai cherché à les réparer. Mon travail le plus récent était une exploration visuelle de la typologie biblique à travers l’illumination de cinq types de Christ.
Je crois en la valeur de la connexion de la foi et de l’art pour l’esprit moderne, à la fois en tant qu’artiste et en tant que spectateur de grandes œuvres. Il est vital pour la culture de lutter visuellement avec des idées difficiles à exprimer. Je crois aussi qu’il est bon pour l’âme humaine de se débattre avec notre limitation inhérente, le don de notre vie et le fait que nous sommes partenaires pour le meilleur ou pour le pire avec le monde invisible qui se trouve derrière ce que nous pouvons toucher. – Kelly Kruse
À l’intérieur du studio
Pendant quatre ans, j’ai eu mon studio dans le bâtiment historique Hobbs dans le bas ouest de KC. C’était un bel endroit pour s’épanouir en tant qu’artiste et un endroit inspirant pour faire de l’art. À l’automne 2016, j’ai déménagé dans mon studio pour diverses raisons.Mon home studio est ouvert pour des visites programmées occasionnelles de collectionneurs et de conservateurs, mais je n’organise actuellement pas d’événements en open studio. Après près d’un an dans mon home studio, je peux dire que c’était l’une des meilleures décisions que j’ai prises jusqu’à présent. Je peux sortir quand j’ai besoin d’une pause et travailler dans mon jardin, lire sur ma terrasse ou même sortir pour peindre.
Vous pouvez suivre tout le travail de Kellys via son Instagram ici.
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