Ilya Kabakov, artiste pionnier de l’installation et critique de la Russie aux yeux vrillés, décède à 89 ans

Ilya Kabakov, un artiste dont les œuvres expansives visaient fortement les rêves implosés de l’Union soviétique, ouvrant ainsi de nouvelles possibilités pour l’art de l’installation, est décédé samedi à 89 ans. Sa mort a été annoncée par sa famille le même jour.

Dans de vastes installations, Kabakov a repris les nombreux échecs de l’Union soviétique, où il a vécu pendant des décennies avant de partir pour l’Occident. En construisant les mondes de personnages imaginaires via des œuvres d’art de la taille d’une pièce, Kabakov a offert des versions améliorées de la réalité qu’il a vécue pour les téléspectateurs du monde entier.

Les visions de Kabakov étaient impitoyables, tristes et explicitement critiques de l’État, et étaient, de cette façon, assez différentes de l’art approuvé par le gouvernement en Union soviétique. Pour cette raison, il est devenu un géant de la scène artistique « non officielle » de l’Union soviétique, produisant secrètement – et même dangereusement – des œuvres qui existaient au-delà du courant dominant.

Ces œuvres ne pouvaient pas être montrées en Union soviétique, mais elles pouvaient être réalisées ailleurs. Avec la fin de la guerre froide, Kabakov a trouvé le succès en Occident et a fini par déplacer la création artistique en Russie, où de nombreux artistes se sont inspirés de son travail. Quand lui et sa femme Emilia ont eu une rétrospective de la Tate Modern en 2018, l’historienne de l’art Claire Bishop l’a qualifié de « le artiste d’installation paradigmatique.

La percée de Kabakov a eu lieu en 1988, lorsqu’il est devenu un succès du jour au lendemain après avoir ouvert une exposition personnelle à Ronald Feldman Fine Arts à New York. Le spectacle qu’il y a mis en scène, « Ten Characters », était un ensemble d’installations qui simulaient l’apparence de l’appartement communal de 10 pièces où Kabakov vivait enfant. Les appartements partagés comme celui-là étaient courants parmi les nombreux qui ne pouvaient pas se permettre de vivre seuls, et Kabakov a rappelé le sien sous la forme de chambres habitées chacune par un personnage invisible.

L’homme qui s’est envolé dans l’espace depuis son appartement (1988), le plus célèbre d’entre eux, met en scène un espace clos dont les murs sont tapissés d’images soviétiques de propagande. En son centre, suspendu sous un trou déchiré dans le plafond, se trouvait une fronde délabrée qui s’est apparemment lancée hors de cette pièce. Si l’Union soviétique a promis l’amélioration humaine à travers la course à l’espace, cet habitant semble avoir pris les choses en main, ne réussissant probablement qu’à ne pas atteindre les étoiles.

L’exposition a été un succès critique. « Pour ce visiteur, cela bat les films, n’importe quel jour », a écrit John Russell dans le New York Times. « L’expression véridique des identités pures est mise à nu, non protégée par la convention », a écrit Kirby Gookin dans Forum d’art.

Ce type de création artistique contrastait fortement avec une grande partie de ce qui était produit en Union soviétique à l’époque. « Je n’étais pas un artiste russe qui voulait montrer l’art russe à l’Occident », a déclaré Kabakov dans une interview avec Anton Vidokle, un artiste d’origine russe qui a fondé e-flux. « La position conceptuelle était de regarder la vie soviétique à travers les yeux d’un » étranger « qui est arrivé là-bas. »

Au fur et à mesure que la faveur internationale pour Kabakov grandissait, ses installations se développaient en taille. Labyrinthe (album de ma mère), une œuvre de 1990 qui appartient maintenant à la Tate, guide les spectateurs à travers un labyrinthe qui rend hommage aux expériences personnelles de Kabakov ; il comporte même un son de lui chantant des chansons russes. En parcourant les couloirs pour la plupart vides éclairés uniquement par des ampoules suspendues, on arrive finalement au centre, une pièce avec rien d’autre que des décombres. Le spectateur est invité à comparer cela aux photos professionnelles de la ville russe de Berdyansk qui sont exposées dans l’installation. Prises par son oncle, ces photos sont les images de la Russie que le gouvernement voudra peut-être montrer.

En 1989, Kabakov a commencé à travailler avec sa nièce, Emilia, qu’il a épousée plus tard. Ensemble, ils ont vécu à Berlin, puis à Paris, et enfin à New York, où ils sont restés une grande partie de leur temps ensemble. Ce n’est que périodiquement qu’il reviendrait à Moscou, la ville où il avait été basé pendant des décennies avant tout cela.

Même après la fin de l’Union soviétique, Kabakov a continué à produire de l’art sur le sens de l’utopie qui lui est associé. « La clôture du communisme a disparu maintenant, donc mon travail porte sur un monde qui n’existe plus – c’est aussi un sentiment étrange, voir disparaître le monde dans lequel j’ai vécu pendant tant d’années », a-t-il déclaré au Temps de Los Angeles en 1995.

