La première étude de musée de Simone Leigh est un portrait de l’artiste à l’apogée de ses pouvoirs

Une grande dame dorée garde l’entrée de la première étude très attendue du musée de Simone Leigh, maintenant exposée à l’Institut d’art contemporain de Boston. La sculpture ressemble à plusieurs de ses créations les plus connues. Dans celle-ci, un torse de femme émerge d’une jupe en raphia en forme de cloche. Son visage est pur d’émotion et ses yeux manquent, une déclaration que les œuvres suivantes ne sont pas dérangées par un examen minutieux.

Dans les choix de matériaux, de masse et de forme, Leigh fait référence à une multitude de périodes historiques, de lieux et de traditions artistiques qui centrent les expériences des femmes noires. Certaines de ses références sont implicites ; la plupart sont en couches et obliques. Leigh s’est libérée il y a longtemps de devoir éduquer les ignorants – une obligation sûrement familière à la plupart des gens de couleur. Les sculptures ici font un clin d’œil à la poésie de Gwendolyn Brooks, les coiffes nimba fabriquées par les femmes de la côte guinéenne et la poterie de Caroline du Sud, entre autres.

L’équilibre et la puissance de ces œuvres sont immédiats, mais il faut du temps pour décoder l’art de Leigh. C’est le point, cependant: elle réfléchit à des lignées qui s’étendent sur des siècles mais qui se sont largement vu refuser une place appropriée dans les archives historiques.

Leigh, 56 ans, fait partie des sculpteurs contemporains les plus célèbres qui travaillent aujourd’hui. Elle a reçu le prix Hugo Boss en 2018, a participé à la Biennale de Whitney en 2019 et a réalisé le pavillon des États-Unis pour la Biennale de Venise en 2022, qui lui a valu le Lion d’or. Ce sont des actes difficiles à suivre, mais son émission ICA est à la hauteur du battage médiatique.

De nombreux bronzes et céramiques exposés seront familiers à tous ceux qui ont visité son pavillon de la Biennale de Venise, ce qui a fait d’elle la première femme noire à représenter les États-Unis. La conservatrice de l’exposition ICA Boston, Eva Respini, avec l’aide d’Anni Pullagura, a associé ces œuvres à des sculptures et des installations plus anciennes pour démontrer comment l’expérience a affiné l’argument et la technique de Leigh.

« Cette exposition fait vraiment l’argument d’une artiste travaillant au sommet de ses pouvoirs », a déclaré Respini, directrice adjointe des affaires curatoriales et conservatrice en chef à l’ICA, lors de l’aperçu de la presse.

Une œuvre qui a fait le voyage de Venise à Boston, Armoire (2022), se compose d’une cabane en raphia élancée surmontée d’un cauri en grès. Parlant de la pièce, Leigh a déclaré qu’elle invoquait des habitations traditionnelles au Cameroun et au Zimbabwe, Diego Velázquez Las Ménines, et Candomblé, une religion afro-brésilienne. Il fait également allusion à Mammy’s Cupboard, un restaurant du Mississippi sous la forme du stéréotype titulaire. Depuis qu’elle a commencé à faire de l’art dans les années 1990, Leigh s’intéresse aux histoires de femmes noires non occidentales et célèbre, parfois par des moyens surréalistes, leurs intersections culturelles. Les histoires ne se produisent pas dans le vide, suggère Leigh. Ils coulent et s’entrechoquent.

Leigh a déclaré qu’elle s’était appuyée sur la bourse de Saidiya Hartman pour sa présentation à Venise. Dans ses écrits influents, Hartman rejette ce qu’elle appelle les archives coloniales, qui éclairent peu leur intériorité d’esclaves, de personnes queer et de femmes noires. Compte tenu des lacunes dans les dossiers sur ces personnes, Hartman a fait des bonds d’imagination pour brosser un tableau plus complet.

Leigh, dans ses pièces les plus mordantes, évoque de la même manière des personnages qui remplacent les silencieux. La sculpture en bronze Dernier vêtement (2022), installée vers la fin de l’exposition, s’inspire d’une photographie souvenir du XIXe siècle d’une blanchisseuse jamaïcaine vivant dans les Antilles britanniques colonisées. Dans Dernier vêtementl’eau est nette comme un miroir propre et reflète le port de Boston, qui est visible d’une grande fenêtre. La femme regarde l’eau, pas nous, elle cache ses pensées.

« C’est l’une de ces choses qui arrive souvent dans mes recherches où cela implique que vous deviez regarder votre propre avilissement via l’anthropologie, ou via de nombreux médias différents fabriqués en Amérique », a déclaré Leigh. « C’est à la fois beau et implique une sorte de racisme que je ne veux pas perpétuer [in my practice].”

C’est de l’art lourd, symboliquement mais aussi matériellement. Vous pouvez même voir les œuvres de Leigh en taille ballon à mesure que sa pratique mûrit. C’est comme observer la conviction prendre racine et s’épanouir.

Ses œuvres récentes, réalisées dans son studio de Brooklyn avec l’aide d’assistants, partagent une certaine qualité immaculée. Les surfaces sont épurées et les couleurs plutôt sobres (noir, blanc, gris). La colère et le chagrin sont rationalisés.

En revanche, les premières œuvres des années 2000 ont l’énergie sans fard d’une bande de démonstration, et je dis cela comme un compliment. Il existe des céramiques à petite échelle émaillées et cuites en jaune et bleu aveuglants. Une cruche de visage resplendissante, Tête avec Cobalt, témoigne de sa maîtrise des techniques de cuisson mises au point par les potiers de Caroline du Sud. Elle a ajouté du sel au four, créant un revêtement tactile et brillant.

La pièce la plus ancienne du spectacle est Dents Blanches (pour Ota Benga), 2004, composé de rangées de « dents » en porcelaine qui dépassent d’un boîtier métallique. L’impression est de stalactites ou de mâchoires d’alligator. Le travail a été « fait sur la table de la cuisine quand j’avais un très jeune enfant, et quand j’ai réalisé que je n’allais pas arrêter de faire ces choses et que je devais me déclarer artiste », a expliqué Leigh.

Dents blanches a été inspiré par la vie d’Ota Benga, un esclave dont on se souvient pour avoir été exposé à l’Exposition universelle de Saint-Louis en 1904, puis au zoo du Bronx. Ses dents avaient été involontairement aiguisées comme celles d’un animal. Peu de temps après sa libération, il s’est suicidé.

L’œuvre représente « ma relation très tendue à l’anthropologie, à l’exposition universelle, [and] l’affichage du corps noir qui souvent, dans le cas d’Ota Benga… a conduit à sa disparition », a déclaré Leigh.

Leigh avait l’air fatigué de parler de Benga. Comme elle l’a dit, c’est de l’anthropologie toxique. Étant donné qu’elle a des décennies de création artistique devant elle (sauf imprévu), elle a dû apprendre à exorciser le mal. Par exemple, elle a travaillé pendant des mois sur une série de céramiques basée sur une photographie mise en scène de 1882 prise par un photographe blanc en Caroline du Sud qui a fait le genre de cartes postales dégradantes également référencées dans Dernier vêtement.

Il représente une femme assise près d’une cruche faciale qui fait pousser des tournesols et est un peu élaborée, conceptuellement : l’image est basée sur une caricature d’Oscar Wilde créée après sa visite aux États-Unis cette année-là. Wilde est dépeinte comme un singe, puis comme une femme noire dans un mélange miasmique d’homophobie, de misogynie et de racisme. Leigh a réinterprété les tableaux dans deux œuvres, une cruche de visage dont les traits sont abstraits dans des cauris et une figure féminine en forme de cloche intitulée Anonyme. Elle tend la main comme pour protéger son visage des voyeurs. Mais l’inhumanité, même de cette manière abstraite, pesait sur Leigh.

L’année dernière, elle a réalisé une version en papier mâché et raphia de Anonyme et mettez-le en feu sur le front de mer de Red Hook. La scène a été inspirée par la combustion d’une effigie connue sous le nom de Vaval pendant le carnaval tel qu’il est célébré en Martinique, et c’est le point culminant de Conspiration (2022), un court métrage de Leigh et Madeleine Hunt-Ehrlich. Ce n’était pas une scène solitaire; l’artiste Lorraine O’Grady a servi de témoin.

Leigh a dit qu’elle s’était sentie soulagée lorsque la silhouette avait été consumée et détruite par le feu. Une odeur carbonisée persistait probablement dans l’air, mais le monument a été réduit en poussière et rejeté par le vent. Puis elle retourna dans son atelier.