Ilya Kabokov est né à Dnepropetrovsk, en Ukraine, en 1933. Lorsque la Seconde Guerre mondiale a éclaté, son père est parti se battre, le laissant seul avec sa mère, qui a d’abord déplacé Kabakov dans le Caucase, puis à Samarcande. Parce que son père n’est pas revenu après la guerre, ils ont vécu de manière nomade, se retrouvant à Moscou, où il a fréquenté l’école d’art de l’Institut d’art Sourikov.

Mais, Kabakov a rappelé un jour dans une interview avec le New York Times, « J’ai tout appris comme un singe, sans aucun sentiment. Et quand j’ai fini, j’ai senti que je n’étais pas en vie. J’ai donc décidé de créer un chef-d’œuvre, dans lequel je pourrais mettre toutes mes idées et tout ce que j’avais jamais ressenti et toute la beauté que j’avais vue. Je croyais que ce travail me rendrait réel. Il a commencé un grand tableau, puis l’a laissé derrière lui.

En public, Kabakov a produit plus de 100 livres pour enfants, ce qui lui a permis de gagner sa vie. En privé, dans les années 70 et 80, Kabakov devenait le leader d’un mouvement connu sous le nom de Conceptualisme de Moscou, dont le style était suffisamment glissant pour éviter la censure. Réponses d’un groupe expérimental (1970-1971), l’une des œuvres produites à cette époque, présente un cintre prêt à l’emploi aux côtés d’une grille de phrases méditant sur la création artistique. Le philosophe et critique d’art Boris Groys, un collègue de Kabakov, a admis que l’œuvre n’était pas entièrement réussie, mais l’a tout de même saluée comme « libératrice », notant qu’elle l’a mis sur une nouvelle voie dans sa propre écriture.

Bien que des pièces comme celle-ci aient été créées en grande partie hors de la vue du public, le travail des Kabakov finira par être exposé en Russie. En 2008, l’oligarque russe Roman Abramovich a investi 3 millions de dollars dans la rénovation d’un ancien garage qui a ensuite été transformé en centre d’art de Moscou, également appelé à juste titre Garage, qui exposait un ensemble d’installations des Kabakov. Cette même année, Abramovich a fait tourner les têtes lorsqu’il a acheté l’un des tableaux d’Ilya Kabakov pour plus de 5 millions de dollars aux enchères.

En 1995, Kabakov avait diagnostiqué la «ferme hostilité des collectionneurs qui n’ont pas de place pour loger» ses œuvres d’aménagement, dites «installations totales». Les choses avaient clairement commencé à changer, le mettant mal à l’aise. Il a appelé la foule qui s’est présentée pour l’ouverture du garage rozovii gnoiou pus rose.

Parallèlement aux installations, les Kabakov ont continué à produire de grandes peintures. Ils n’ont pas été bien accueillis en Occident. Claire Bishop a écrit en elle Forum d’art Une revue de la Tate Modern montre qu’il s’agit de « pseudo-collages hideux et démesurés dont l’emphase donne du fil à retordre à Jeff Koons – mais au lieu des effets Photoshop pornographiques de ce dernier, nous avions des images réalistes socialistes se fragmentant en couches de trompe-l’œil .”

Pourtant, ils ont continué à faire leurs installations totales, notamment au Grand Palais de Paris, où ils ont mis en scène la commande « Monumenta » de 2014, remplissant tout l’espace avec une œuvre énorme appelée Ville étrange qui comprenait une vaste antenne parabolique.

Au fil des ans, les œuvres des Kabakov sont apparues dans de nombreux lieux internationaux, y compris plusieurs éditions de la Biennale de Venise et une édition de Documenta, et dans de grandes enquêtes dans des institutions comme le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington, DC et le Pushkin Museum à Moscou. , où ils ont eu une rétrospective en 2008.

Kabakov est resté résolument critique envers la Russie jusqu’à la fin ; la nécrologie le concernant par TASS, l’agence de presse publique russe, a noté que la page Facebook de sa fondation est toujours interdite dans le pays. Bien qu’il n’ait pas beaucoup parlé de la guerre en Ukraine, Emilia l’a fait, la qualifiant de « la plus effrayante des guerres parce qu’il semble possible qu’elle puisse conduire à une guerre nucléaire totale » dans une interview avec le Journal d’art en 2022.

Malgré l’aigreur de leur art, les Kabakov exprimaient périodiquement des sentiments optimistes. En 2005, ils ont lancé un projet appelé Navire de la tolérance, un bateau en bois dont les voiles sont couvertes de dessins d’enfants sur la tolérance. Au cours des deux dernières décennies, il a visité Sharjah, Miami, La Havane, New York et l’oasis de Siwa en Égypte.

« L’objectif est bien sûr le lien avec d’autres cultures, et le navire en est le symbole », a déclaré Ilya. 1200artists.com en 2011. « Les enfants y sont très sensibles. D’autres symboles sont le vent, le message dans la bouteille, la liberté de la mer. Les enfants doivent savoir que leur message sera entendu.